Mark Rothko, vida y obra del expresionista abstracto más íntimo

Mark Rothko (Markus Yakovlevich Rothkowitz, en letón Markus Rotkovičs; Daugavpils, 1903 - Nueva York, 1970) fue uno de los principales exponentesdel Expresionismo Abstracto, conocido por sus pinturas de campos de color realizadas entre 1949 y 1970: Se trataba, como se verá, de pinturas en las que el artista utilizaba un solo color (o una gama muy restringida), en formato rectangular, que representaban la declinación probablemente más intimista de la corriente expresiva que se desarrolló en los Estados Unidos de América después de la Segunda Guerra Mundial y que tuvo entre sus máximos exponentes a artistas como Jackson Pollock, Wllem de Kooning, Philip Guston, Arshile Gorky, Helen Frankenthaler, Cy Twombly, Joan Mitchell, Ad Reinhardt, Robert Motherwell, Hans Hofmann y otros.

Artista de origen letón, abandonó Rusia (en la época de su nacimiento, Letonia, donde nació, formaba parte del Imperio Ruso) a los diez años con su familia para emigrar a Estados Unidos, estableciéndose en Portland (Oregón). Las obras de Rothko, y en particular sus pinturas de campos de color, transmiten esa inquietud y ese sentido trágico de la existencia que siempre acompañaron su vida, hasta el último momento (el artista murió de hecho por suicidio), y ello a pesar de sus éxitos. Llevó una vida más bien modesta y retraída, aunque estuvo bien integrado en los círculos culturales y artísticos de su época y no fue un marginado. Sus cuadros han experimentado subidas vertiginosas de precio desde su muerte, hasta el punto de que hoy Rothko es uno de los artistas cuyos precios de subasta alcanzan los valores más altos: no es raro que un cuadro de Rothko alcance cifras de decenas de millones de dólares.

Considerado el más lírico de los expresionistas abstractos, con cuadros que rozaban casi el misticismo, Mark Rothko estaba convencido de que el arte era “una aventura hacia un mundo desconocido, que sólo puede ser explorado por aquellos dispuestos a correr el riesgo” (como escribió en su Manifiesto publicado el 13 de junio de 1943 en el New York Times). La función de los artistas, continuaba Rothko, es “hacer que el público vea el mundo a nuestra manera, no a su manera”. Y en cuanto al contenido de los cuadros, el artista subrayó que “es una opinión ampliamente aceptada entre los pintores que no importa lo que pintes mientras esté bien pintado. Esta es la esencia del academicismo. No hay nada mejor que un buen cuadro sobre nada. Afirmamos que el tema es crucial, y que sólo es válido aquel que es trágico e intemporal. Por eso profesamos un parentesco espiritual con el arte primitivo y arcaico”.

Vida de Mark Rothko

Markus Yakovlevich Rothkowitz, en letón Markus Rotkovičs, nació en Daugavpils, Letonia, el 25 de septiembre de 1903, hijo de Yakov, farmacéutico, y Anna Goldin, en el seno de una familia culta de origen judío y creencias laicas. No obstante, Rothko, el menor de cuatro hermanos, estudió el Talmud después de que su padre volviera a abrazar la religión familiar y, a los diez años, él y su familia emigraron a Estados Unidos, concretamente a Portland (Oregón). Sin embargo, Yakov murió pocos meses después de llegar a América: el suceso fue traumático para la familia y dejó a los Rothko sin ingresos. Mark también se vio obligado a trabajar de joven, vendiendo periódicos (la muerte de su padre también le alejó de la religión). Tras terminar la escuela en Portland y aprender inglés (su cuarto idioma: hablaba letón, ruso e yiddish con fluidez), comenzó a estudiar en la Universidad de Yale en 1921, tras lo cual se trasladó a Nueva York en 1924 para matricularse en la Art Students League, donde estudió con George Bridgman y Max Weber. En 1929 empezó a trabajar como profesor de pintura infantil en la Academia del Centro Judío de Brooklyn, puesto que ocupó durante veinte años.

