Outsider Art. Orígenes, desarrollo y tendencias entre el siglo XX y la actualidad

El Outsider Art hace referencia a la producción artística espontánea de talentos innatos ajenos al mundo de la educación artística y el arte convencional, cuyas obras se consideran de interés y calidad. El término fue acuñado por el historiador del arte británico Roger Cardinal en 1972, como equivalente inglés del término francés Art Brut introducido en 1945 por el artista Jean Dubuffet (Le Havre, 1901 - París, 1985). Dubuffet se interesó y coleccionó múltiples expresiones originales de autodidactas, psicóticos, presos, médiums y excéntricos, personas completamente ignorantes de la cultura artística, alejadas social y culturalmente de un deseo de autoafirmación como artistas. Dubuffet y Cardinal se ocuparon principalmente de artistas europeos extremadamente marginados, hasta que la investigación que sembraron arraigó en Estados Unidos, donde el Outsider Art se estableció como un fenómeno que abarcaba una amplia gama de arte marginal.

Con el tiempo, la definición internacional se ha ampliado para incluir el arte de individuos perfectamente capaces de desenvolverse en la vida social pero que, consciente o inconscientemente, rehúyen el sistema oficial. Artistas de todas las edades y procedencias. Ya a mediados del siglo XX, Dubuffet había reconocido un rasgo unificador en la obra de estos personajes divergentes: la crudeza de su expresión artística, ajena a normas académicas o tendencias oficiales. Según Cardinal, el ámbito del Outsider Art se basa en la idea de que hacer arte es una actividad humana generalizada a todos los niveles y que el papel de la obra de un artista outsider tiene que ver con la naturaleza no convencional del arte en sí, con su distancia de las normas artísticas y la experiencia común y, por supuesto, con la emoción estética que suscita.

El “Outsider Art” ha demostrado ser un término más flexible y neutral que la noción histórica de Art Brut, y en cualquier caso ha permitido la formación de un verdadero sistema artístico paralelo, que cuenta con sus propios museos, galerías, coleccionistas, revistas, subastas y ferias. En una perspectiva globalizada que va de Europa a Estados Unidos, de América Latina a Asia, hoy existen en el mundo más de ochenta instituciones museísticas especializadas.

Orígenes y evolución del arte outsider

La clasificación del arte outsider se originó en el siglo XIX a partir de las actividades médicas llevadas a cabo en los hospitales psiquiátricos europeos. Las primeras obras coleccionadas producidas por pacientes psiquiátricos se organizaron e interpretaron con fines de investigación científica y análisis como posibles pistas sobre determinados trastornos y enfermedades. A principios del siglo XX, no sólo los psiquiatras se interesaron por ellas, sino también los artistas que consideraban que podían encontrar inspiración en estas muestras artísticas; de hecho, la investigación inicial de Jean Dubuffet sobre las instituciones psiquiátricas tenía detrás los estudios realizados por dos médicos, Walter Morgenthaler y Hans Prinzhorn, que en la década de 1920 fueron los primeros en reconocer un valor estético en la obra de algunos pacientes ingresados.

En 1921, el suizo Morghenthaler publicó la primera monografía dedicada íntegramente a la obra creativa de un enfermo mental, Adolf Wölfli (Bowil, 1864 - Berna, 1930), que bajo tratamiento se había dedicado a dibujar a partir de cierto momento de su vida. En 1922, el alemán Prinzhorn presentó en Heidelberg las obras de otros muchos pacientes internados en diversas instituciones europeas (conservadas en una gran colección que hoy alberga laUniversidad de Heidelberg) e imprimió La producción artística de los enfermos ment ales, dando de ellos una valoración artística que iba más allá del interés psiquiátrico. El libro sería una gran inspiración para los surrealistas y para Dubuffet.

En 1945, Dubuffet emprendió un viaje a Suiza, en compañía de Le Corbusier y del escritor Jean Paulhan, en busca de los “primitivos del siglo XX”, inspeccionando no sólo hospitales psiquiátricos sino también prisiones y recorriendo el campo para descubrir las historias y obras de creadores excéntricos, marginados o aislados. En 1947, junto con los artistas André Breton y Slavko Kopač, el crítico Michel Tapié y el propio Paulhan, entre otros, reunió en París la Compagnie de l’Art Brut, que siguió coleccionando cientos de obras de personalidades desconocidas. Dubuffet consideraba que su búsqueda del Art Brut, entendido como"arte bruto", era inspiradora para la práctica artística, ya que se producía como una expresión emocional más pura, sincera y auténtica que la de los artistas académicos influidos por la cultura dominante.

