Piero Dorazio, abstraccionista revolucionario. Vida, principales obras, estilo

Piero Dorazio (Roma, 1927 - Perugia, 2005) fue uno de los máximos representantes del abstraccionismo europeo, movimiento artístico al que se acercó a mediados del siglo XX. Sus obras se caracterizan por el uso de las líneas, la geometría y los colores; todos ellos elementos que se convertirían en su sello estilístico, gracias también a un cuidadoso estudio y subdivisión del espacio.

Desde muy joven, Dorazio se adhirió gradualmente a la corriente abstraccionista italiana. En su trayectoria estilística es fundamental 1945, año en que finaliza la Segunda Guerra Mundial. En esta fecha, la escena artística italiana empezó a sentir la necesidad de despojar al arte de cualquier referencia naturalista y de la función social que habían caracterizado las obras hasta entonces, en favor de un nuevo lenguaje, aparentemente más sencillo y acorde con las experiencias artísticas internacionales. También Dorazio se expresó en este sentido. En 1945, junto con Carlo Aymonino, Achille Perilli, Mino Guerrini, Lucio Manisco, Carlo Busiri Vici, Alfio Barbagallo y Renzo Vespignani, fundó el Gruppo Ariete y, más tarde, el Gruppo Arte Sociale.

En 1947, la investigación expresiva del arte doraziano continuó a través del Grupo Forma 1, en el que participaron Carla Accardi, Ugo Attardi, Pietro Consagra, Mino Guerrini, Achille Perilli, Antonio Sanfilippo y Giulio Turcato; a los miembros del grupo les unía el deseo de liberar al arte de una dimensión psicológica o realista, asociándolo al criterio de estructura y con un enfoque en el signo y la forma que se convirtió en un elemento único de expresión. En adelante, estos principios influirían decisivamente en toda la producción de Dorazio.

Tras su residencia en Roma y sus viajes entre Europa y Estados Unidos, Dorazio eligió un antiguo convento de Todi, cerca de Perugia, como residencia permanente. Se trasladó allí en 1973, adaptándolo como residencia y estudio, y fue en la campiña de Umbría donde el artista encontró nueva inspiración y absorbió una fértil energía que despertó sus sentidos. Aquel pequeño pueblo se convirtió de hecho en un verdadero templo delarte abstracto que acoge también a artistas internacionales.

La búsqueda de significado en las composiciones dorazianas no es tarea fácil. Y sin embargo, en numerosas entrevistas con críticos, Dorazio encuentra una clave para entender el arte abstracto , al afirmar que elcuadro abstracto no representa nada más que a sí mismo, ya que está formado por elementos de la visión: color, espacio, materia, tamaño y movimiento se combinan para transmitir sensaciones y emociones. El arte se sintetiza en la representación de lo irreal, que, sin embargo, es capaz de excitar y transmitir sentimientos y sensaciones verdaderos. En consecuencia, el arte no figurativo es siempre abstracción porque a través de él se pueden crear imágenes mediante los elementos de la visión.

Vida

Piero Dorazio nació en Roma el 29 de junio de 1927. Paralelamente a sus estudios clásicos, asistió al estudio del pintor Aldo Bandinelli, comenzando a pintar escenas de paisajes y naturalezas muertas y concentrándose después en temas que recordaban remotamente al cubismo. La pintura representaba para el artista una forma de transgresión y evasión del clima bélico y fascista que también perturbaba el sector artístico de la época. Tras estudiar arquitectura en la Universidad de Roma, se matriculó en la escuela de especialización y asistió a los cursos de Lionello Venturi, una valiosa oportunidad para acercarse a las obras de Paul Cézanne, precursor del cubismo, a través de diapositivas.

En 1947, obtuvo una beca para la École des Beaux-Arts de París, donde residió durante un año, gracias a la mediación de Gino Severini, entrando en contacto con los protagonistas de la escena cultural y artística local, como André Breton, Henri Matisse, Joan Miró, Le Corbusier, Georges Braque, Hans Arp y Fernand Léger. Ese mismo año viajó a Praga, ciudad en la que se celebró el primer Festival Mundial de la Juventud, cuya sección italiana fue comisariada por Mario Pirani y los socialistas, y que representó el primer gran encuentro internacional de jóvenes de todo el mundo. De vuelta a Roma, las sugestiones del ambiente parisino engrosaron la producción artística de Dorazio, que expuso tres obras en la Quadriennale de Roma en 1948, y dos años más tarde se embarcó en un ambicioso proyecto: junto con Achille Perilli y Giovanni Guerrini, inauguró L’Age d’Or, una galería-librería en Via del Babuino especializada en revistas y libros de vanguardia y lugar de exposiciones de arte abstracto, así como el primer punto de encuentro de la bohemia internacional.

