Paul Klee, vida, obra y estilo del pintor abstracto

Paul Klee (Ernst Paul Klee; Münchenbuchsee, 1879 - Muralto, 1940) fue uno de los principales exponentes del movimientoabstraccionista de principios del siglo XX. Artista polifacético, se aventuró con éxito en diversas disciplinas hasta que encontró su verdadera expresión en la pintura. Klee creció en un entorno en el que la música era omnipresente: no es de extrañar que considerara sus cuadros como una composición musical.

A lo largo de su vida, Klee entró en contacto con varios grandes maestros, a los que conoció en persona o a través de sus obras maestras, reinterpretando y reflexionando sobre sus obras y su pintura de un modo muy personal. También formó parte del famoso grupo Der Blaue Reiter (“el caballero azul”), que se inscribía en la corriente más ampliadel expresionismo alemán. Conocemos varios detalles de su vida gracias a una serie de escritos autobiográficos, titulados “Diarios”, que nos acompañan a lo largo de toda la existencia de Paul Klee, desde sus diversos viajes entre Suiza y Alemania, pasando por su servicio militar durante la Primera Guerra Mundial, hasta su enfermedad, sin dejar nunca de pintar.

Vida de Paul Klee

Ernst Paul Klee nació el 18 de diciembre de 1879 en Münchenbuchsee, una pequeña ciudad de Suiza cercana a Berna. Su padre, Hans Klee, era un profesor de música alemán, mientras que su madre, Ida Frick, era una cantante de ópera suiza. Desde muy temprana edad, Klee entró en contacto directo con la música y su padre le animó a estudiar los fundamentos. Esta formación le acompañó a lo largo de toda su carrera pictórica. De niño, Klee entró en contacto con el dibujo gracias a su abuela materna, al mismo tiempo que recibía sus primeras clases de violín y escribía poesía a diario, demostrando desde muy joven múltiples habilidades y pasiones que continuó cultivando durante toda su juventud. Más tarde ingresó como violinista en laOrquesta Sinfónica de Berna.

En 1899, la familia Klee se trasladó a Múnich, al barrio de los artistas. Klee siguió probando todas las artes sin preferir ninguna en particular, hasta que decidió matricularse en la Academia de Bellas Artes. Sin embargo, entonces tuvo que asistir a una escuela privada de dibujo, ya que no fue admitido en la Academia debido a deficiencias en la asignatura de Dibujo de Figura. Durante este periodo, Klee inició una nueva búsqueda artística personal, concentrándose más en la línea que en el color, lo que dio lugar a sus primeros experimentos con grabados. En 1900, consiguió matricularse en la Academia, donde asistió a clases junto a un alumno ruso que estaba destinado como él a convertirse en un gran nombre del abstraccionismo: Vasily Kandinsky. Durante sus estudios también entró en contacto con la corriente Jugendstil, la versión alemana delArt Nouveau. Además, uno de los profesores de Klee fue Franz von Stuck, fundador de la primera Secesión de Múnich. La figura de Von Stuck influyó tanto en Klee que aceptó el consejo de su profesor de visitar Italia. Klee permaneció en nuestro país unos meses, visitando diversas ciudades y quedando fascinado por las obras maestras artísticas y los paisajes, marchándose a regañadientes para regresar a Berna. Una vez de vuelta, Klee continuó sus estudios como artista autodidacta mientras seguía un curso nocturno de desnudos y anatomía plástica.

Entre 1903 y 1905, el artista realizó una serie de aguafuertes titulada Invenciones, en la que se mezclan imágenes reales y fantásticas (aparecen seres con rasgos grotescos y deformes). Durante estos años, Klee también tuvo la oportunidad de visitar París, donde conoció a los impresionistas, y de estudiar a varios grabadores, entre ellos Francisco Goya y sus Capricci, muy próximos a sus Invenciones. En 1906, expuso las Invenciones en la exposición de la Secesión de Múnich, y la singularidad de la colección intrigó a varios críticos. Ese mismo año, Klee se casó con una pianista que había conocido varios años antes, Caroline “Lily” Stumpf, y ambos tuvieron su único hijo, Felix, al año siguiente. Klee fue un padre muy afectuoso y presente en la vida de su hijo; de hecho, a menudo dedicaba tiempo y energía al arte para ocuparse de la salud de su pequeño. En los Diarios leemos que Klee identifica este período como el de su madurez estilística. Durante estos años, pintó cuadros muy pequeños, en miniatura, cuyo formato se debía probablemente más al tamaño del minúsculo piso al que se había mudado con su familia en Múnich que a una elección estilística particular.

