Lucio Fontana: vida, obras, la importancia de los cortes

Lucio Fontana (Rosario di Santa Fé, 1899 - Comabbio, 1968) es uno de los artistas más conocidos de la historia del arte, y uno de los más discutidos por el público. Sus Buchi y Tagli son a menudo desconcertantes, causando a veces perplejidad ante quienes los encuentran expuestos en un museo... o incluso simplemente colgados en una cuenta social. Y, sin embargo, pocas obras han sido tan revolucionarias: su valor no reside tanto en la sencillez técnica de su creación (que, en cualquier caso, es sólo presunta: los recortes cobraron vida tras un proceso bastante elaborado, que hemos relatado con detalle en un artículo dedicado), como en el camino que recorrió el artista para llegar a esta intuición, que crea una especie de cesura en la historia del arte.

El artista italo-argentino (Fontana tenía mucho interés en subrayar sus orígenes, hasta el punto de que en varias entrevistas se declaró “argentino”) fue uno de los grandes protagonistas del siglo XX, está reconocido como el padre del Espacialismo, y llegó bastante tarde a sus obras más conocidas, ya que sus célebres Conceptos Espaciales datan de finales de los años cuarenta. Antes de eso, Fontana había experimentado mucho, con distintos materiales, principalmente yeso, bronce y sobre todo cerámica: el artista siempre persiguió la idea de una conquista del espacio, partiendo de las reflexiones de Umberto Boccioni, el único artista que, según Fontana, había logrado crear este nuevo camino, el descubrimiento de la cuarta dimensión, es decir, un arte que se liberara tanto de la bidimensionalidad de la pintura como del estatismo de la escultura, para expandirse en el espacio. Esta es también la razón por la que Fontana era incapaz de dar una definición precisa de sus obras: ni pintura ni escultura. Pero si queremos encontrar otros antecedentes de la “conquista del espacio”, podríamos citar también la libertad y el movimiento delarte barroco, que en opinión de Fontana no tenía parangón, hasta el punto de que sus primeras investigaciones con la cerámica pueden compararse precisamente con la escultura barroca, por su dinamismo, por la audacia de su desarrollo (basta observar cómo en muchas de sus esculturas los distintos planos reflejan la luz de muy diversas maneras, dando lugar a resultados siempre sorprendentes). Experiencias todas ellas que le llevaron más tarde a la intuición de los agujeros, de los cortes, de los ambientes.

Reconstruir el pensamiento de Fontana no es difícil, porque es un artista que ha escrito mucho y concedido muchas entrevistas. Por tanto, podemos considerarlo no sólo como el primero y más importante de los artistas espacialistas, sino también como su teórico: lúcido, franco, a menudo también muy polémico (chocó, por ejemplo, con Emilio Vedova), Fontana era un artista polifacético, actualizado, culto, conocedor de la historia del arte. Y podemos decir que es profundamente injusta la actitud que hoy le reserva una parte del público, que sigue burlándose de sus obras más de cincuenta años después de su creación. Una actitud que, en cualquier caso, estaba muy extendida incluso cuando el artista exponía sus obras: “Los críticos siempre me han difamado”, dijo en una entrevista con Nerio Minuzzo para L’Europeo en 1963. “Pero nunca me preocupé por ello, seguí adelante de todos modos y nunca le quité el saludo a nadie. Durante años me llamaron ’el de los agujeros’, con cierta lástima incluso. Pero hoy veo que mis agujeros y cortes han creado afición, son aceptados e incluso encuentran aplicaciones prácticas. En bares y teatros hacen techos con agujeros. Porque hoy, como ven, hasta la gente de la calle entiende las nuevas formas. Los artistas, por desgracia, son los que menos entienden”.

