Paul Cézanne. Vida y obra del pintor que inventó el arte del siglo XX

Paul Cézanne (Aix-en-Provence, 1839 - 1906) perteneció a la corriente postimpresionista. Con sus obras sentó las bases del cubismo y, en general, del arte del siglo XX, sobre todo por la simplificación formal que sirvió de fundamento a muchas vanguardias de épocas posteriores. El pintor no tenía un carácter dócil y prueba de ello fueron sus agrias relaciones con su padre, que quería que fuera doctor en Derecho, pero el joven artista se rebeló para seguir su pasión: el arte. Pocos fueron los “elegidos” que cayeron en gracia al pintor, entre ellos el artista Camille Pissarro, con quien mantuvo una larga amistad y una fuerte complicidad artística. Menos afortunado, sin embargo, fue el escritor y amigo Émile Zola quien, tras publicar una de sus novelas, fue duramente criticado por Cézanne.

Si en las relaciones humanas Cézanne no fue especialmente hábil, lo contrario puede decirse de su arte, que supo sumarse a los fructíferos experimentos artísticos que tuvieron lugar en la época en la que trabajó el artista. Cercano en un principio a los impresionistas con los que frecuentaba el Café Guerbois de París, Cézanne se distanció pronto de ellos para desarrollar un estilo personal, una técnica pictórica más científica y reflexiva que pudiera dar al arte su legítima autonomía. Durante la mayor parte de su vida, el pintor francés permaneció en su casa de campo de la Provenza, aunque en su juventud se sintió muy atraído por los bulevares parisinos y los cafés de Montmartre y Montparnasse. En la campiña francesa tuvo muchos estímulos y temas que representar, muchos de los cuales se convirtieron en su sello distintivo, como la montaña Sainte-Victoire, o los numerosos bodegones y retratos.

Paul Cézanne, Autorretrato con gorra (1875; óleo sobre lienzo, 53 x 39,7 cm; San Petersburgo, Ermitage)

La vida de Paul Cézanne

Paul Cézanne nació el 19 de enero de 1839 en Aix-en-Provence, hijo de Louis-Auguste y Anne Elisabeth Honorine Aubert, en el seno de una familia acomodada. Estudió en el Colegio Bourbon de su ciudad natal. En 1852, Cézanne entabló una larga amistad con el célebre escritor Émile Zola, destinado a convertirse en uno de los intérpretes más sensibles y conocidos de la literatura francesa del siglo XIX. Su padre quería que su hijo estudiara Derecho, pero el joven abandonó sus estudios en 1860 para dedicarse al arte, actividad que también apoyaban su madre y su hermana. Aunque su padre no apreciaba la elección de su hijo de convertirse en artista, le permitió asistir a las mejores escuelas de Francia, gracias a la afluencia económica de la que gozaba la familia. Tras este primer acercamiento al mundo del arte, Cézanne desarrolló rápidamente el deseo de trasladarse a la que se convertiría en la verdadera capital del arte: París. En 1861, obtuvo por fin el permiso de su padre para ir a la capital francesa, con la condición de que su hijo consiguiera entrar en una de las escuelas de arte más famosas, la École des Beaux Arts. El joven pintor no superó el examen de ingreso y asistió a la Académie Suisse, más libre: aquí Cézanne trabó amistad con Édouard Manet, Claude Monet y Camille Pissarro, representantes de una nueva forma de pintar, alejada de la tradicional que se enseñaba en las academias. Durante esta primera estancia, visitó con frecuencia el Louvre, donde admiró las obras maestras de Caravaggio, Tiziano, Rubens, Miguel Ángel y Velázquez, pero también las tendencias más modernas del arte de la época. Entre 1865 y 1867, Cézanne intentó muchas veces presentar sus obras en el Salón, que, sin embargo, fueron continuamente rechazadas.

