Pablo Picasso: Cubismo, vida y obra

Brillante, carismático y rebelde son los adjetivos que caracterizan a Pablo Picasso (Málaga 1881 - Mougins 1973), uno de los pintores más influyentes y revolucionarios de la historia del arte occidental. Revelado como un enfant prodige desde temprana edad, demostró su talento para el dibujo, hasta el punto de que su padre (un modesto pintor y profesor de la Academia de Barcelona) le dejó colaborar en algunos de sus cuadros. La producción artística del pintor español fue especialmente vasta y compleja. Por difícil que resulte delinear elementos constantes en el estilo de un artista tan prolífico, hay ciertos componentes que caracterizaron su estilo: claridad y equilibrio en las composiciones, formas y volúmenes sólidos, gran sentido del color y fuerza expresiva.

Picasso fue un artista que nunca se conformó con un estilo concreto. Tan imprevisible en su alma como en su arte, el artista andaluz pasó por varias fases artísticas: del periodo azul (1901-1904), al periodo rosa (1904-06), el nacimiento del cubismo gracias a su asociación con George Braque, y luego un retorno a un estilo de pintura más tradicional, mientras que la última fase se caracteriza por una actividad muy intensa, en la que también intervienen técnicas como la cerámica y el grafismo.

Muy joven, se traslada a París, una ciudad estimulante y llena de oportunidades, donde conoce a artistas como André Derain, Amedeo Modigliani y Henri Matisse, pero también a ricos marchantes de artemarchantes de arte como Daniel-Henry Kahnweiler, la escritora Gertrude Stein, a la que el artista dedicó un retrato considerado por muchos precursor del cubismo, y el marchante francés de excepcional talento Armbroise Vollard : todos ellos inmortalizados por los retratos de Picasso, uno de sus “descubrimientos” más prometedores.

Fuera del estrecho ámbito artístico, Picasso también fue famoso por sus diversos romances. Fernand Oliver fue el primer amor verdadero de Picasso y aparece en más de sesenta cuadros, entre ellos Les Demoiselles d’Avignon (1906-07); tras la ruptura con Fernand, el artista conoció a Marcelle Gouel, a la que rebautizó como “Eva” y que también aparece en muchas obras abstractas. Su vida amorosa fue, de hecho, extremadamente inestable y tormentosa, salpicada por la sucesión de diferentes amores y musas inspiradoras.

Pablo Picasso

La vida de Pablo Picasso

Pablo Picasso nació en Málaga el 25 de octubre de 1881, primogénito del pintor naturalista José Ruiz y de María Picasso y López. Desde muy pequeño comenzó a dibujar y a partir de 1901 firmaría su nombre con el apellido de su madre, decisión que selló una muestra muy fuerte de afecto hacia su figura materna. Ya adolescente, se trasladó con su familia a Barcelona, donde empezó a interesarse por la vida intelectual de la ciudad: aquí frecuentaba un grupo de jóvenes artistas que se reunían en Els quatre gats, y aunque el círculo intelectual español era bastante estimulante, Picasso sentía cada vez más la necesidad de escapar de un entorno cuyas limitaciones sentía.