Lucio Fontana en la Bienal de Venecia de 1966

Lucio Fontana, biografía

Lucio Fontana nació el 19 de febrero de 1899 en Rosario di Santa Fé ( Argentina), hijo de emigrantes italianos de los que heredaría la pasión por el arte: su padre Luigi era escultor, especializado en estatuas funerarias, mientras que su madre Lucia Bottino era actriz de teatro. El artista fue a la escuela en Italia, cursó la primaria en Biumo, el internado Tasso y luego asistió al instituto técnico del Collegio Arcivescovile de Seregno. Al mismo tiempo, persiguió su pasión por el arte empezando a practicar en el estudio de su padre, ya que Luigi también había regresado a Italia. Cuando estalló la Primera Guerra Mundial, Lucio Fontana dejó la escuela en 1916 y se alistó como voluntario en la infantería, llegando a ser oficial con el grado de subteniente. Sin embargo, en 1918 fue herido en el Karst, fue licenciado con una medalla de plata al valor militar y reanudó sus estudios, graduándose como aparejador. En 1921 regresó a Argentina, donde se dedicó a la escultura, trabajando en el taller de su padre. Al principio trabajó con su padre en el campo de la escultura de cementerios, pero luego emprendió el camino de la investigación, lo que le valió sus primeros encargos en su país natal. En 1927 regresó a Italia, donde se matriculó en laAcademia de Bellas Artes de Brera, donde se convirtió en alumno de Adolfo Wildt: en entrevistas, Fontana diría más tarde que Wildt le consideraba, además de uno de sus alumnos más dotados, su continuador, pero Lucio le decepcionaría al emprender un camino artístico muy alejado del de su maestro. Se gradúa en la Academia en 1929: las obras de esta etapa son esculturas muy influidas por Wildt.

El artista comienza a cosechar sus primeros éxitos: en 1930 participa en la XVII Bienal de Venecia (Wildt era el comisario de la exposición internacional), presentando dos esculturas, y celebra su primera exposición individual en la Galleria del Milione de Milán, comisariada por Edoardo Persico. Aquí, Fontana presentó la escultura que provocó la ruptura con Wildt, Uomo nero (Hombre negro): “nada más salir de la Accademia”, cuenta Fontana en una entrevista de 1963 con Bruno Rossi, “cogí una masa de yeso, le di la estructura aproximadamente figurativa de un hombre sentado y le eché alquitrán. Así, sin más, para provocar una reacción violenta”. A Wildt, por supuesto, le dolió bastante". El artista siguió investigando por este camino, primero con el yeso y luego con la cerámica: en los años 30 estuvo en Albissola Marina, donde trabajó con el ceramista Giuseppe Mazzotti. El artista volvió a abandonar Italia durante la Segunda Guerra Mundial y se trasladó a Argentina, donde enseñó decoración en la Academia de Bellas Artes de Buenos Aires: aquí firmó, junto con algunos de sus alumnos y jóvenes artistas argentinos, el Manifiesto Blanco, que puede considerarse el texto fundacional del Espacialismo. Ese mismo año realizó el primer Concepto Espacial y en 1947 firmó el Manifiesto del Espacialismo junto con Giorgio Kaisserlian, Beniamino Joppolo y Milena Milani. Antes de regresar a Italia, expuso en 1949 en el MoMA de Nueva York en una muestra colectiva de arte italiano del siglo XX.

De vuelta a Italia, Fontana expuso sus primeros Ambienti spaziali en neón en la Trienal de Milán de 1951 (el mismo año del Manifiesto Técnico del Espacialismo) y comenzó a desarrollar la investigación por la que hoy es universalmente conocido: los primeros “agujeros” datan de la década de 1950. Los “cortes”, por su parte, se remontan a 1958: se presentaron por primera vez en la Galleria del Naviglio de Milán en 1959, luego se llevaron a París, a la prestigiosa Documenta de Kassel, y después de nuevo a la V Bienal de São Paulo y en varios otros contextos importantes. Además, Fontana no dejó de investigar la escultura, al contrario: en estos años estuvo siempre en Albissola Marina, donde tenía un estudio desde el que se siguieron creando espléndidas obras de cerámica. Por otra parte, algunos ciclos importantes se remontan a los años sesenta, como los Olii, los Metalli y, sobre todo, los Fine di Dio de 1963-1964 y los Teatrini de 1964-1966. El artista se trasladó a Comabbio en 1968: allí murió el 7 de septiembre.