Si las satisfacciones artísticas eran escasas, el artista encontró al menos consuelo en el amor: en el París romántico, en 1870, Cézanne conoció a Hortense Figuet, una joven modelo con la que se casó y con la que tuvo un hijo, Paul. Dos años más tarde, Pissarro le invita a su casa de campo de Pontoise, y durante su estancia aprende a pintar d’après nature, es decir, a pintar la naturaleza observándola al aire libre. Entusiasmado por su estancia, Cézanne decidió comprar una casa cerca de su amigo Pissarro, y fue aquí donde conoció al médico Paul Gochet, su futuro coleccionista. De esta época data una de las obras destinadas a hacerse muy famosas: La casa del ahorcado (1873). Con Pissarro, comienza a frecuentar el Café Guerbois, lugar de encuentro de los que serían los"impresionistas", que en 1874 le invitan a participar en la primera exposición impresionista celebrada en el estudio del fotógrafo Nadar en París. En aquella ocasión consiguió vender algunos cuadros, aunque hubo muchas críticas negativas y mucha hilaridad entre los visitantes. La excepción fue Victor Chocquet, un funcionario de aduanas amante del arte que era muy independiente en sus gustos estéticos y compró algunas obras de Cézanne. Chocquet admiraba mucho los cuadros del artista y entre ambos se estableció una bonita amistad. En 1877 participó en la segunda exposición de los impresionistas: fue la última vez que Cézanne participó en la exposición, consecuencia de que el pintor no estaba de acuerdo con su forma de hacer arte, que consideraba demasiado “retiniana”, es decir, demasiado cercana a la realidad.

Tras la exposición de 1877, el pintor se retiró a Provenza, donde permaneció veinte años en el famoso estudio de Jas de Bouffan (tema de algunos de sus lienzos), aislado y absorto en su arte. En 1886, tras la muerte de su padre, hereda una fortuna considerable que le permite despreocuparse de ganar dinero con su arte. Ese mismo año, su amistad con Zola se vuelve cada vez más amarga y la ruptura definitiva se produce tras la publicación del libro del escritor L’Opéra: la novela trata de un artista fracasado, con todos sus sueños y miserias, y en ella Cézanne se reconoce inmediatamente. Fue la gota que colmó el vaso: los dos amigos de la infancia no volvieron a hablarse.

En la década de 1890, Cézanne comenzó a trabajar en una de sus obras más famosas: Los jugadores de cartas . En 1895, el marchante de arte francés Ambroise Vollard organizó una exposición de la obra de Cézanne, que fue decisiva, ya que a partir de ese momento su notoriedad se disparó. En 1897 muere su madre, a la que estaba muy unido, y a pesar de la venta de la casa-estudio Jas de Bouffan, nunca se aleja realmente de su amada Provenza. Cézanne, de hecho, tenía un pequeño apartamento en el centro de Aix y un estudio con una ventana que daba directamente a uno de los temas favoritos de sus cuadros: la Montaña Santa Victoria. Entretanto, la fama del solitario y genial artista comienza a extenderse por toda Europa, y son numerosas las invitaciones para participar en exposiciones: sin embargo, el artista, en un aislamiento casi voluntario, se encierra en sí mismo en busca de nuevas experiencias artísticas.

A diferencia de muchos artistas que producen muchas obras en su juventud, Cézanne, al no ser un artista instintivo sino metódico y reflexivo, fue capaz de producir grandes obras maestras durante su madurez: de hecho, en 1904 se le dedicó una sala entera en el Salón de Otoño, que también vieron los jóvenes George Braque y Pablo Picasso, que estaban a punto de fundar el Cubismo. Sin embargo, la celebridad que alcanzó no le bastó: el pintor siempre estuvo atormentado por la idea de que no había logrado su objetivo. Cézanne quería pintar lo que pensaba y esta idea le atormentó durante toda su vida. La muerte le llegó de repente y en 1906 falleció de neumonía.

Paul Cézanne, Jarrón, cafetera y fruta (Naturaleza muerta en blanco y negro) (1867-1869; óleo sobre lienzo, 64 x 81 cm; París, Museo de Orsay)

Paul Cézanne, La casa del ahorcado (1872-73; óleo sobre lienzo, 55 x 66 cm; París, Museo de Orsay)

Paul Cézanne, El puente de Maincy (1879-80; óleo sobre lienzo, 58 x 72 cm; París, Museo de Orsay)

Paul Cézanne, Bañista (1885; óleo sobre lienzo, 127 x 96,8 cm; Nueva York, MoMA)

Estilo y principales obras de Cézanne

Lapintura de Cézanne era metódica y reflexiva: el artista no deseaba pintar lo que ve el ojo, como hacían los impresionistas, sino la construcción lógica y estructural del tema pintado. El pintor buscaba una síntesis de las formas; de hecho, según él, la naturaleza está compuesta de formas geométricas: cilindros, conos y esferas. Independientemente de cómo esté estructurada la naturaleza, lo que la mente puede percibir son formas geométricas, por lo que, según el pintor, es imposible reproducir la naturaleza tal cual es.

