Miguel Ángel Buonarroti: vida, obras, obras maestras

En una carta enviada a Miguel Ángel Buonarroti (Caprese, 1475 - Roma, 1564) en septiembre de 1537, el gran Pietro Aretino, uno de los más grandes hombres de letras de su tiempo, decía que “el mundo tiene muchos reyes, y un solo Miguel Ángel”: de hecho, los contemporáneos del gran artista toscano ya percibían la grandeza de su genio, uno de los más grandes de toda la historia del arte. Podemos considerar que la experiencia de Miguel Ángel es irrepetible: quizá el mayor escultor de todos los tiempos, con su arte marcó un hito fundamental, muchos artistas posteriores a él intentarían imitarle sin acercarse siquiera a sus resultados, y su inspiración sigue proporcionando inspiración y sugerencias siglos después. Además, tuvo una vida inusualmente larga para su época, ya que vivió ochenta y nueve años: una vida extremadamente intensa, pasando por diferentes épocas y experiencias. De la Florencia de los Médicis a la de Savonarola, de la defensa de la República florentina a la Roma de los Papas. Y luego, la rivalidad con Rafael y con Leonardo da Vinci, los enfrentamientos con sus mecenas, su carácter solitario, tempestuoso e irascible, pero que también supo alcanzar increíbles cotas de sensibilidad, de las que Miguel Ángel nos ha dado prueba con su delicado Rime. Una existencia, en esencia, única.

Las obras de Miguel Ángel son una de las razones por las que cada año miles de turistas y viajeros acuden a Roma o Florencia, pero también a otras ciudades italianas (de hecho, sus obras se conservan no sólo en la capital y en la Toscana), para visitar los museos y chise que las conservan. Además, su genio era polifacético: Miguel Ángel no sólo era escultor, también era pintor, arquitecto y poeta, y sus obras no tenían parangón por su fuerza y energía, pero tampoco por la complejidad y refinamiento de su contenido, ni por su tensión, que nos hace inmediatamente conscientes de la agitación interior que experimentaba su creador (Miguel Ángel fue uno de los artistas más atormentados de la historia: perpetuamente insatisfecho con sus propios logros, llevó una vida casi miserable a pesar de haber acumulado una riqueza fabulosa, que utilizó principalmente para invertir en tierras). También fueron muchas las personalidades que el artista conoció o para las que trabajó: de Lorenzo el Magnífico al papa Julio II, de los papas Médicis (León X y Clemente VII) a Francisco I de Francia, por no hablar de los numerosos artistas y hombres de letras que se cruzaron en su camino (cabe mencionar al menos a Vittoria Colonna, a la que le unía una intensa amistad).

¿Cuál fue la grandeza de este artista único, desgarrado por contradicciones y tormentos? ¿Cuáles son sus principales obras y dónde pueden verse? Tracemos un camino para descubrir el arte de Miguel Ángel Buonarroti, sin olvidar algunos momentos destacados de su biografía.

Daniele da Volterra, Retrato de Miguel Ángel (c. 1544; óleo sobre tabla, 88,3 x 64,1 cm; Nueva York, The Metropolitan Museum of Art)

La vida de Miguel Ángel Buonarroti

Miguel Ángel Buonarroti nació en Caprese, cerca de Arezzo, el 6 de marzo de 1475, hijo de Ludovico Buonarroti, funcionario de los Médicis (ocupaba el cargo de podestà de Caprese) perteneciente a una familia de antigua nobleza pero que había perdido el prestigio adquirido en el pasado, y de Francesca di Neri. La familia de Miguel Ángel carecía de antecedentes artísticos: el niño fue el único que mostró algún talento para el arte, a pesar del deseo de la familia de lanzarle a una carrera literaria también para garantizarle un futuro con perspectivas económicas más halagüeñas que las que disfrutaban sus padres. Las penurias en las que se vio obligada a vivir la familia marcaron probablemente para siempre el carácter de Miguel Ángel, que siempre fue muy ahorrador y cuidadoso con el dinero a lo largo de su vida. Sin embargo, a pesar de lo que nos cuentan los primeros biógrafos, es probable que su padre no le pusiera trabas en su carrera artística, entre otras cosas porque el jovencísimo Miguel Ángel, colocado en un taller de artista o de artesano, aún podría haber aprendido un oficio que le permitiera ganarse la vida. Así pues, en 1487 entró en el taller de Domenico del Ghirlandaio y completó allí su aprendizaje, pero hacia el final de la década comenzó a asistir a la escuela del jardín de San Marcos, fundada por Lorenzo el Magnífico, donde se convirtió en alumno de Bertoldo di Giovanni y se hizo un nombre ante el señor de Florencia.