El perfil del artista Brut vive y produce en total autonomía respecto al mundo y al conformismo social, esto significa que no produce arte porque se le reconozca como tal, sino que produce por urgencia o necesidad creativa, como único destinatario aparente de sus obras. La Compagnie sirvió para organizar otras actividades de investigación y comisariado antes de disolverse en 1951 debido a un desacuerdo entre Dubuffet y el surrealista Breton. Desde 1949, fecha de la primera exposición de Art Brut en la Galería René Drouin de París, hasta 1971, año en que Dubuffet donó toda su colección a la ciudad de Lausana (Suiza), se han reunido 133 perfiles de autores y sus obras. Hasta la fecha, la Collection de l’Art Brut, inaugurada en 1976, cuenta con más de 1.000 creadores y 70.000 obras.

Mientras tanto, en 1962 se había reformado la Compagnie con más de cien miembros y en 1967 se celebró otra gran exposición en el Musée des Arts Décoratifs de París. Al mismo tiempo, en la década de 1960, las actividades del psiquiatra Leo Navratil en la clínica psiquiátrica Maria Gugging, a las afueras de Viena, ayudaron a crear lo que hoy es un centro cultural único, el importante Art Brut Centre Gugging. A esto siguió, en 1979, la exposición capital Outsiders: An Art Without Precedent or Tradition (Outsiders: un arte sin precedentes ni tradición ), comisariada por Roger Cardinal y Victor Musgrave en la Hayward Gallery de Londres, que constituyó el mayor impulso a este tipo de producción artística hasta la fecha. Las más de 400 obras allí expuestas, de artistas franceses, suizos, alemanes y austriacos, estadounidenses y británicos, formaron el núcleo de una de las colecciones públicas más significativas del Reino Unido, The Musgrave Kinley Outsider Art Collection, actualmente en la Whitworth Art Gallery de Manchester. Desde los años ochenta, los museos públicos y los coleccionistas privados han mostrado un gran interés por esta colección. Desde entonces han surgido revistas y galerías especializadas, así como eventos dedicados, como la Feria de Arte Outsider que se celebra en Nueva York y París desde 1993. En general, con la difusión internacional de los últimos años, el arte Outsider se ha incorporado casi por completo a los artistas profesionales.

Estilos y tendencias

El arte outsider no es un movimiento con el que se identifiquen los artistas, sino más bien una pertenencia asignada, incluso póstumamente, a significativos creadores autodidactas. La variedad de lenguajes y técnicas, desde el dibujo y la pintura hasta la escultura y la construcción de"entornos visionarios", es asombrosa y refleja la singularidad de cada creador, que para expresarse recurre a medios y materiales no siempre canónicos, con resultados compositivos imprevisibles. Por ejemplo, uno de los autores históricos apoyados por Dubuffet, Guillaume Pujolle, utilizó para sus acuarelas los líquidos medicinales extraídos del ambulatorio del hospital donde estuvo ingresado. Y más ampliamente, los artistas documentados utilizaron cualquier objeto y material disponible, incluso los más impensables, y con herramientas improvisadas, ya que en su mayoría creaban desde dentro de las instituciones en las que estaban confinados o en situaciones de aislamiento y marginación, con lo que tenían acceso.

Sin embargo, incluso fuera de las instituciones y sin restricciones, los artistas del Art Brut / Outsider tienden a utilizar productos y soportes, herramientas y métodos inusuales. Dubuffet escribió que estos autores “lo sacan todo (temas, elección de materiales, técnica, ritmo, modos de escritura...) de sus propias profundidades y no de los estereotipos del arte clásico o del arte de moda”, aunque comparten algunas tendencias comunes hacia ciertos temas y motivos. Por ejemplo, la repetición obsesiva de ciertos temas elegidos, el interés por los retratos y autorretratos o por los animales, así como la inclinación hacia el decorativismo y laacumulación y el relleno de cualquier espacio; o la combinación de escritura e imagen y cierta franqueza desinhibida de ciertos contenidos. Caracteres frecuentes pero, obviamente, no exclusivos. Como también lo es el desinterés por la autoría (a menudo no se firman las obras), la producción prolífica y compulsiva o la experiencia creativa adquirida en la edad adulta.