Los temaspreferidos de Cézanne eran las naturalezas muertas , los retratos y los paisajes. Las naturalezas muertas ofrecían a Cézanne una rica gama de formas que le permitían investigar la realidad de forma analítica y científica. Las mesas que ponía Cézanne eran al principio muy pobres, no tan ricas como las de Manet, y pobres eran también los objetos que disponía sobre ellas, como en Jarrón, cafetera y fruta (Bodegón en blanco y negro) de 1867-69, uno de los primeros bodegones del artista. Sobre la mesa desnuda descansan una jarra marrón, una vela, un pañuelo blanco con un cuchillo y unas cebollas y un limón. Aparentemente una composición desordenada y provisional, sin embargo, el artista puso su atención en el carácter estático y compuesto al que sigue la quietud y el silencio. Los objetos demuestran su poder volumétrico intrínseco, que también viene dado por el dibujo del color, realizado con un fuerte empaste y marcando los contornos en negro para dar mayor volumen a los objetos. La obra Terrapieno (Terraplén ), pintada en Provenza, data de 1870. La paleta se vuelve más clara en comparación con el bodegón de 1867 y esto es un signo de su acercamiento a los pintores impresionistas, aunque el pintor no renuncia a las pinceladas fuertes y densas que dan plena autonomía a sus obras. La casa del ahorcado (1872-73) se presentó en la primera exposición impresionista en el estudio de Nadar en 1874. La obra es el resultado de los consejos dados a Cézanne por su amigo y pintor Camille Pissarro, que de hecho comenzó a pintar en plein air (al aire libre) y a aligerar su paleta. En primer plano, sobre una marcada línea diagonal, se ve un camino rural; en el centro, una pequeña casa precedida de árboles largos y esbeltos; a la derecha, otra casa; entre ambas, una zona edificada, detrás de la cual se vislumbran colinas en el horizonte. De la volumetría de las casas se deduce inmediatamente un primer intento de simplificar las formas y, por tanto, una atención que aflora cada vez más en la definición de los volúmenes.

Además de las naturalezas muertas y los paisajes, Cézanne dedicó gran parte de su tiempo a los retratos y autorretratos. En Autorretrato con gorra (1875), el pintor se retrata con el rostro hacia la izquierda, donde su mirada se pierde. Su aspecto algo desaliñado, su larga cabellera y su barba desaliñada evidencian su carácter irascible, pero también cerrado, reservado y solitario. El artista lleva un abrigo oscuro y una gorra, y a la derecha se vislumbra un paisaje. También aquí se aprecia la necesidad del artista de imponer cierta geometría, aunque el cuadro fue realizado durante el periodo en el que se adhirió alImpresionismo. Una obra de extraordinaria frescura es, en cambio, El puente de Maincy (1879-80), en la que Paul procede mediante pequeñas y enérgicas pinceladas que definen el espacio. La composición está construida con la precisión y el rigor estructural habituales que caracterizan sus cuadros: los “bloques” de color construyen el puente, los árboles y todos los elementos representados. En la década de 1880, la investigación del artista sobre la forma y su deseo de devolver solidez a la naturaleza alcanzan un alto nivel, y un ejemplo de ello es el Bañista (1885), cuyo cuerpo solitario, emergiendo del fondo desnudo, avanza hacia el espectador, con las manos en las caderas y el rostro vuelto hacia abajo, completamente absorto en sí mismo. La figura también dialoga muy bien con su entorno, de hecho sus colores se hacen eco de los del agua, el cielo y la montaña del horizonte.

