Minimalismo, historia y artistas del movimiento reduccionista

El Minimalismo, o Arte Mínimo, fue una de las experiencias más importantes en el mundo del arte a mediados de la década de 1960. Se puede considerar esta tendencia como la primera declaración de una escultura estadounidense compuesta de objetos mudos, que se presentaba con una ideología neutra. La impersonalidad del artista minimalista era idéntica a la del pintor pop, que elegía cualquier estereotipo de la civilización que le rodeaba y lo mostraba como objeto de su obra. Junto con el arte pop, de hecho, el minimalismo fue la principal corriente artística estadounidense de los años sesenta, consagrada por la exposición Primary Structures de 1966.

Los principales protagonistas trabajaron en los primeros años de la década: Donald Judd (Excelsior Springs, 1928 - Manhattan, 1994), Robert Morris (Kansas City, 1931 - Kingston, 2018), Carl Andre (Quincy, 1935 - Manhattan, 2024), Dan Flavin (Jamaica, 1933 - Riverhead, 1996) y Sol LeWitt (Hartford, 1928 - Nueva York, 2007). En el campo de la pintura, destacó Frank Stella (Malden, 1936 - Nueva York, 2024), quien declaró el sentido de sus operaciones pictóricas: “Mi pintura se basa en el hecho de que sólo está ahí lo que se puede ver. Es realmente un objeto. [...] Todo lo que quiero que los demás saquen de mis cuadros, y todo lo que yo he sacado de ellos, es el hecho de que se puede ver toda la idea compositiva sin confusión [...] Lo que se ve es lo que se ve” (de la entrevista de Bruce Glaser, Questions to Stella and Judd, en “Art News”, septiembre de 1966).

Historia del arte minimalista

La etiqueta Minimalismo define aquellas tendencias artísticas caracterizadas por una esencia reduccionista. Son experiencias radicales, dirigidas a identificar la fisicalidad primaria pura y la basilaridad de las estructuras, las superficies y las intervenciones del color. El grupo de artistas minimalistas tomó forma en torno a la década de 1960 y fue reconocido en una exposición, Primary Structures, que tuvo lugar en el Museo Judío de Nueva York en 1966. Las características comunes de los miembros de esta agrupación eran el interés por la objetividad y las estructuras fundamentales, plásticas y tridimensionales. Estos artistas buscaban una fuerte simplificación de las formas, una racionalidad sólida e impersonal de un lenguaje artístico que también tenía la función de evitar cualquier incursión en la esfera emocional del autor.

Las obras minimalistas pueden ser sólidos geométricos, estructuras metálicas de materiales industriales semiacabados o prefabricados; son obras que tienen una fuerte connotación espacial, una relación específica con el lugar que las contiene. A menudo las formas se repiten en series o módulos, con los colores de los propios materiales o reducidos estrictamente a la gama del blanco y negro.

La definición de Minimal Art fue esbozada por primera vez por el crítico británico Richard Wolheim(Minimal Art, “Art Magazine”, enero de 1965), que hablaba de una reducción mínima del contenido artístico en referencia a las obras del siglo XX, caracterizadas por un alejamiento cada vez más decidido del trabajo manual tradicional, como por ejemplo en el caso de los ready-mades de Duchamp. Dado que el minimalismo fue sobre todo una experiencia americana, el filósofo puso en tela de juicio las obras de Andy Warhol y Roy Lichtenstein, pero también llegó a la página en blanco del poeta simbolista francés Stephane Mallarmé. Entre los modelos y maestros que se pueden identificar está sin duda la lección del artista Marcel Duchamp, pero también la de Ad Reinhardt que, con sus obras invisibles en negro y azul, fue uno de los inspiradores de los artistas de la investigación minimalista. Un precursor fundamental fue la obra de Kazimir Malevic, su Cuadrado negro sobre fondo blanco con su extrema simplificación, ya en 1915.

Entre las fuentes relevantes para la escultura, la aportación del Constructivismo ruso es incisiva: las obras constructivistas se componían de materiales elegidos por sus cualidades específicas y se situaban en el espacio de la realidad cotidiana, como ocurrió con los Relieves de Vladimir Tatlin, a los que más tarde rindió homenaje el artista minimalista Dan Flavin. El pintor estadounidense Frank Stella fue considerado el iniciador de la corriente minimalista con sus Balck Paintings, las pinturas totalmente negras cuya fisicidad está grabada por finísimas líneas que animan su superficie, según movimientos geométricos que anulan cualquier palpitación emocional.