En 1908, participó en una exposición de la Secesión de Múnich con algunos cuadros en los que se aprecia cierta inspiración en Vincent van Gogh, cuya exposición había visto. Otro artista que influyó en la obra de Klee en los años inmediatamente posteriores fue Paul Cézanne, cuyos cuadros de 1908 a 1911 representan paisajes en plein air. Además, Klee escribió explícitamente que consideraba a Cézanne su maestro. En 1911, el círculo de conocidos de Klee le llevó primero a crear el grupo Sema junto con Schiele y Kubin, con el objetivo de encontrar la reducción esencial de los elementos. Más tarde, se unió a August Macke, Franz Marc y Vasily Kandinsky en el famoso grupo Der Blaue Reiter, inicialmente conocido como Neue Künstlervereinigung (" Nueva Unión de Artistas"), cuyo objetivo era crear una red de apoyo para los jóvenes pintores de Múnich. Klee expuso junto con los demás miembros de Der Blaue Reiter en la segunda exposición organizada por el colectivo. También se unió a la Nueva Secesión de Múnich en 1913.

En 1914 se produjo un episodio que resultó fundamental para el desarrollo artístico de Klee, y en particular para su relación con el color: ese año emprendió un viaje de dos semanas a Túnez y Hammamet junto con Macke y Louis Moilliet. A partir de ese momento, Klee comenzó a utilizar en sus cuadros tonos cálidos y luminosos, típicos de los paisajes tunecinos. Escribió en sus diarios que ésta fue la época más feliz de su vida, ya que se sentía sin preocupaciones y se definía como pintor, en profundo contacto con el color. En 1916, ya con treinta y seis años, fue llamado a servir en la Primera Guerra Mundial durante dos años, escapando por los pelos del frente debido a la muerte de otros artistas en el campo de batalla, por lo que el Rey de Baviera decidió no enviar más pintores muniqueses a la batalla. A pesar de sus compromisos durante el servicio, siguió pintando de forma bastante prolífica. Al finalizar su servicio militar, regresó a Suiza y en 1920 fue llamado por Walter Gropius a la Bauhaus de Weimar como profesor de pintura. En sus clases, Klee concedía la misma importancia a la formación científica que a la dimensión poética de la pintura, y sus alumnos le seguían con gran entusiasmo. Sin embargo, Klee siempre se mantuvo algo distante como profesor, insistiendo en cierto modo en la idea de no tratar con verdaderos artistas. Gropius se refirió a él como “la instancia moral extrema de la Bauhaus”.