Lucio Fontana, Pescador (1933-34; yeso coloreado, 183 x 82 x 76 cm; Fondazione Lucio Fontana)

Lucio Fontana, Deposición de Cristo (1954; boceto en yeso, segunda versión; Milán, Museo Diocesano “Carlo Maria Martini”)

Lucio Fontana, Los cuatro paneles del “Conte Grande” en el MuDA de Albissola Marina. Ph. Crédito Finestre sull’Arte.

Lucio Fontana, Estructura para la 9ª Trienal de Milán (1951; tubo de cristal con neón blanco; © Fondazione Lucio Fontana)

Lucio Fontana: Espacialismo, las principales obras

Contrariamente a lo que muchos podrían pensar al observar sus agujeros y cortes, Lucio Fontana poseía una gran técnica, madurada de joven en contacto con su padre y perfeccionada después asistiendo a la Academia Braidense. Sus primeras realizaciones se asemejan a las de su maestro Adolfo Wildt: véase, por ejemplo, la Virgen con el Niño de 1928, donde el artista sigue el estilo clásico, sinuoso y pulido de Wildt, aunque demostrando las limitaciones de su falta de experiencia. Sin embargo, Fontana también fue capaz de crear obras de inspiración realista (por ejemplo, el Pescador de 1933-1934), que sin embargo carecían del grado de abstracción que alcanzarían más tarde. Las esculturas más innovadoras datan de finales de los años cuarenta: son cerámicas muy animadas, dinámicas, de inspiración barroca, capaces de reflejar la luz, creando efectos que dan más movimiento a las obras. En cierto sentido, por tanto, ya son obras que interactúan con el espacio: entre los ejemplos más interesantes en este sentido se encuentran las cerámicas Conte Grande realizadas en 1949 y conservadas actualmente en el MuDA de Albissola Marina.

El Manifiesto Técnico del Espacialismo data de 1951: aquí el artista define sus intenciones con extrema precisión. “Concebimos el arte como una suma de elementos físicos, color, sonido, movimiento, tiempo, espacio, concibiendo una unidad físico-psíquica, el color el elemento del espacio, el sonido el elemento del tiempo, y el movimiento desarrollándose en el tiempo y en el espacio. Estas son las formas fundamentales del nuevo arte que contiene las cuatro dimensiones de la existencia. Estos serían los conceptos teóricos del arte espacial”. Conceptos que el artista ya había expresado en el Manifiesto Blanco. ¿Cuáles son los supuestos que conducen a los agujeros y cortes? El primero: laeternidad del arte y su imposibilidad de ser inmortal. Es decir, el arte está destinado a morir como materia física (tarde o temprano, a lo largo de los milenios, un cuadro o una escultura se destruirán), pero como necesidad innata del ser humano, el arte permanece eterno en su dimensión de gesto. Y un gesto no puede destruirse. Los agujeros y cortes son, por tanto, una salida de la materia, una forma de superarla. En segundo lugar, la conquista del espacio es una consecuencia de la historia humana, que en los años de los “agujeros” y los “cortes” estaba, de hecho, conquistando el espacio con las expediciones lunares (un tema por el que Fontana siempre se interesó). “El descubrimiento del cosmos”, se dice que dijo Fontana a Carla Lonzi en la entrevista publicada más tarde en Autoritratto, “es una nueva dimensión, es el infinito, así que agujereo este lienzo, que era la base de todas las artes, y he creado una dimensión infinita, una x que para mí es la base de todo el arte contemporáneo. Si no, sigue diciendo que es un büs, y adiós”. Tercero: El espacialismo representa la necesidad de crear un arte del futuro, un arte que sea “transmisible en el espacio”, un arte que viva en su tiempo. Un arte que también nos haga comprender la ciencia, si se quiere.

De ahí que el artista denominara Conceptos espaciales a los agujeros y cortes. Para estos últimos, además, Fontana ni siquiera utilizó el término “cortes”, sino que habló de Esperar. Porque el corte abierto nos proyecta hacia una nueva dimensión, a la espera de que suceda algo nuevo: es como si más allá del lienzo hubiera algo que se expande en el espacio, a la espera de que lo atrapemos. Entre los críticos que mejor comprendieron el alcance de la revolución de Fontana estuvo Gillo Dorfles(puede leer su explicación de los agujeros y cortes de Fontana en este enlace).