Al mismo tiempo, Rothko había iniciado su carrera como pintor. En 1928 expuso en la Opportunity Gallery, presentando obras que representaban interiores sombríos y escenas urbanas, que fueron acogidas favorablemente por críticos y colegas. En 1932 conoce a Edith Sachar, diseñadora de joyas, con la que se casa. En la década de 1930 conoció a Milton Avery, un pintor que le convenció de que la idea de una carrera como artista era totalmente posible para Mark Rothko. El éxito no tardó en llegar: en 1933, Rothko celebró su primera exposición individual en el Museo de Arte de Portland y poco después replicó en Nueva York, en la Contemporary Arts Gallery. En 1935, se unió a Ilya Bolotowsky, Ben-Zion, Adolph Gottlieb, Louis Harris, Ralph Rosenborg, Louis Schanker y Joseph Solman para formar el grupo The Ten (“Los Diez”), cuyo objetivo era reaccionar contra la pintura tradicional. En 1938 consiguió por fin la nacionalidad estadounidense y dos años más tarde, preocupado por la propagación del antisemitismo también en Estados Unidos, cambió su nombre de Markus Rothkowitz a Mark Rothko (evitó acortarlo a “Roth” porque Roth es otro apellido de origen judío). Durante esos mismos años, su estilo, inicialmente muy influido por el impresionismo (Rothko pintaba sobre todo escenas de la vida urbana), empezó a evolucionar hacia laabstracción, de forma progresiva. Entre finales de los años 30 y 1946, sus cuadros reflejan su interés por temas como la mitología griega y el arte primitivo, con guiños a las obras de Joan Miró y André Masson (de hecho, Rothko se sintió atraído por la teoría surrealista delautomatismo psíquico, con la que experimentó para empezar a crear sus primeras formas abstractas). Sus obras “surrealistas” se expusieron por primera vez en la galería Art of This Century de Peggy Guggenheim en Nueva York en 1945. Se había divorciado de su mujer el año anterior y se volvió a casar con Mary Alice Beistle en 1945.

En 1947 Rothko también había puesto fin a su experiencia “surrealista” para dedicarse a las composiciones no objetivas. A principios de la década de 1950 elaboró las pinturas de campos de color, obras a las que Rothko llegó pintando dos o tres rectángulos luminosos con bordes suaves y borrosos, suspendidos como si flotaran. Su conocimiento del arte abstracto de Clyfford Still, uno de los primeros expresionistas abstractos, influyó decisivamente en el desarrollo de su nueva poética. En 1948, fundó la Subjects of the Artist School de Nueva York junto con Robert Motherwell, William Baziotes, Barnett Newman y David Hare: aquí, Rothko impartió clases y participó en publicaciones. Mientras tanto, su arte había adquirido fama internacional, hasta el punto de que en 1950 decidió hacer un viaje a Europa (lo que más le impresionó fueron los frescos de Beato Angelico en San Marcos de Florencia, por su carga espiritual, que Rothko sentía muy cercana a su propia sensibilidad), al tiempo que sus exposiciones empezaban a celebrarse en Europa y Asia. El 30 de diciembre de 1950 nace su hija Kathy Lynn. En 1954 expone en el Instituto de Arte de Chicago y en 1958 obtiene su primer gran encargo, una serie de pinturas para el restaurante Four Seasons, que se convertirá en una de sus obras más importantes (los Murales Seagram, conocidos así porque el restaurante estaba situado en el edificio Seagram). En 1958 viajó de nuevo a Europa y en 1961 pintó el mural para el Holyoke Center de la Universidad de Harvard, tras lo cual trabajó en laCapilla Houston de 1964 a 1967, produciendo catorce lienzos que constituyen su obra maestra más famosa(lea más sobre la Capilla Houston de Rothko aquí). Mientras tanto, en 1963 nació su segundo hijo, Christopher. En 1970, al agravarse su depresión, el artista se quitó la vida: fue encontrado muerto el 25 de febrero de 1970 por su ayudante Oliver Steindecker, con un llamativo corte en la arteria del brazo derecho y aplastado por una sobredosis de barbitúricos. No dejó ninguna nota de suicidio.

El estilo de Mark Rothko

En la carrera de Mark Rothko pueden distinguirse tres fases claramente delimitadas: una hasta 1940, una segunda de 1940 a 1949 y una tercera a partir de 1949. En la primera fase, el artista practica una pintura figurativa que se inspira tanto enel Impresionismo como enel Expresionismo. En los primeros años, Rothko se dedica principalmente a escenas de la vida urbana, exagerando la tensión y la inquietud de las escenas, como puede verse en Fantasía subterránea de 1940, una escena ambientada en un subterráneo donde los personajes son inquietantes figuras filiformes, con aspecto perdido, que deambulan cerca de pilares similares a ellos mismos. Con estas obras, Rothko probablemente quería expresar en el lienzo las preocupaciones de los Estados Unidos de la época de la Gran Depresión. En la década de 1940, su pintura cambió al incorporar elementos de lavanguardia surrealista e interesarse por el mito. El cambio de rumbo quedó plasmado en blanco y negro en el Manifiesto publicado en 1943 en el New York Times: los cuadros de este periodo hacen referencia a episodios famosos de la mitología y la literatura antigua (por ejemplo, el Sacrificio de Ifigenia de 1942 o el Sacrificio de 1946 de la Colección Peggy Guggenheim de Venecia), pero no dejan de ser composiciones ya fuertemente orientadas haciael abstraccionismo. La intención de Rothko, de hecho, no era ofrecer una representación del episodio, sino más bien sugerir su atmósfera. Las figuras, ejecutadas con formas casi puras, coloreadas con fondos tensados y sombreados, así como la división en bandas horizontales y el fondo monocolor, anticipan las pinturas de campo de color de la última fase de su carrera. En esta fase, es sobre todo Joan Miró el principal punto de referencia de Rothko, como puede apreciarse fácilmente en Fantasía marina de 1946.