En 1924, la Bauhaus, y en consecuencia también Klee, fue trasladada a Dessau debido a las hostilidades que habían surgido en Weimar. Klee continuó enseñando, pero poco a poco empezó a tomarse cada vez más tiempo libre para viajar a Suiza y Francia y para pintar, enfrentándose a las críticas de la dirección de la Bauhaus por su falta de constancia. El compromiso como profesor se volvió demasiado apremiante para Klee, por lo que abandonó la Bauhaus y buscó otras instituciones donde poder enseñar a un ritmo más lento, llegando a la Academia de Düsseldorf en 1931. La experiencia, sin embargo, duró un par de años, hasta que fue obligado a dimitir por el régimen nazi y tuvo que regresar a su ciudad natal, donde continuó pintando obras de tonos tristes y sombríos, claramente influidas por los horrores de la Segunda Guerra Mundial. A pesar de ello, la popularidad de Klee en estos años estaba bien asentada y consagrada por una serie de exitosas exposiciones en toda Europa, de Londres a Francia, e incluso fuera de ella, llegando hasta Estados Unidos. El régimen nazi no vio con los mismos ojos el consenso que Klee estaba adquiriendo e incluyó sus obras en la lista de artistas “degenerados” que debían ser censurados (lea más sobre el arte degenerado aquí), retirando todas sus obras de los museos alemanes. El cariño de muchos artistas que, solidarios con lo que estaba ocurriendo, fueron a visitarle a Suiza, le dio el impulso necesario para seguir ejecutando obras experimentales. Nunca dejó de pintar durante estos años, a pesar de que empezó a experimentar los primeros síntomas de una esclerodermia progresiva que le debilitaba cada vez más. Al deteriorarse su salud, fue trasladado a clínicas cercanas a Locarno. Murió en Muralto, cerca de Locarno, el 29 de junio de 1940, pocos meses después de perder a su padre.

El estilo de Klee

Paul Klee fue un artista muy prolífico que exploró diferentes técnicas y materiales pictóricos: realizó dibujos, grabados, aguafuertes, óleos, acuarelas, pasteles, sobre numerosos soportes que iban del lienzo a la madera, del cartón al lino. Fabricaba o reelaboraba diversas herramientas, como los pulverizadores de pintura o el compás utilizado sin mina para marcar formas circulares sobre el lienzo, con el fin de lograr el resultado deseado. Para Klee era fundamental dar forma a lo no visible. “El arte”, decía el pintor, “no representa lo visible, sino que hace visible lo que no es visible”. Sin embargo, en comparación con la abstracción de Kandinsky, la de Klee obedece a fundamentos diferentes: las obras de Klee apenas abandonan por completo la figuración. Su idea es, en todo caso, comprender los orígenes de las formas.

Las obras de Klee se inscriben en la corriente delabstraccionismo, un modo de representación en el que la realidad no se reproduce de manera tradicional, sino que se plasma un razonamiento que los diferentes artistas investigan de manera personal, tratando de identificar sus mecanismos más profundos.En los lienzos abstractos, en efecto, encontramos formas y colores que constituyen el equivalente de los elementos naturales, aun cuando éstos sean completamente diferentes de los reales. Paul Klee llegaría gradualmente al abstraccionismo en el transcurso de su vida artística, pero ya desde sus primeras obras es posible advertir la presencia de elementos no reales, aunque sigan siendo representados mediante formas canónicas de dibujo. De hecho, la producción temprana se centra en grabados plenamente figurativos que demuestran una notable capacidad de imaginación y fantasía combinada con un alto nivel técnico. Así lo demuestra la colección Invenciones, donde encontramos como tema principal figuras fantásticas que combinan realidad e imaginación exacerbando ciertos detalles, rozando incluso lo grotesco y lo caricaturesco. Bajo la representación de estos elementos, Klee oculta en realidad una crítica velada a la burguesía. Véase, por ejemplo, Komiker (1904),

Durante un periodo, entre 1908 y 1911, la naturaleza está presente en una serie de dibujos de paisajes explícitamente inspirados en Cézanne, de quien se diferencia, sin embargo, en que las formas son analizadas simbólicamente y no representadas mediante una reproducción objetiva. La adhesión al grupo Der Blaue Reiter es el impulso que lleva a Klee a reflexionar sobre la luz y el color, que aún no ha resuelto del todo. La encontrará tres años más tarde, lejos de casa, durante su viaje a Túnez en 1914. Este es el verdadero punto de inflexión en la pintura de Klee, ya que finalmente abraza el color en su totalidad, sintiéndose pintor por derecho propio. Las formas, en las obras de este periodo, están presentes pero de manera muy simbólica y evocadora. Véase, por ejemplo, Cúpulas rojas y blancas, de 1914, en la que Klee recupera las sugerencias visuales derivadas de su contacto con el paisaje arquitectónico tunecino, formado por densos grupos de casas, a través de una cuadrícula de bloques de color brillantemente yuxtapuestos. Este recurso reaparecerá muy a menudo en las obras posteriores del artista suizo.