Lucio Fontana, Concepto espacial. Esperando (1959; pintura al agua sobre lienzo, 100 x 81 cm; Rovereto, MART - Museo di Arte Moderna e Contemporanea di Trento e Rovereto, cedido por una colección privada; © Fondazione Lucio Fontana)

Lucio Fontana, Concepto espacial. 62 O 32 (1962; óleo, tajos y graffiti sobre lienzo, 146 x 114 cm; Milán, Fondazione Lucio Fontana; © Fondazione Lucio Fontana)

Lucio Fontana, Concepto espacial. Waiting (1964; cementita sobre lienzo, 190,3 x 115,5 cm; Turín, Galleria d’Arte Moderna). © Fundación Lucio Fontana

La grandeza y la importancia de los recortes de Fontana

“Un científico -decía Fontana en 1965- se encierra en su laboratorio y trabaja para las masas, para la humanidad. Yo, en mi profesión de pintor, al hacer un cuadro con un recorte, no quiero hacer un cuadro: abro un espacio, una nueva dimensión en la orientación del arte contemporáneo: el fin de la escultura o de una tradición de la pintura en el sentido del caballete; pero es también una nueva dimensión del cosmos. Yo, en mi pequeño descubrimiento, el agujero, no quería decorar un lienzo: rompí esta dimensión; más allá de este agujero hay una nueva libertad de interpretación del arte, el fin de un arte tradicional, de esta tridimensión, por una dimensión que es el infinito: va hacia el futuro”. Aunque es el propio artista quien pronuncia estas palabras, es a partir de aquí cuando se puede empezar a comprender la grandeza y la importancia de los recortes de Lucio Fontana. El artista fue uno de los primeros, junto con otros grandes como Alberto Burri, Afro Basaldella y Giuseppe Capogrossi, en fundar un arte basado en el gesto. Además, con sus agujeros y cortes, Fontana sentó las bases para superar la tridimensionalidad. Además, las obras de Fontana casi pueden considerarse las primeras de la historia del arte en representar el infinito, y abrirían importantes investigaciones posteriores (como la de Enrico Castellani).

Y de nuevo, los cortes son una forma de superar la ficción del arte: es como si Fontana nos dijera que el mundo real no es el que está sobre el cuadro o dentro de la escultura, sino que es el que se abre más allá del tajo. Un descubrimiento al que Fontana llegó con gran lucidez. Además, puede decirse que Fontana ha superado definitivamente la tercera dimensión, gracias a un arte capaz de ocupar el espacio (más evidente en sus Ambienti spaziali). Además, considerando las obras como “conceptos”, Fontana también puede considerarse uno de los precursores delarte conceptual, situado en el camino que conduce de Duchamp al arte que se desarrollará a partir de mediados de los años sesenta. Lucio Fontana es, en definitiva, uno de los grandes de la historia del arte del siglo XX.

Dónde ver las obras de Lucio Fontana

Las obras de Lucio Fontana se conservan en varios museos de todo el mundo. En Italia, las obras de Fontana se encuentran en la Galleria Nazionale d’Arte Moderna de Roma, el Museo del Novecento de Milán (donde hay una sala enteramente dedicada a él), el Museo Diocesano de Milán, el MART de Rovereto, el MADRE de Nápoles, el GAM de Turín, el Museo Novecento de Florencia, la Colección Casamonti de Florencia, el Museo Revoltella de Trieste y el MAGI ’900 de Pieve di Cento. También se conservan obras de Fontana en los Museos Vaticanos. El MuDA de Albissola Marina (localidad en la que el artista tenía su taller desde el que realizaba sus cerámicas) conserva un buen núcleo de las cerámicas de Fontana. Hacia el final de su carrera, el artista fue muy prolífico, ya que, según confesión propia, le pedían continuamente “agujeros” y “cortes”, por lo que produjo muchos, aunque no se hizo tan rico como cabría pensar por los precios millonarios que alcanzan hoy algunas de sus obras en las subastas. Varias galerías comerciales poseen obras de Fontana que se exhiben regularmente en grandes exposiciones en Italia y en el extranjero.

Lucio Fontana: vida, obras, la importancia de los cortes

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