A los diecinueve años, el joven artista abandonó Barcelona para vivir la vida bohemia entre Montmartre y Montparnasse, en París: las calles relucientes, el bullicio ensordecedor de los mercados y el traqueteo de los coches de caballos, los cafés y los bulevares fascinaron a Picasso y le hicieron sentirse como en casa. En 1904 se trasladó definitivamente a la capital francesa, alquilando una antigua fábrica en Montmartre, convertida más tarde en estudio de artistas: era el Bateau-Lavoir, que, gracias a la carismática presencia de Picasso, se convirtió en un estudio frecuentado por varias personalidades destacadas. Al principio de su estancia, Picasso compartió habitación con el poeta Max Jacob, figura importante en la vida de Picasso, ya que le apoyó tanto en su vida artística como en sus dificultades económicas iniciales. El ambiente francés fue sumamente estimulante para el joven artista, que comenzó a frecuentar los salones parisinos, donde conoció en 1913 al poeta Guillaume Apollinare, autor de la obra Los pintores cubistas. El estilo del artista andaluz comenzó a mostrar rasgos específicos y originales. Se inicia así el llamado periodo azul, caracterizado por obras monocromas como La vida (1903) o El viejo guitarrista (1903) en las que el azul es utilizado en todos sus matices y tonalidades posibles. Este color se utilizaba no sólo por su fuerza expresiva, sino también por el valor melancólico y dramático que emanaba. A esta fase siguió el periodo rosa (1904-06): los lienzos, ahora más luminosos, como La familia de Saltimbanchi (1905), están poblados de personajes circenses como acróbatas, músicos callejeros y arlequines. Los tonos predominantes son el rosa, el ocre y los colores pastel, que evocan una atmósfera más serena, aunque persiste una nota vagamente melancólica.

El verdadero avance artístico se produjo en 1907 con Les Demoiselles d’Avignon , que abrió el camino a un verdadero cambio artístico destinado a cambiar el futuro de la historia del arte. Con este gran cuadro, Picasso inauguró su temporada cubista, manteniendo un diálogo continuo con las obras de Paul Cézanne. La obra inició una larga búsqueda de múltiples posibilidades expresivas realizadas a través de la descomposición de los volúmenes y el tratamiento esquemático de los planos. Durante este periodo, el artista mantuvo un estrecho contacto con Georges Braque, con quien compartió investigaciones artísticas: juntos crearon obras con muchas similitudes. En 1912 el cubismo alcanzó su apogeo, las figuras se fragmentaron para producir multitud de puntos de vista. De gran importancia en este proceso fue la introducción del papier collé (técnica pictórica consistente en pegar diferentes materiales) y el collage (superposición de materiales de papel). Ese mismo año, Picasso conoció a la bella y futura musa Marcelle Hubert, a la que llamó Eva, y para indicar su amor por ella, las palabras “Amo a Eva” aparecen en muchos cuadros del periodo cubista. Eva enfermó de tuberculosis y murió poco después, lo que supuso un duro golpe para el artista.

En 1915 conoció a Olga Kokhlova, que se convirtió en su esposa y musa: de su unión nació su hijo Paulo. Entre 1914 y 1918 se produce un periodo de transición: son los años de la Primera Guerra Mundial y, aunque Picasso sigue experimentando, parece volver a un estilo pictórico más tradicional. Sus obras recuerdan entonces a las de los grandes maestros del Renacimiento italiano, especialmente Rafael, pero también a los lienzos neoclásicos de Jean-Auguste-Dominique Ingres. En 1936 estalla la guerra civil en España y Picasso simpatiza con los republicanos, en nombre de su amor a la libertad, contra los fascistas del general Franco. 1937 fue el año dedicado a la Exposición Universal de París, para la que el artista español creó el gran cuadro Guernica, que representa el bombardeo y la destrucción de la pequeña ciudad española de Guernica por los nazi-fascistas que apoyaban al ejército franquista y la bombardearon.

Tras la liberación de París al final de la II Guerra Mundial, Pablo se relacionó con la joven estudiante de arte Françoise Gilot, con la que tuvo dos hijos, Pablo y Paloma. Françoise fue la única mujer que le abandonó, cansada de sus infidelidades. En los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial, Picasso, tras pintar una obra maestra como Joie de vivre (1946-1948), que inauguró una temporada más despreocupada en su carrera, se dedicó a la cerámica(lea más sobre la cerámica de Picasso aquí) y a la escultura, mientras que su pintura se caracterizaba por obras “d’après”, es decir, interpretaciones personales de cuadros famosos. En 1950, Pablo Picasso ya era un artista famoso y celebrado en museos de todo el mundo. El artista falleció en Mougins el 8 de abril de 1973 a la edad de 91 años. En 2003 se inauguró en Málaga el Museo Picasso (lea más sobre el Museo Picasso de Málaga aquí), que alberga más de doscientas obras del artista español en exposición permanente. Sus obras se venden hoy en las mayores casas de subastas por millones de dólares.