La elaboración de las pinturas de campo de color, realizadas con fondos rectangulares dispuestos sobre fondos monocromos y con bordes borrosos y evanescentes, se remonta a finales de la década de 1940. Esto marcó el comienzo de la llamada “fase clásica”, ya que es la manera más conocida y popular de Rothko. El artista dejó de poner títulos convencionales a sus obras y a menudo incluso se resistía a quienes le pedían explicaciones, pues temía que las palabras dañaran la imaginación del público. A partir de 1950, las pinturas de campos de color se asentaron: de un mínimo de dos a un máximo de cuatro rectángulos sobre un fondo monocromo. A partir de ese momento, Rothko trabajaría exclusivamente de esta manera, variando únicamente la elección y la combinación de los colores. Aunque el artista apenas explicaba sus obras, la razón de las mismas reside en el potencial simbólico, metafísico e íntimo de estas composiciones. En efecto, para Rothko era importante llevar al espectador a un estado de contemplación íntima. Y para ello, el artista consideraba indispensable el gran formato. “Pinto cuadros grandes”, decía, “porque quiero crear un estado de intimidad. Un cuadro grande es un acto inmediato: te lleva dentro de sí mismo”. Así, la idea del pintor era implicar emocionalmente al espectador, y si alguien llegaba a llorar delante de uno de sus cuadros, entonces el artista había dado en el blanco, ya que el público sentía la misma experiencia que él al pintar las obras.

Por esta misma razón, Rothko decidió no entregar los cuadros que le habían encargado para las Cuatro Estaciones: consideraba que ese lugar no era adecuado para contemplar sus obras. Hoy, los cuadros del ciclo se encuentran en varios museos de todo el mundo. Al artista le gustaba la idea de encontrar un lugar permanente para las obras, de modo que pudieran mostrarse en un solo lugar, todas juntas, para sumergir al público en su arte. Mientras trabajaba en los murales, Rothko se centró cada vez más en una paleta apagada (que se convertiría en característica de los últimos diez años de su carrera) de rojos, marrones y negros. El sueño no se haría realidad en el Four Seasons, sino en la Capilla Houston (ahora Capilla Rothko: en su día fue un templo católico, hoy es aconfesional), donde, por encargo de los coleccionistas John y Dominique de Menil, pintó obras con el objetivo de llenar el espacio, con la petición específica de que fueran específicas para el lugar. En la capilla hay catorce cuadros: en tres paredes hay tres trípticos, mientras que en las cinco restantes se exponen cuadros individuales. Son obras con los tonos oscuros típicos de la última fase de la carrera de Rothko, muy sutiles, creadas para crear una continuidad precisa entre obra y entorno y realzar la espiritualidad de la capilla. Obras que, en esencia, se prestan bien a la meditación y a la contemplación, suma de la experiencia del artista americano.

Dónde ver las obras de Mark Rothko

Las obras de Mark Rothko se conservan en museos de todo el mundo, aunque las principales obras maestras se encuentran en Estados Unidos. Núcleos significativos de obras del artista estadounidense se encuentran en la Galería Nacional de Arte de Washington, DC, el MoMA de Nueva York, el Museo Metropolitano de Arte, el Guggenheim, el MOCA de Los Ángeles, el Museo de Bellas Artes de Houston, el Museo Whitney de Arte Americano de Nueva York, el Museo de Arte de Portland y el Museo de Arte Moderno de San Francisco. La Capilla Rothko de Houston puede visitarse y, como ya se ha mencionado, alberga catorce pinturas site-specific del artista, lo que supone una forma única de conocerlo. Fuera de Estados Unidos, las obras de Rothko se encuentran en la Tate de Londres, el Guggenheim de Bilbao, el Centro Pompidou de París, la Fundación Beyeler de Basilea (el museo suizo cuenta con uno de los núcleos más significativos de Rothko fuera de América y organizó una importante exposición sobre el artista en 2020), así como en el Centro Rothko de Daugavpils, en Letonia, su ciudad natal, que fundó un instituto con su nombre donde, además de una colección permanente en la que se muestran algunas de sus obras, se celebran exposiciones y encuentros con regularidad.

Aunque Mark Rothko amaba Italia, en nuestro país no hay museos que expongan obras de Rothko, a excepción de la Colección Peggy Guggenheim de Venecia, donde se encuentran dos obras: Sacrificio, de 1946, y Sin título (Rojo), de 1968.

Mark Rothko, vida y obra del expresionista abstracto más íntimo

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