Las exposiciones en Estados Unidos y los contactos con artistas como Klein, Cornell, Motherwell, Duchamp y Rothko constituyeron para el artista una confrontación continua con el arte internacional en ebullición que abarrotaba las galerías neoyorquinas en aquella época. De hecho, en 1954, la Rose Fried Gallery organizó su primera exposición individual. Tres años más tarde, en la Galleria La Tartaruga, inauguró su primera exposición individual italiana.

En 1960, en la Universidad de Pensilvania (Filadelfia), Dorazio reorganizó y dirigió el Departamento de Bellas Artes. Al año siguiente recibió el Prix Kandinskij y el premio de la Bienal de París, pero rechazó el millón de francos por estar en contra de la política bélica francesa en Argelia. En 1968 vivió seis meses en Berlín, gracias al premio que recibió de la Academia Alemana. De regreso a Italia, se trasladó a la campiña romana y luego residió permanentemente en el convento de Todi, cerca de Perugia.

Aquí continuó su obra, dedicándose a libros de artista, ilustraciones, estampas, grabados y producciones teatrales. En 1979, una gran exposición antológica, organizada por el Musée d’Art Moderne de la Ville de París, celebró el genio del pintor, a la que siguió, en 1990, una exposición en el Musée de Grenoble. Cuatro años más tarde, colaboró en la realización de mosaicos artísticos para las estaciones de metro de Roma. La reputación internacional del artista también se presentó con motivo de la exposición Dorazio Jazz, celebrada en el Museion de Bolzano, aunque la retrospectiva organizada en el Institut Valencia d’Art Modern, de Valencia, tuvo mayor trascendencia. Tras haber alcanzado una posición destacada en el panorama del arte abstracto, confirmada también gracias a experiencias en el extranjero, Piero Dorazio falleció el 17 de mayo de 2005, en Perugia.

Principales obras y estilo de Piero Dorazio

La producción artística de Piero Dorazio se extiende a lo largo de un periodo de aproximadamente sesenta años, desde las primeras obras de los años cuarenta centradas en el tema del paisaje, pasando por los escasos ejemplos que muestran sugerencias futuristas, hasta el principal resultado de su investigación que, mediante el uso de colores bien definidos que puntúan la superficie pictórica, toma forma en la larga serie de obras abstractas.

En las primeras fases de su investigación pictórica, el artista se detiene en el tema del paisaje, tomando como modelo la campiña romana de la Via Flaminia, de la que observa la naturaleza salvaje e inculta y analiza sus luces y sombras, transformando estas vistas en “paisajes intuitivos”. Su acercamiento al movimiento cubista es efímero y encuentra uno de sus mayores logros en el Bodegón de 1946, actualmente en una colección privada. Pintada inmediatamente después de la Segunda Guerra Mundial, forma parte del núcleo de obras de juventud que Dorazio creó a raíz de algunas sugerencias suscitadas por una visita a la exposición con reproducciones de cuadros impresionistas, organizada por Lionello Venturi en la Galería Nacional de Arte Moderno, y gracias al curso sobre Cézanne impartido por Venturi en la Escuela de Especialización, que le introdujo en el arte precubista a través de diapositivas en blanco y negro proyectadas durante la lección.

A partir de 1946, el artista conoce a Gino Severini y Enrico Prampolini, fundadores del Club Internacional de Arte de la Galería de San Marcos, que le introducen en el Futurismo, movimiento hasta entonces ignorado por estar asociado al fascismo. En este periodo, sus obras demuestran una ruptura con el clima cultural romano e italiano mediante el uso de colores discordantes y formas que sugieren dinamismo, como demuestra Composizione - Fiorista (Composición - Florista ) de 1947, conservada en la GAM - Galleria civica d’arte moderna e contemporanea de Turín.

Ese mismo año, el viaje a Praga da lugar a la creación de la serie de Paisajes de Praga, como Puente de Carlos y Toda Praga, obras abstractas que se centran en la organización del espacio a través de la definición de estructuras y líneas como triángulos y ojivas que, en cierto modo, restituyen la fisonomía gótica de la ciudad. París representa uno de los viajes más formativos para el artista. Aquí tuvo la oportunidad de pintar y estudiar arquitectura, frecuentando también a Le Corbusier, Matisse y muchos otros.