Pablo Picasso, Vida (1903; óleo sobre lienzo, 197 x 127,5 cm; Cleveland, Museo de Arte de Cleveland)

Pablo Picasso, Viejo guitarrista (1903; óleo sobre lienzo, 121 x 92 cm; Chicago, The Art Institute)

Pablo Picasso, Las señoritas de Avignon (1907; óleo sobre lienzo, 243,9 x 233,7 cm; Nueva York, Museum of Modern Art)

Pablo Picasso, La joie de vivre (1946-1948; pintura ripolina y carboncillo sobre fibrocemento, 120 x 250 cm; Antibes, Musée Picasso)

El estilo y las grandes obras de Picasso

La producción artística de Picasso fue una de las más prolíficas y variadas del siglo XX. De hecho, a lo largo de su carrera, el artista pasó por numerosos cambios estilísticos y demostró ser un artista polifacético capaz de abordar cualquier expresión artística. Sus cuadros estaban estrechamente ligados a sus experiencias vitales. Un grupo de dibujos y varios bocetos formaron la primera exposición de Picasso: la muestra se instaló en las paredes del local artístico-literario Els Quatre Gats de Barcelona en 1897. El club era frecuentado por intelectuales y artistas que representaban una nueva orientación en los círculos artísticos de Barcelona. Fue en este club donde el artista andaluz conoció al pintor y poeta Carlos Casagemas, con quien en otoño de 1900 decidió marcharse a la entonces capital del arte: París. Aquí, los museos y galerías de comerciantes dieron a Picasso la oportunidad de ver la obra de Ingres, Delacroix, Van Gogh y Toulouse - Lautrec. A pesar de la brevedad de su estancia, el artista encontró tiempo para pintar varios cuadros que atestiguan su rápida capacidad para asimilar nuevas influencias, como la obra Les Moulins de la Galette , de 1900, que se inscribe en la tradición impresionista. El lienzo representa una habitación abarrotada de parejas bailando, la superficie tratada con pinceladas fluidas de colores vivos. La luz parece provenir del color de las faldas de las damas y de sus extravagantes sombreros, así como de los festones del fondo y de las luces que caracterizan estos ambientes típicamente parisinos. La técnica de los impresionistas fue adoptada por Picasso, que demostró de inmediato su capacidad para dominar un nuevo estilo.

La ocasión de su primera exposición parisina le fue concedida por el marchante y galerista Ambroise Vollard, que tenía una tienda en la rue Laffitte, calle que se hizo famosa por sus galerías dedicadas a los pintores de vanguardia. Vollard era amigo y partidario de pintores cuyos nombres figuraban entre los más ilustres de su época y que Picasso conoció gracias a Vollard: entre ellos estaba Cézanne. La exposición en la galería de Vollard suscitó el interés de unos pocos críticos y coleccionistas, pero fue fuente de nuevas amistades, como la mantenida con el poeta místico Max Jacob.