Cézanne también acentúa la solidez de las formas en el retrato de Madame Cézanne en el sillón amarillo (1888-90). Aquí, una bella mujer de ojos oscuros y cabellos castaños está envuelta en un vestido rojo, sentada en un sillón y mirando a la derecha: es su esposa Hortense Fiquet. El artista representa la delicada figura femenina en un puro juego de volúmenes, que dejan poco espacio a la expresión emocional, como de hecho se percibe en el rostro: la cabeza es un óvalo casi perfecto y los brazos adoptan una forma cilíndrica. En 1888, Cézanne regresa a París con su mujer Hortense y su hijo Paul, donde permanece hasta 1890. Durante este periodo dedicó mucho tiempo a la figura humana, de hecho decidió contratar a un modelo profesional para realizar cuadros. El modelo en cuestión era el joven italiano Michelangelo Di Rosa, representado en el cuadro El muchacho del chaleco rojo (1888-1890), en el que el artista estudia la relación entre la figura humana y el espacio. El muchacho aparece en la posición tradicional de la melancolía: sentado ante una mesa, el joven modelo mira hacia la derecha y su rostro se apoya en el brazo izquierdo. Viste blusa y chaleco blancos (de ahí el título de la obra) y pantalón azul. Grandes manchas de color componen el cuadro; de hecho, hay tramos en los que el artista recurrió a espátulas para extender el color de forma más nítida. Es precisamente el color el que construye la imagen y las formas volumétricas que se realizan a través de la yuxtaposición de bloques de color. La melancolía que invade a Michelangelo Di Rosa fue un elemento que impresionó mucho a Amedeo Modigliani, que vio el cuadro en la sala que el Salón de Otoño de 1907 dedicó a Cézanne.

Los retratos y autorretratos eran numerosos, y el artista pedía a menudo a sus modelos que permanecieran inmóviles durante horas y horas, como en el caso de Ambroise Vollard, su marchante, que afirmaba que posaba cien veces, y que podía pasar mucho tiempo entre pincelada y pincelada. En el retrato de Ambroise Vollard (1899), el hombre, elegantemente vestido, está sentado en una silla con las piernas cruzadas y un libro en la mano. El rostro del comerciante, enmarcado por una barba bien cuidada, parece pensativo. Los pocos detalles del rostro hacen que la mirada esté casi ausente y el fondo estático tratado con una paleta más bien oscura se ve interrumpido por una ventana, detrás de la cual se ve un fragmento de vida metropolitana. Los colores predominantes son el ocre y el marrón, a excepción de la camisa y la ventana que da al exterior, de donde procede la luz que ilumina la escena. Una obra muy famosa es Los dos jugadores de cartas (1892-95), que se centra en el juego cerebral de los dos jugadores. En todo el cuadro hay tres colores básicos: azul, amarillo y rojo. El cuadro es una variación de las numerosas versiones que Cézanne realizó tomando como modelo a los campesinos de Aix: sin embargo, no hay referencias folclóricas, ya que el interés del pintor se centra exclusivamente en el juego. El cuadro tiene una disposición muy geométrica que da a los personajes una nota clásica y está construido sobre una retícula formada por líneas horizontales dadas por el tablero de la mesa y la ventana y líneas verticales dadas por la botella del centro, la silla del jugador de la izquierda y las patas de la mesa. El pintor presta especial atención al uso del color, que aquí se convierte en materia densa que crea espacio, los tonos se utilizaron para dar forma y espacio a la obra. Frente a las primeras naturalezas muertas en las que Cézanne buscaba la sobriedad y la composición estática, las últimas naturalezas muertas son una elaboración más compleja y articulada, ejemplo de ello es Naturaleza muerta con naranjas y manzanas (1899) en la que estalla el uso del color. El espacio está invadido por la tela de aspecto oriental, un mantel blanco está colocado sobre la mesa con manzanas y naranjas dispuestas de diferentes formas y lugares. Todo el cuadro está construido sobre una diagonal que empieza a la izquierda y va hacia la derecha, y esta tendencia se acentúa también con la disposición de la fruta, dispuesta de forma piramidal. La diferencia entre profundidad y superficie queda enmascarada, y todo parece estar en el mismo plano, pero sin renunciar a su autonomía volumétrica.