Desde el punto de vista gráfico-pictórico, una característica muy extendida es la definición de un mundo personal de símbolos, colores y formas que cada autor es capaz de imaginar. Adolf Wölfli, que produjo miles de obras desde una pequeña celda de su asilo suizo, pronto empezó a trabajar en la historia de su vida ilustrada en nada menos que 25.000 páginas: una narración densamente ilustrada con intrincados dibujos de formas geométricas, mapas ficticios, retratos, palacios, iglesias, reyes, reinas, animales y plantas parlantes, y que también incorpora texto y anotaciones musicales y collages.

Empezando por Wölfli, son innumerables los autores outsiders que insertan en la imagen su propio alfabeto, nombres o listas aparentemente incongruentes, trazos enigmáticos de narrativa o notas musicales. Entre otros muchos se encuentra August Walla (Klosterneburg, 1936 - Viena, 2001), que compuso palabras e imágenes en escenarios figurativos con dioses, demonios y profetas alternando con nombres, extranjerismos y términos inventados. Walla fue paciente del hospital de Gugging, donde, como ya se ha dicho, el psiquiatra Navratil estimulaba a los pacientes al trabajo artístico.

Otro caso ejemplar es el de Carlo Zinelli (San Giovanni Lupatoto, 1916 - Chievo, 1974), antiguo soldado alpino psíquicamente lábil que desarrolló un lenguaje propio muy personal de elementos gráficos y figuras estilizadas y animales de perfil, primer creador italiano en entrar en la Collection de l’Art Brut y uno de los artistas más reconocidos en la actualidad. Al igual que para la pintura y el dibujo, obtenidos por ejemplo con colores extraídos de hierbas y otras “soluciones” sobre cartón reciclado, hojas al azar o recortes de revistas, también para la escultura, en múltiples formas y estilos, prevalece el uso de objetos encontrados o materiales “pobres”, ensamblados con habilidad e imaginación. De la piedra a la madera, del corcho al pan rallado, de la chatarra a la terracota pasando por el hormigón.

En Italia, la figura de Antonio Ligabue escapa a toda clasificación. Durante mucho tiempo se le consideró un artista “naïf” y luego de nuevo un outsider, un artista brut: Sin embargo, su arte es ajeno al contexto cultural del Art Brut teorizado por Dubuffet, entre otras cosas porque Ligabue era un artista consciente de sus propios medios, con cierto conocimiento de la historia del arte y dotado de una originalidad y una fuerza expresiva poco frecuentes en los outsiders, hasta el punto de que hoy se tiende a situarlo en el surco de la pintura expresionista.

Otras obras históricas son Il Nuovo Mondo (1898 - 1900) de Francesco Toris (Ivrea, 1863 - Collegno, 1918), una celosía obtenida entrelazando cientos de huesos de animales pulidos y cincelados que el artista se había procurado en la cocina del centro donde estaba internado. En el caso de numerosos autores de todo el mundo, existe también la intuición de construir, mediante una lenta estructuración, entornos arquitectónicos irregulares a gran escala. Se descubren en todas las latitudes espacios, edificios y jardines llenos de rarezas, obras majestuosas creadas en soledad y por puros y auténticos impulsos creativos. Algunos ejemplos son, en Hauterives (Francia), el Palais Idéal (1879 - 1912) del cartero Ferdinand Cheval (Charmes-sur-l’Herbasse, 1836 - Hauterives, 1924), arquitecto autodidacta que trabajó nada menos que treinta y tres años en la construcción de su entorno ideal, un laberinto formado por piedras que encontró por el camino. O las torres-escultura construidas a mano por Simon Rodia (Serino, 1879 - Martinez, 1965), Watts Tower (1921-1954), un inmigrante italiano que construyó diecisiete estructuras de distintas alturas en el barrio de Watts de Los Ángeles a lo largo de treinta años con barras de acero recubiertas de diversos materiales decorativos como porcelana, conchas, trozos de botellas y otras cosas.

Algunos de los ejemplos italianos más conocidos son el Castello Incantato (Castillo Enc antado) de Filippo Bentivegna (Sciacca, 1888 - 1967) en Sciacca, una excéntrica constelación de cabezas humanas talladas en roca, ramas y troncos de árboles, y el Santuario della Pazienza (Santuario de la Paciencia ) en San Cesario di Lecce de Ezechiele Leandro (Lequile, 1905 - San Cesario di Lecce, 1981), una imponente instalación de figuras y tótems de cemento con incrustaciones de fragmentos, vidrio, hierro y múltiples desechos. Obras todas ellas que pueden entenderse teniendo en cuenta las fundamentales y condicionantes historias personales de los artistas.

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