En los primeros años del siglo XX, Picasso empezó a mostrar síntomas de depresión, tras el suicidio de su amigo Carlos Casagemos. Este periodo coincide con la fase azul: el delicado equilibrio psicológico del pintor se traslada al lienzo. En efecto, el azul adquiere un valor melancólico, poético, casi sagrado; se convierte en una especie de proyección de su propio malestar interior. Los sujetos de sus lienzos de esta fase son pobres y marginados, cuya desesperación y melancolía son tanto sociales como mentales. El cuadro más importante de este periodo es sin duda La vida (1903): la alegoría que el artista quería expresar no es fácil de leer. La rigidez de las figuras sugiere que expresan la incompatibilidad entre la vida y el amor sexual. El cuadro también podría referirse al tema de la vida regida por un malestar cotidiano e inevitable que puede afrontarse en solitario o en pareja. De la misma época, El viejo guitarrista (1903): pocos elementos están presentes en el cuadro, todo el foco se centra en el viejo ciego, que tocando la guitarra parece no tener ya fuerzas para vivir. De estos dos ejemplos se desprende la fuerte tristeza y pobreza que caracterizan este periodo y, sobre todo, la habilidad de un artista que, con sólo veintidós años, es capaz de traducir en forma visual sensaciones y conciencias que no son fáciles de procesar. En el periodo que siguió (1904-06), el rosa se convirtió en el color principal de sus obras. Aquí la lección principal parece ser la de Henri de Toulouse - Lautrec, perdiendo, sin embargo, la ligereza y los aspectos agradables del artista francés. En el periodo rosa, Picasso muestra un renovado interés por el volumen y el espacio, aunque la melancolía siempre está presente. Los únicos rasgos redentores de la pobreza eran los vínculos afectivos, como en las numerosas representaciones de artistas callejeros: La familia de los acróbatas (1905) en la que un grupo de artistas de circo posa rodeado de un paisaje intemporal; los personajes parecen iconos de la marginación, se convierten en símbolos del sufrimiento humano, pero a diferencia de los personajes del periodo azul, los acróbatas representados aquí no muestran una tristeza excesiva, es más bien el vacío que les rodea lo que despierta un sentimiento de soledad y alienación, como en El niño de la pipa (1905). La obra alcanzó gran notoriedad porque fue el cuadro mejor pagado en una subasta pública de todos los tiempos: en 2004 alcanzó más de 100 millones de dólares y sigue siendo uno de los pocos cuadros del periodo rosa en manos privadas.

En los años siguientes, los cuadros se harían más secos, las líneas más geométricas y los volúmenes reducidos: así lo demuestra Retrato de Gertrude Stein (1906), en el que el artista evitó la perspectiva e hizo los rasgos faciales deliberadamente asimétricos. La escritora estadounidense apreció mucho el regalo, que colgó en el salón de su casa. En 1907, Picasso profundizó en su conocimiento del arte africano visitando el Museo Etnográfico del Trocadero, al que Pablo se había acercado gracias al artista André Derain. El acercamiento a este tipo de arte fue de fundamental importancia para el artista que, atraído por las máscaras africanas, también las mencionaría en Les Demoiselles D’Avignon, (1906-07) obra que ha sido considerada por muchos historiadores del arte como el manifiesto del Cubismo. El lienzo permaneció en el estudio del artista durante mucho tiempo, hasta 1916, aunque fue visto por muchos artistas que frecuentaban el estudio: las cinco muchachas miran directamente al espectador, por lo que es como si los espectadores estuvieran dentro del cuadro y se crea un espacio de cuatro dimensiones. Lo más destacado de la obra es la intersección de la antigua tradición pictórica del grupo de desnudos femeninos con el prosaico tema del burdel. La imagen resultaba desconcertante para quienes estaban acostumbrados a una pintura más tradicional. A principios del siglo XX, de hecho, muchos pintores pintaban en estilo impresionista. Artistas postimpresionistas como Edvard Munch, Vincent Van Gogh y Cèzanne experimentaron sin duda mucho a nivel pictórico y formal, pero las figuras desgarradas y distorsionadas que presentaba Picasso introducían más elementos de novedad.

En 1910, Picasso conoció a George Braque y juntos empezaron a introducir la planitud de los volúmenes, la pérdida de los efectos de claroscuro, la reducción progresiva de los colores y, sobre todo, el principio de simultaneidad, marca de fábrica del Cubismo: la superposición de muchos puntos de vista en una misma imagen. El Retrato de Daniel - Henry Kahnweiler (1910) es un retrato cubista del galerista de Picasso y Braque. La principal intención del artista español no era recrear una imagen parecida a la realidad o “imitar la naturaleza”, sino fragmentar las formas y recomponerlas sobre el lienzo: como escribió en 1923, “el arte siempre ha sido arte y no naturaleza”. Según relatos de la época, Kahnweiler posó treinta veces, prueba del empeño de Pablo por elaborar su lenguaje espacial.