Tras la caída de la familia Médicis, permaneció algún tiempo en el convento de Santo Spirito de Florencia, como huésped del prior, y allí pudo profundizar en el estudio de la anatomía, mejorando sus cualidades. Tras una estancia en Venecia y Bolonia, regresó a Florencia, donde ejecutó un San Giovannino perdido para Lorenzo di Pierfrancesco de’ Medici y, junto con éste, estafó al cardenal Raffaele Riario esculpiendo un Cupido para revenderlo al prelado como un original de la antigüedad romana. Riario se olió la estafa, la descubrió y montó en cólera, pero quiso conocer al talentoso artista y le hizo el primer encargo: se trataba del famoso Baco (que quizá fue rechazado posteriormente por el cardenal), hoy en el Museo del Bargello. Entretanto, el artista se había trasladado a Roma en 1496: poco después recibió del cardenal Jean Bilhères de Lagraulas el encargo de esculpir la Piedad vaticana. Para realizarla, el artista se desplazó por primera vez en su carrera a Carrara para elegir los mármoles: la obra fue entregada al cardenal en 1499 y abrió las puertas del éxito al joven artista, de tan sólo 24 años.

Su carrera fue entonces un constante crescendo: en 1500 regresó a Florencia, donde la República le encargó al año siguiente la pintura del David, terminada en 1504, y de nuevo en 1504 recibió el encargo de pintar la Batalla de Cascina en la Sala dei Cinquecento del Palazzo Vecchio (la obra nunca llegó a realizarse y sólo la conocemos a través de copias). Más tarde, el artista regresó a Roma, donde el Papa Julio II le encargó su monumento funerario: la obra sería terminada, tras numerosos retrasos, muchos años después de la muerte del pontífice, y diferente del proyecto original. El monumento incluye el famoso Moisés ejecutado a partir de 1513. En 1508, Julio II encargó de nuevo a Miguel Ángel la ejecución de los frescos de la bóveda de la Capilla Sixtina: el artista no se consideraba pintor y se encontraba en su primera prueba con la técnica del fresco, por lo que aceptó a regañadientes, pero su obra, descubierta en 1512, impresionó a sus contemporáneos (incluso Rafael se vio profundamente influido por ella). De vuelta a Florencia, en 1516, a instancias del nuevo papa León X, ejecutó unos planos para la fachada de la basílica florentina de San Lorenzo (esta obra tampoco llegaría a realizarse).

En 1520, Miguel Ángel ejecutó los famosos Prigioni para el monumento a Julio II, inacabados y actualmente en la Galleria dell’Accademia de Florencia. Ese mismo año, el cardenal Giulio de’ Medici le confió la realización de la Sacristía Nueva de San Lorenzo, una de sus mayores obras maestras, que fue terminada unos quince años más tarde. De regreso a Florencia en 1526, fue nombrado procurador de las fortificaciones de la República florentina: al año siguiente, el señorío de los Médicis fue restaurado y, aunque Miguel Ángel era un ferviente republicano, reanudó sin embargo su trabajo para los Médicis. De regreso a Roma en 1532, para instalarse definitivamente en 1534, conoció a Tommaso Cavalieri y Vittoria Colonna, a quienes dedicó varios de sus poemas. Fue probablemente a partir de este año cuando comenzó a componer sus Rime, que serían publicadas póstumamente en el siglo siguiente por su sobrino Michelangelo Buonarroti il Giovane. En 1536, sin embargo, el artista comenzó a trabajar en el Juicio Final, terminado en 1541, y en 1542 el papa Pablo III le encargó los frescos de la Capilla Paulina: la Conversión de San Pablo, terminada en 1545, y la Crucifixión de San Pedro, ejecutada entre 1546 y 1550 (fueron sus últimos cuadros). En 1545, cuarenta años después de su encargo, Miguel Ángel terminó por fin la tumba de Julio II, aunque de forma radicalmente distinta a la original. En 1547 el artista fue nombrado arquitecto de San Pedro y hacia 1548 ejecutó una de sus últimas obras maestras, la Piedad Bandini. En 1552 comenzó a trabajar en la Piedad Rondanini, que, sin embargo, quedaría inacabada en la fecha de su muerte: fue la última obra del escultor. En 1558 comenzó a trabajar en el modelo de la cúpula de San Pedro, que terminó en 1561. La obra sería realizada más tarde, a finales de siglo, por Giacomo della Porta, que siguió el diseño original de Miguel Ángel, aunque con algunas modificaciones. El 18 de febrero de 1564, Miguel Ángel murió en Roma, y tras el solemne funeral (cuya famosa oración fue preparada por el gran hombre de letras Benedetto Varchi), fue enterrado en Florencia según su voluntad.