Un interesante resultado de esta estancia es Leda, de 1949, obra inspirada en el mito griego y presentada como una obra constructivista, donde las imágenes están organizadas por planos y cesuras, así como la presencia de un movimiento de líneas curvas y rectas que confieren a la obra una sintética carga cubista.Una de las obras de mayor éxito internacional es el relieve Quattro domande, obra que constituye la puesta a cero de la pintura, donde las cuatro preguntas hacen referencia a los conceptos de espacio, color, materia y luz, planteando una cuestión sobre cómo interpretar estos cuatro parámetros de la forma expresiva. Forma parte de una serie de relieves realizados entre 1952 y 1954, algunos de los cuales se fundirán en plata y bronce. Los relieves blancos, en particular, serán muy aclamados por la crítica norteamericana.

Conversazione telefonazione con Ulàn Batòr (Conversación telefónica con Ulàn Bat&ogr ave;r) de 1954 constituye un claro retorno a la pintura, a través de pinceladas de color que recuerdan obras maestras como Estados de ánimo de Umberto Boccioni, que el artista vio en la Galleria La Margherita de Roma. Ahora la composición es completa y la superficie del cuadro se ve como una composición musical rítmicamente repetida, dinámica y continua a través del trazo del color.

En la producción del artista, el uso de títulos particulares, como el utilizado para Interno de 1957, pretende desorientar al observador, distraerle del hábito de ver representado en el cuadro algo ya conocido. En este caso, el título remite a un interior metafísico, ya que la obra no representa ni un paisaje ni una figura. Este cuadro continúa la experiencia del anterior, ya que contiene formas similares de pintar, como la pincelada plana y el trazo de espátula. Los colores no son dramáticos, sino serenos, como lo eran los de Dorazio en aquella época.

Hacia finales de la década de 1950, los cuadros se caracterizan por una superficie densa de pinceladas. Cuadros como Corriente de ternura y Estigia, creados en 1958 y conservados en el Museo del Novecento de Milán, revelan una mezcla de tres colores primarios, utilizados de forma casi divisionista. Los dos lienzos anticipan las “retículas” de los años sesenta, tal y como las definen los críticos. A esta tipología pertenece Oltre blu (Más allá del azul), obra en la que pinceladas ordenadas construyen una estructura que crea una sensación de espacio; no son trazos rectos, sino que están pegados unos a otros, recordando la pintura divisionista de Previati. También en la década de 1960, Dorazio investigó de cerca la trama de las “retículas”, produciendo verdaderas ampliaciones con líneas oblicuas, horizontales y verticales superpuestas. Así se construye Cercando la Magliana, de 1964, procedente de una colección privada, que sugiere una sensación de movimiento y luz. El tema del dinamismo también se refleja en Tangente, una pintura de líneas curvas que caracteriza las obras de 1966 a 1969.

En la década de 1970, la pintura del artista se hizo cada vez más rítmica, llena de contrastes y puntos de luz y sombra, como demuestra Discanto, de 1975. Aquí las manchas de color se dibujan en orden, de forma intuitiva y dinámica. La búsqueda minuciosa de la estructura de la composición es un tema constante en toda la producción tardía del pintor. Hasta la década de 2000, el tema de las “retículas” se analiza en numerosas obras que le han convertido en uno de los artistas abstractos más importantes del panorama italiano e internacional.

Dónde ver las obras de Piero Dorazio

Aunque muchas obras se conservan en colecciones privadas, hasta la fecha la producción doraziana a la vista del público se reparte entre Italia, Viena, Ámsterdam, Londres y Nueva York.

Empezando por la primera ubicación, la GAM - Galleria civica d’arte moderna e contemporanea de Turín, donde se conservan tanto Composizione - Fiorista (1947) como La ribambelle des Gobelins (1964). En Roma, en cambio, está Ginn Rull, un díptico en acrílico sobre lienzo propiedad de la GNAM - Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea di Roma; en el MACRO - Museo d’arte contemporanea di Roma hay una obra de la fase de madurez, No-stop que data de 1996. También forma parte de la colección Intesa Sanpaolo un óleo sobre lienzo titulado Crack bleu, de 1959.

El Museum moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien de Viena tiene Supernova , de 1958. En la Tate Modern de Londres se encuentra Molto a punta, de 1965, y en el Stedelijk Museum de Ámsterdam Tra una cosa e l’altra, de 1966. Continuando en el extranjero, en la Albright-Knox Art Gallery de Buffalo se encuentra A peaceful solution de 1976-1977.

Con la intención de promover el arte de PieroDorazio y fomentar el estudio y la protección de la producción del artista, en 2014 se creó en Milán, a instancias de sus herederos, laAssociazione Archivio Piero Dorazio.

Piero Dorazio, abstraccionista revolucionario. Vida, principales obras, estilo

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