Picasso llevó a cabo su investigación pictórica movido por una intención racional y científica, como puede apreciarse en otra de sus obras del periodo cubista, Mujer con mandolina (1910): en el centro aparece una mujer, cuya figura se compone de formas geométricas simples, volúmenes que se superponen e interseccionan, y también puede distinguirse la mandolina que la mujer está tocando. Picasso no se detuvo en el periodo cubista. En 1917 viajó a Italia con su amigo escritor Jean Cocteau. El encuentro con el Bel Paese empujó al artista andaluz hacia una pintura clasicista que se manifestó en la representación de figuras femeninas monumentales y amables: un ejemplo de ello es Mujeres bailando en la playa (1924), un cuadro inspirado en el tema tradicional de las Bacantes. De principios de la década de 1920 es el encuentro con André Breton, que intentó implicar al Picasso maduro en el movimiento surrealista: sin embargo, el artista no se adhirió del todo, aunque en las obras de esos años se pueden discernir elementos de la poética surrealista. A la fase clasicista siguió un tipo de pintura más “violenta”. La pequeña ciudad española de Guernica fue bombardeada el 26 de abril de 1937, y en mayo del mismo año Picasso trabajó en Guernica, un gran lienzo (351x782 centímetros) que el artista pintó para la Exposición Universal de París. La obra fue considerada por muchos como el resumen de su carrera artística. El espacio descrito es un interior demolido por los bombardeos, y las figuras tienen muchas referencias a los clásicos: de hecho, cabe destacar que la figura de la madre con el niño remite a la Piedad de Miguel Ángel. El cuadro, que expresa el nuevo vínculo entre arte y vida, forma y sentimiento, no es sólo un testimonio pictórico, sino un verdadero “manifiesto” del arte moderno políticamente alineado. Pablo Picasso fue uno de los artistas más importantes de la historia del arte. Artista de extraordinaria creatividad en sus últimos años, también creó platos, jarrones y esculturas. Cuando murió a los 91 años, Pablo Picasso seguía siendo un maestro con una creatividad que nunca parecía agotarse.

Pablo Picasso, Les Moulins de la Galette (1900; óleo sobre lienzo, 88,2 x 115 cm; Nueva York, Museo Guggenheim)

Pablo Picasso, Retrato de Gertrude Stein (1905-1906; óleo sobre lienzo, 99,6 x 81,3 cm; Nueva York, Metropolitan Museum)

Pablo Picasso, Retrato de Daniel Kahnweiler (1910; óleo sobre lienzo, 100,4 x 72,4 cm; Chicago, The Art Institute)

Pablo Picasso, Guernica (1937; óleo sobre lienzo, 349,3 x 776,6 cm; Madrid, Museo Reina Sofía

Dónde ver las principales obras de Picasso

El museo más conocido dedicado al artista español es el Musée Picasso de París, que alberga unas 3.000 obras. Esta abundante colección es el resultado de dos importantes donaciones, una en 1979 y otra en 1990 por su hija Jacqueline. A lo largo de los años se han ido añadiendo nuevas adquisiciones; aquí se pueden ver las obras cubistas Naturaleza muerta con silla de paja (1912) y Mujeres corriendo por la playa, de 1922. Barcelona también ha dedicado un museo al pintor español, que vivió aquí sus años de formación y, por tanto, estaba muy vinculado a la ciudad. Otro lugar donde admirar las obras es el Museo Picasso de Málaga; aquí, en el centro de la ciudad, el museo está ubicado en un característico palacio. Las posteriores obras de restauración sacaron a la luz antiguos restos fenicios, romanos y árabes que ahora pueden admirarse en el sótano del museo. El museo cuenta con más de 200 obras del artista en exposición permanente. También en España, el impresionante Guernica puede admirarse en el Museo Reina Sofía de Madrid. Para ver Les Demoiselles d’Avignon , hay que ir al extranjero, al Museo de Arte Moderno (MoMa) de Nueva York.

Pablo Picasso: Cubismo, vida y obra

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