La Sacristía Nueva, vista con la tumba de Lorenzo duque de Urbino. Foto Crédito Andrea Jemolo

Primeros trabajos: los comienzos y la Piedad vaticana

Como ya se ha mencionado, Miguel Ángel debutó muy joven, en el círculo de Lorenzo el Magnífico, donde tuvo la oportunidad de estudiar las obras de los más grandes artistas, empezando por Giotto y terminando por los grandes del Renacimiento, como Masaccio y, sobre todo, Donatello. Para comprender los comienzos de Miguel Ángel, debemos fijarnos en sus primeras obras, creadas cuando tenía unos quince años: la Madonna della Scala (hacia 1490) y la Batalla de los Centauros (1490-1492). La primera es una obra fuertemente deudora del estilo de Donatello (Miguel Ángel utiliza la técnica del stiacciato), mientras que la Batalla de los Centauros es una obra que ya supera a su maestro Bertoldo di Giovanni, que había realizado una obra similar poco antes (lea también el detallado estudio en profundidad sobre las dos primeras obras maestras de Miguel Ángel). Hoy en día, ambas obras se conservan en Florencia, en la Casa Buonarroti.

Para empezar a comprender la grandeza de Miguel Ángel, hay que fijarse en la Piedad vaticana. Miguel Ángel resolvió un tema que dio a los artistas la oportunidad de crear obras dolorosas de forma original e innovadora: la pureza, delicadeza y compostura de la Madonna, con su rostro de rasgos adolescentes, asombró a los contemporáneos del artista. Una de las razones de la grandeza de esta obra reside en lahumanidad que el artista supo infundir a sus personajes: nunca antes se había visto algo así. Jesús, a pesar del sufrimiento que padeció en la cruz, parece casi indemne, e incluso en la belleza y precisión de la representación de este cuerpo sostenido por su madre, parece manifestarse la naturaleza divina de Cristo, como si dijera que la muerte y el sufrimiento no han logrado ofender ese cuerpo suyo que denota todo el estudio de Miguel Ángel sobre la estatuaria clásica. Con su Piedad, además, el joven Buonarroti ofreció a los observadores un ensayo de su virtuosismo: la Piedad es, además, una de las obras de Miguel Ángel que alcanza los más altos niveles de suavidad y delicadeza, en contraste con las obras de su madurez que quedaron casi todas en ese estado inacabado que caracteriza a muchas de las obras maestras de Miguel Ángel.

La Piedad es también una obra fundamental para comprender la relación de Miguel Ángel con el mármol: el artista desbastó el mármol directamente en la cantera para facilitar el transporte y evitar inconvenientes por vetas o imperfecciones que pudieran tener los bloques en su interior, e incluso en 1517 se asoció con un propietario de una cantera de mármol, para ganar también con los encargos de los bloques extraídos, aunque esta maniobra le trajo problemas con los Medici, que obligaron a Miguel Ángel a abastecerse de mármol de las canteras de Pietrasanta, por estar en territorio de los Medici (Carrara, en cambio, formaba parte de un estado independiente).

Miguel Ángel, Madonna della Scala (c. 1490; mármol, 56,7 x 40,1 cm; Florencia, Casa Buonarroti, inv. 190)

Miguel Ángel, Batalla de los centauros (c. 1490-1492; mármol, 80,5 x 88 cm; Florencia, Casa Buonarroti, inv. 194)

Miguel Ángel, Piedad (1497-1499; mármol, 174 x 195 cm; Ciudad del Vaticano, Basílica de San Pedro)

Las grandes obras maestras: el David, el Tondo Doni, la Capilla Sixtina, la Piedad Bandini

Cuando se piensa en un modelo de perfección y belleza masculina, probablemente se piensa en el David de Miguel Ángel: encargado en 1501, se terminó en 1504, y resultó ser una obra imponente, de cuatro metros de altura. El cuerpo del David, a pesar de sus rasgos juveniles, es una expresión de fuerza y vigor, los músculos están en relieve, los dedos están representados con un alto grado de precisión anatómica, al igual que los tendones del cuello: estos son los elementos que hacen del David una obra maestra insuperable, e incluso en aquella época los contemporáneos de Miguel Ángel tenían la sensación de encontrarse ante una inmensa obra maestra. No sólo por la excepcional belleza de la obra, sino también porque se trataba de una obra fuertemente simbólica: el joven David resistiendo al gigante Goliat, el invasor, era visto como una metáfora de la resistencia de la república florentina contra sus enemigos y era visto sobre todo como una metáfora de la libertad y de la rebelión contra la tiranía. Una obra que parece de ambientación clásica pero que, en cambio, es de concepción muy moderna: una modernidad que encontramos no sólo en el interés de Miguel Ángel por la representación anatómica de cada una de las partes del cuerpo, sino también en la forma en que el artista comunica al observador ciertos aspectos como la fuerza moral de David (subrayada no sólo por su ceño fruncido, sino también por su desnudez). Y una modernidad que se manifiesta también en la ausencia de ciertos motivos típicos de David, como la cabeza de Goliat o la espada, que Miguel Ángel no muestra porque no le interesa tanto la representación del episodio como el significado moral y humano de su protagonista.