Eltema de las Bañistas fue profundamente estudiado por el pintor francés, que le dedicó unos doscientos estudios, dando lugar a tres grandes lienzos: el primero se encuentra en el Museo de Arte de Filadelfia, el segundo en la National Gallery de Londres y el último en la Barnes Foundation, también en Filadelfia. El primer museo posee la versión más grande, que Cézanne pintó entre 1899 y 1906. Los Grandes bañistas consta de catorce figuras divididas en dos grupos y ambientadas en un entorno casi idílico (obsérvese la luz azulada y el paisaje amplio y apacible). El cuerpo femenino que pierde aquí sus formas armoniosas y delicadas se convierte en puro volumen que puntúa el espacio y el rostro pierde todo atisbo de expresividad. Más allá de los imponentes árboles, detrás de las figuras, se abre una lámina de agua desde la que la mirada del espectador se dirige hacia el horizonte. Cézanne representa un mundo intemporal en el que la naturaleza y el hombre casi se funden. El deseo del artista era dar al arte su propia autonomía con respecto al mundo real y en este lienzo Cézanne parece acercarse mucho a esta intención. Si para muchos artistas sus musas inspiradoras solían ser modelos y mujeres fascinadas, no fue el caso de Cézanne, que en los últimos años de su vida estudió la montaña de Saint Victoire en Provenza casi obsesivamente: cada vez la pintaba y analizaba de forma diferente, utilizando técnicas distintas y cambiando la paleta. La imponente montaña domina el valle cercano a Aix-en-Provance; su belleza fascinó al pintor, que intentó captar sus geometrías y volúmenes. La montaña de Sainte-Victoire desde el suroeste (1892-95) fue uno de los primeros lienzos de Cézanne con este tema. En el cuadro, aunque todavía bastante ligado a los elementos naturales, ya es posible discernir intervenciones que sintetizan las formas como, por ejemplo, los perfiles de las casas que se han convertido en volúmenes sin ventanas. Diez años más tarde, Cézanne vuelve a proponer el mismo tema: Montaña de Sainte-Victoire (1904-1906). Aquí el pintor investiga asiduamente la relación entre forma y color. Los contornos se difuminan, ya no hay casas sino manchas de color que insinúan los escasos elementos figurativos presentes. La naturaleza está dominada por las formas geométricas, y la imponente montaña está envuelta en un cielo azul, todas las formas están rotas por las amplias pinceladas. Cézanne puso todo su empeño en el arte, sacrificando el tema, su atención no se centró tanto en lo que se ve (como hicieron los impresionistas) como en las reglas internas de la mente: un principio, éste, que estuvo en la base de todo el arte del siglo XX y para el que la aportación de Cézanne fue fundamental.

Paul Cézanne, Madame Cézanne en el sillón amarillo (1888-90; óleo sobre lienzo, 80,9 x 64,9 cm; Chicago, The Art Institute of Chicago)

Paul Cézanne, Dos jugadores de cartas (1892-95; óleo sobre lienzo, 47,5 x 57 cm; París, Museo de Orsay)

Paul Cézanne, Naturaleza muerta con naranjas y manzanas (1899; óleo sobre lienzo, 74 x 93 cm; París, Museo de Orsay)

Paul Cézanne, Los grandes bañistas (1906; óleo sobre lienzo, 208 x 251 cm; Filadelfia, Museo de Arte de Filadelfia)

Paul Cézanne, La montaña Sainte-Victoire (1905; óleo sobre lienzo, 68 x 81 cm; Zúrich, Kunsthaus)

Dónde ver las obras de Paul Cézanne

Muchas de las obras del pintor pueden verse en el Museo de Orsay de París, donde se conservan algunos de sus lienzos más famosos, como Autorretrato (1880), Bañistas (1890), y Bodegón con manzanas y naranjas (1899) y Los dos jugadores de cartas (1892-95). También en París, Retrato de Madame Cézanne (1890) se conserva en el Musée de l’Orangerie.

En el Museo de Arte Moderno de Nueva York se exponen numerosos bodegones y La bañista (1885). El Museo de Arte de Filadelfia tiene Los grandes bañ istas (1906). Las obras del pintor francés pueden contemplarse en el Museo Puskin de Moscú, que alberga una gran colección de sus obras, entre las que destacan Fumador con pipa (1891) y Autorretrato con boina (1875).

Paul Cézanne. Vida y obra del pintor que inventó el arte del siglo XX

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