En los años sesenta, el Minimalismo se opuso a la subjetividaddel Expresionismo Abstracto, cuyo ímpetu sustituyó por una actitud de fría vibración y rigurosa esencialidad. El acto creativo, que el artista expresionista entendía como una salida libre para sus impulsos y emociones, se consagró entonces a la impersonalidad y a la seca fisicidad inmanente de la obra. No obstante, los minimalistas consideraron el valor de las obras e innovaciones introducidas por Jackson Pollock y sus colegas. La obra a gran escala, concebida como un conjunto de gran impacto visual, seguía siendo un elemento reconocido y fundador de lo que era la visión artística específicamente estadounidense, que se contraponía a la más tradicional europea, todavía ligada al aura de la obra que se contemplaba, que buscaba acercar al máximo su significado siguiendo un movimiento de profundidad.

Principales artistas del arte minimalista

Los artistas minimalistas actuaron de forma compacta hacia mediados de la década de 1960. Comenzaron su investigación entre 1963 y 1964 siguiendo elementos comunes y reconocibles en cada artista. En general, todos los minimalistas insistieron en los volúmenes geométricos junto con las formas elementales primarias, intentando reducir al máximo -a un mínimo esencial- el valor concedido a la intervención manual. Muy a menudo es el momento de la elección del material el que tiene una importancia crucial, tanto para la organización de la composición de la obra como para su desarrollo. El color, en las obras de escultura, es el color natural y original del material utilizado. El objeto cuenta como elemento propuesto para la interacción con el espacio circundante. Algunos objetos e instalaciones tuvieron que montarse en un lugar concreto: cuando la obra se crea para un espacio específico, se utiliza una fórmula que sigue vigente hoy en día, la del site specific. En esta modalidad, las obras dialogan más con el entorno que como obras en sí mismas.

Donald Judd, licenciado en filosofía, empezó como pintor a mediados del siglo XX y luego colaboró con varias revistas como crítico de arte, “Art News” y “Arts Magazine”, de 1959 a 1965. Creó obras que consistían en estructuras geométricas“apiladas”. Son objetos regulares y nítidos, expuestos en estricta relación con el espacio, que puede ser una galería o un museo. Comparado con los demás minimalistas, Judd era el más frío y riguroso. Utilizó materiales de tipo industrial como el acero inoxidable, el aluminio anodizado y el plexiglás. Su elección recaía en estructuras tridimensionales y elementales, materiales relacionados con la identidad específica de la obra: el color, la forma y la superficie estaban pensados para concentrar toda la atención en la objetualidad.

Debido al concepto minimalista de que debía eliminarse el trabajo manual, Judd procedió con técnicas industriales y maquinaria para garantizar la máxima precisión e impersonalidad en la ejecución.

Para la exposición de la Green Gallery de Nueva York en 1963 expuso una serie de relieves y estructuras en madera u otros materiales, todos ellos coloreados en rojo cadmio. En Sin título (1963), pintura al óleo de color rojo cadmio claro cubre un paralelepípedo de madera, mecanizado y medido según el diseño del artista. Una de sus caras está perforada por una abertura tubular, que constituye una especie de canal que crea un paso; antes que escultura, en Judd cuenta como objeto. La habilidad manual queda absolutamente negada: desde la aplicación del color hasta los limpios cortes en la madera, el objeto garantiza que no ha estado en contacto físico con el artista.

En los años siguientes, el artista comenzó a trabajar con metales, produciendo cajas de hierro o aluminio, colocándolas como elementos individuales o en sus formas apiladas, series que se desarrollan como un todo. Sin título (Stack), de 1968, es una de estas obras de fría ejecución técnica, una rigurosa y articulada escansión de sólidos y vacíos pero que constituyen un todo unificado. Judd dejó de lado la idea de sublimar el carácter objetivo, físico y concreto: éste seguía siendo la verdadera esencia estética y el único contenido de sus obras.