El Tondo Doni, obra maestra conservada en los Uffizi, es la única pintura sobre tabla existente que puede atribuirse con certeza a Miguel Ángel, por lo que se trata de una obra del máximo valor. Probablemente fue encargada a Miguel Ángel con motivo de la boda entre Angelo Doni y Maddalena Strozzi, que son también los dos protagonistas de los famosos retratos de Rafael conservados en la misma sala. Se trata de un cuadro único y muy original: en primer lugar por la pose de la Sagrada Familia, que es innovadora, con la Madonna arrodillada y retorciéndose y mirando hacia atrás mientras toma al Niño Jesús sobre su hombro. Las figuras de los protagonistas son escultóricas, muestran un gran vigor, tienen un fuerte claroscuro y un contorno muy nítido que las hace destacar del fondo del cuadro. Observamos que detrás de los protagonistas aparecen desnudos masculinos: los estudiosos se han preguntado durante mucho tiempo por su significado. Puedes saber más sobre la historia del Tondo Doni y la interpretación de su significado leyendo el artículo que le dedicamos.

Pero ésta no es la única obra maestra de Miguel Ángel en pintura: si se piensa en su pintura, es casi natural imaginar la magnificencia de la bóveda de la Capilla Sixtina. Como se menciona en la biografía, recibió el encargo del Papa Julio II en 1508. Según el testimonio del propio Miguel Ángel, el Papa habría querido que en la bóveda sólo aparecieran las representaciones de los apóstoles, pero Miguel Ángel sugirió en cambio una decoración diferente: en la parte central nueve escenas del Antiguo Testamento, la más famosa de las cuales es sin duda la creación de Adán, luego en las velas y lunetos los antepasados de Jesús y a los lados de los relatos las sibilas y los profetas, para una mezcla de cristianismo y mitología grecorromana interpretada en clave cristiana. Este programa pudo ser sugerido a su vez a Miguel Ángel por Egidio Canisio da Viterbo, cardenal humanista culto y corresponsal de Marsilio Ficino y Giovanni Pontano. Egidio da Viterbo aspiraba a recuperar la tradición clásica y buscaba así sintonizar elementos extraídos de la mitología con la religión cristiana, y esta bella obra maestra lo demuestra de forma irrefutable. Las figuras de Miguel Ángel en esta época son poderosas, épicas, caracterizadas por colores tornasolados que contribuyen a realzar el vigor y la fuerza de los personajes. La obra fue realmente una fuente de asombro para sus contemporáneos: Giorgio Vasari llegó a calificarla de “lucerna dell’arte nostra”, una obra que, en sus exactas palabras, “ha bastado para iluminar el mundo”. Parte de la grandeza de esta obra se debe también a las dificultades que presentó durante su realización, que fueron hábilmente superadas por Miguel Ángel: el artista tenía muy poca experiencia en la pintura al fresco (había trabajado con esta técnica como ayudante en el taller de Ghirlandaio). Para realizar su obra maestra, Miguel Ángel recurrió a todos los artistas florentinos que consideraba más hábiles en la realización de frescos: entre ellos estaba Francesco Granacci, que había frecuentado con él el taller de Ghirlandaio. Las primeras “giornate” cubrían pequeñas superficies, pero con el paso del tiempo, gracias también a la experiencia que el grupo fue adquiriendo, empezaron a ocupar áreas cada vez mayores. Miguel Ángel también recurrió a la veladura en seco, una técnica que permitía disponer de más tiempo para terminar de pintar sobre yeso fresco: pero con el paso del tiempo, el equipo fue ganando confianza. Organizando el trabajo de forma precisa, asignando a cada artista una tarea específica y teniendo en cuenta numerosos dispositivos técnicos, el artista pudo terminarlo todo muy rápidamente.