Este equilibrio entre color y simbolismo sigue presente en las obras que realizó durante la Primera Guerra Mundial, como Frente al Gaslamp (1915), en la que sus experimentos en este sentido alcanzan su punto culminante. El cuadro, además, presenta un rasgo estilístico preciso de Klee: un “cuadro dentro de otro cuadro”, como si se tratara de un segundo encuadre, creado dibujando un rectángulo en el que se inserta la escena principal.

Sus años de profesor en la Bauhaus le llevaron a enfrentarse al racionalismo, del que, sin embargo, se alejó sin implicarse plenamente, continuando sus investigaciones sobre el color. Tomemos, por ejemplo, Separación al atardecer (1922), donde los elementos están colocados en el espacio de manera racional y, sin embargo, no parecen inmóviles, sino que parecen moverse en el espacio aumentando y disminuyendo. A partir de aquí, podemos identificar aún más explícitamente la relación tan profunda del artista con la música. En la obra en cuestión y en numerosos otros cuadros, de hecho, Klee reproduce patrones típicos de una composición musical, como las escalas de notas o la propagación de las vibraciones. Véase, por ejemplo, Fuga en rojo (1921), que ya revela una conexión con este mundo en su título y la hace aún más explícita mediante la presencia de figuras que vibran como si emanaran sonido.

Hacia finales de los años veinte, Klee realizó dos obras, entre las más famosas, en las que parece haber logrado un equilibrio entre todos los elementos que habían caracterizado sus cuadros hasta entonces: el sol (tanto por la forma circular como por la luminosidad), los bloques dispuestos en cuadrícula, las combinaciones de colores, el ritmo musical, los paisajes arquitectónicos tunecinos, encuentran realización y sublimación en Castillo y sol de 1928 y Calles principales y secundarias de 1929. El último periodo de la vida y del arte de Klee, como ya se ha señalado, está condicionado por una serie de acontecimientos negativos, entre el advenimiento del nazismo y los primeros signos de enfermedad. No es casualidad que en las obras de este periodo veamos aparecer grandes manchas negras y oscuras de tonos ominosos, que se abaten sobre colores densos y melados. Echa un vistazo a Revolución del viaducto y Mirando al rojo, ambas pintadas en 1937. Klee pintó hasta el último día de su vida. Se dice, de hecho, que cuando murió, en su caballete aún había un cuadro en curso.

Dónde ver las obras de Klee

En Berna, Suiza, se creó el Zentrum Paul Klee, un museo dedicado al conocimiento de la obra del artista. Aquí, además del 40% del total de las obras de Klee, existe un instituto de investigación dedicado al pintor. La colección permanente del Zentrum también incluye obras de otros artistas, que las donaron a Klee y que éste, por tanto, conservó entre sus posesiones privadas, entre ellas cuadros de Kandinsky y Marc. El museo se inauguró en 2005 en un edificio construido a partir de un diseño de Renzo Piano.

Otro importante núcleo de obras se conserva en el Kunstmuseum, también en Berna, y en colecciones privadas. Otras obras se encuentran en Alemania, en Basilea (Kunstmuseum) Düsseldorf y Múnich, en Madrid y en Roma (Galería Nacional de Arte Moderno). Fuera de Europa, es posible admirar algunos cuadros de Klee en importantes museos de Nueva York (Metropolitan Museum of Modern Art y Museum of Modern Art). En Italia, aparte de los dos cuadros de la Colección Peggy Guggenheim de Venecia (Retrato de Frau P. en el Sur y Jardín mágico), no hay obras de Klee, pero se han organizado varias exposiciones, como “Klee e Italia”, celebrada en 2013 en la Galería Nacional de Arte Moderno de Roma, y “Klee y el primitivismo”, en el Museo delle Culture de Milán entre 2018 y 2019(lee la reseña aquí).

Paul Klee, vida, obra y estilo del pintor abstracto

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