Carl Andre también se movió en la dirección del materialismo pleno: la identidad formal de sus obras coincidía con la de los elementos industriales y prefabricados utilizados, materiales comunes. Andre combinaba estas formas en un sentido elemental, de tal modo que anulaba cualquier distancia entre la obra artística y la intervención común. El objetivo de sus creaciones era crear las condiciones para una percepción renovada de los elementos constructivos primarios, jugando con su presencia física y su ubicación en el entorno. Al hacerlo, redefinió el significado de la escultura, reflexionando sobre los fundamentos de la verticalidad y la horizontalidad, el peso y el espacio. Hour Rose es una madera pintada, moldeada con gran rigor y trabajada a través de una máquina que aleja la idea de intervención humana, la espontaneidad de la artesanía. Andre comenzó a experimentar con la máxima esencialidad de la forma con sus “suelos-escultura” a partir de 1968. Del año siguiente data 144 Lead Square, una obra site-specific. Utilizando losas cuadradas, la escultura se caracteriza por su floorness , como un espacio-lugar puro donde el espectador puede caminar y disfrutar de una experiencia sensorial directa y sin precedentes.

Dan Flavin trabajó en el campo del Minimalismo a partir de la década de 1960. Su obra se distinguió por su interés por la luz y la gran importancia que se le daba en el Minimalismo: inicialmente con la obra Pink out of a corner en 1963, donde un simple objeto, un tubo de neón rosa se colocaba en la esquina de una habitación, convirtiéndose en el módulo básico de todas sus obras fluorescentes. Al encender los tubos de luz, Flavin dio un nuevo significado al espacio, viendo inicialmente una dimensión espiritual en la radiación luminosa de sus obras. Poco a poco, Flavin entró en contacto con la obra de artistas como Vladimir Tatlin, Jasper Johns y Frank Stella, llegando a concebir y compartir el valor otorgado a los objetos como verdaderos fenómenos físicos. Fue precisamente a Tatlin, y a su Monumento al Tercer Proyecto Internacional, a quien Flavin dedicó un ciclo de obras, Monumento para Tatlin (1964-1982), consistente en instalaciones de combinaciones escalares de neón de diversos tamaños, que expandían en el espacio una fría luminosidad blanca, amarilla y roja.

Un líder absoluto de la escultura minimalista fue Robert Morris. El artista razonaba sobre la problemática minimalista centrada en la relación entre objeto, espacio y espectador, pero también eran importantes en él el componente conceptual duchampiano y la influencia de Jasper Johns. En la exposición Primary Structures expuso L-Beams (1965), grandes estructuras de madera contrachapada en forma de L, todas iguales pero colocadas en distintas posiciones, lo que permitía una fruición diversificada; así, cada elemento se imponía al público como una obra diferente.

Entre los minimalistas, Sol LeWitt fue el artista que privilegió la idea sobre el materialismo. Su contribución a la teorización delArte Conceptual es bien conocida. La obra de LeWitt navega simultáneamente entre las esferas minimalista y conceptual, ya que fue capaz de expresarse a través de estructuras visuales tanto mentales como concretas. Aun reconociendo la importancia del momento de la realización, LeWitt encontró en el acto conceptual un momento creativo superior. En 1966 realizó Tres cuadrados, elementos colocados perfectamente a distancia de las líneas de borde entre paredes y suelo. El resultado fue la anulación de la tridimensionalidad en favor de un efecto de expansión. Con su obra, LeWitt exaltó el elemento conceptual al trabajar concretamente sobre el dato espacial, sobre la acción que se produce que modifica el espacio.

En el campo de la pintura minimalista, encontramos a Frank Stella. El pintor estadounidense se encargó de elaborar una pintura radical opuesta al Expresionismo Abstracto. Pretendía poner a cero el significado del acto de pintar, anular todo instinto relacional y preciosista de la pintura, afirmando el valor tautológico del objeto artístico: “Lo que ves es lo que ves”, decía en referencia a sus cuadros de rayas negras, realizados entre 1959 y 1960. La configuración modular y repetitiva pretende reforzar la fisicidad del objeto-pintura.

El pintor Robert Ryman (Nashville, 1930 - Nueva York, 2019) llevó al extremo el proceso de reducción mínima de la creación artística. Propuso el lienzo como soporte concreto y la pintura en su incisiva fisicidad. Sin embargo, a diferencia de Frank Stella, no utilizó configuraciones geométricas, sino que se concentró en la esencia material de la pintura, dando infinita importancia al proceso de pintar, a la colocación del material pictórico. En Sin título, 1962, aparecen pinceladas blancas de cuerpo entero que, debido a la naturaleza del color, se anulan entre sí, haciéndose mínimamente reconocibles en las curvas de las pinceladas, que adquieren un pequeño relieve. Para Ryman, las acciones del pintor deben potenciarse mentalmente y la expresividad, la implicación física, reducirse al mínimo, la idea de reducción y concentración.

Minimalismo, historia y artistas del movimiento reduccionista

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