Saltando varios años atrás, hablar de la Piedad Bandini, una de las últimas obras maestras de Miguel Ángel, significa también hablar de sus tormentos y de su obra inacabada. En efecto, en un arrebato, Miguel Ángel golpeó su estatua: la rodilla izquierda, el brazo derecho y la clavícula de Jesús se hicieron añicos. Algunos trozos se arreglaron tiempo después, pero otros no. No sabemos a ciencia cierta a qué se debió el gesto: quizá el artista estaba insatisfecho con la obra, quizá pasaba por malos momentos porque acababa de ser elegido para el trono papal por Pablo IV, nacido Gian Pietro Carafa, un papa muy hostil hacia él y hacia los intelectuales de la Ecclesia Viterbiensis con los que Miguel Ángel se había asociado, quizá porque el artista tenía problemas familiares. La obra queda en estado inacabado, una característica que diferencia su estilo del de los escultores contemporáneos: la técnica de lo inacabado podría interpretarse (pero no estamos seguros) como la forma que tiene el artista de hacer tangible su propio sentido del sufrimiento (un sufrimiento quizá también dictado por motivos ideales: según Miguel Ángel, un artista no puede crear figuras perfectas, ni puede reproducir la naturaleza a la perfección). Pero la idea de lo inacabado también podría derivar de la convicción de que el hombre sólo puede alcanzar la imagen y no la idea, podría ser una metáfora del espíritu que lucha por liberarse de la materia, del alma que intenta liberarse del cuerpo, y conviene recordar que para Miguel Ángel la obra ya estaba presente en el interior del bloque de mármol y la tarea del escultor es liberarla. Este es otro de los elementos que hacen que el arte de Miguel Ángel sea decididamente moderno.

Miguel Ángel, David (1501-1504; mármol, altura 517 cm incluida la base; Florencia, Galleria dell’Accademia)

Miguel Ángel, Tondo Doni (1506-1507; témpera grassa sobre tabla, 120 cm de diámetro; Florencia, Galería de los Uffizi). Foto Crédito Ventanas al Arte

Miguel Ángel, Piedad Bandini (c. 1547-1555; mármol de Carrara, altura 226 cm; Florencia, Museo dell’Opera del Duomo). Fotografía Créditos Alena Fialová

Dónde encontrar las obras de Miguel Ángel

Las obras de Miguel Ángel Buonarroti se encuentran principalmente en Florencia y Roma. En Florencia, es obligatorio visitar la Galleria dell’Accademia (que alberga el David y los Prisioneros), los Uffizi (donde se encuentra el Tondo Doni), el Museo del Bargello (que alberga el Baco, el Pitti Tondo y el Bruto), así como el Museo de las Capillas de los Médicis, desde el que se accede a la Sacristía Nueva, y el Museo dell’Opera del Duomo, que alberga la Piedad Bandini. Pero también hay otros lugares en Florencia y la Toscana donde admirar sus obras maestras: en Florencia, la Casa Buonarroti, el Santo Spirito, la Accademia delle Arti del Disegno y el Palazzo Vecchio; en Siena, el Duomo. En este enlace encontrará ideas para realizar una excursión por la Toscana y descubrir las obras “insólitas” de Miguel Ángel.

En Bolonia, podrá ver, en la Basílica de San Domenico, las primeras obras que Miguel Ángel ejecutó para el Arca de San Domenico. Por último, muchas de las obras de Miguel Ángel se encuentran en Roma: en San Pedro está la Piedad vaticana, en San Pietro in Vincoli se puede admirar la tumba de Julio II con el Moisés, en la basílica de Santa Maria Sopra Minerva el Cristo de la Minerva, por no hablar de la Capilla Sixtina, donde se puede admirar la bóveda y el Juicio Final. También en Roma, son suyos los frescos de la Capilla Paulina. Cerca de allí, en Bassano Romano, en el Monasterio de San Vincenzo, se encuentra el primer Cristo de Minerva, considerado por algunos estudiosos como la primera versión del Cristo de la Basílica de Minerva de Roma. Por último, la última ciudad italiana que alberga una obra de Miguel Ángel es Milán: en el Castello Sforzesco se puede observar, de hecho, la Piedad Rondanini, su última obra.

¿Y en el extranjero? Sólo tres lugares acogen obras de Miguel Ángel: en Brujas, la Iglesia de Nuestra Señora alberga la famosa Madonna de Brujas, que el artista pintó para la familia flamenca Mouscron, que comerciaba con textiles con Italia; en Londres, la Royal Academy of Art alberga el Tondo Taddei; y, por último, el Louvre alberga el Esclavo moribundo y el Esclavo rebelde.

Miguel Ángel Buonarroti: vida, obras, obras maestras

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