Jackson Pollock, vida y obra del gran expresionista abstracto

La figura más representativa delarte estadounidense de los años 40 y 50 fue Jackson Pollock (Cody, 1912 - Long Island 1956), un hombre inquieto y rebelde, adicto al alcohol, del que no pudo prescindir el resto de su vida y que le llevó a una muerte prematura. Fue uno de los máximos exponentesdel expresionismo abstracto, uno de los artistas más conocidos de Estados Unidos al que incluso la revista Life dedicó una página. Apoyado en sus inicios por la coleccionista Peggy Guggenheim, el irascible Pollock dio un gran impulso al arte abstracto con su técnicadel dripping.

Interesado por la historia de Estados Unidos, el artista comenzó a profundizar en la cultura nativa, que influyó enormemente en su obra. También recibió la influencia del surrealismo, cuyos principales exponentes viajaron a Nueva York tras la II Guerra Mundial, aportando elementos innovadores a la pintura estadounidense. Pollock también se adhirió al psicoanálisis de Carl Gustav Jung , para quien, a nivel inconsciente, toda la humanidad comparte arquetipos colectivos, o formas primarias que tienen el mismo significado para todos. Pollock conoció y se casó con la pintora Lee Krasner, con quien se trasladó a Long Island, aunque la fidelidad de la pintora duró muy poco.

Jackson Pollock

La vida de Jackson Pollock

Jackson Pollock nació el 28 de enero de 1912 en Cody, Wyoming, en el seno de una familia de origen modesto. Pasó su juventud entre Arizona y California. En 1929, se unió a su hermano en Nueva York, donde ambos se trasladaron y asistieron a la Art Students League, donde recibieron clases del pintor Thomas Hart Benton , uno de los principales exponentes del realismo estadounidense. Lo que impresionó al joven Pollock no fue tanto la preferencia de Benton por los temas paisajísticos estadounidenses como su uso del color y su fuerte independencia, dos elementos que caracterizaron el arte de Pollock. De 1935 a 1943 trabajó como muralista para el Proyecto Federal de Arte, cuyos objetivos eran crear oportunidades de empleo para artistas desempleados y desfavorecidos, producir obras de arte para adornar edificios públicos y educar al pueblo estadounidense sobre el arte. Fue durante este periodo cuando el artista estadounidense se interesó por los grandes maestros mexicanos, que de hecho se dedicaron a la pintura mural. Entre ellos se encontraban José Clemente Ozorco, Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros: este último influyó mucho en Pollock, ya que el artista mexicano introdujo el uso del color puro en un seminario celebrado en Nueva York.

Ya en la década de 1940, Pollock gozaba de cierto reconocimiento gracias al apoyo del crítico Clement Greenberg, uno de sus principales valedores, y de las coleccionistas y galeristas Betty Parsons y Peggy Guggenheim. En 1943, el MoMa (Museo de Arte Moderno) adquirió una obra de Pollock, The She-Wolf (1943), tras la exposición del año anterior, Art of This Century celebrada en el museo-galería de Peggy Guggenheim; la propia Peggy Guggenheim ofreció a Pollock un contrato que duraría hasta 1947. A principios de la década de 1940 también participó en la exposiciónAbstract and Surrealist Art in America, celebrada en la Brandt Gallery de Nueva York. La primera exposición individual del artista estadounidense tuvo lugar en 1950, organizada por Peggy Guggenheim en el Museo Correr de Venecia, pero Jackson no asistió porque le disgustaba viajar fuera de Estados Unidos. Tras la exposición individual veneciana, Pollock también viajó a París al estudio Paul Facchetti, donde mostró sus drippings al público francés en 1952. En 1945 Jackson conoció y se casó con la joven pintora Lee Krasner, con la que abrió una pequeña casa-estudio cerca de Long Island. Fue aquí donde Pollock comenzó a experimentar con su famosa técnica pictórica, que consistía en pintar espontáneamente goteando pintura directamente sobre el lienzo. Los lienzos se colocaban en el suelo (y ya la posición era decididamente poco convencional), y el artista empezó a hacer uso de la técnica que acompañaría al nombre de Pollock: la técnicadel goteo. Esta nueva forma de proceder y la innovadora relación con el lienzo sentaron las bases de lapintura de acción, también llamada pintura gestual o, más en general, expresionismo abstracto: se trataba de un estilo de pintura “envolvente” basado más en los elementos pictóricos (lienzo, color y espacio) que en los temas representados. El expresionismo abstracto también se asoció a otros artistas de la escuela estadounidense como Mark Rothko, Franz Kline, Willem de Kooning y Barnett Newman . Los años comprendidos entre 1945 y 1950 fueron los más creativos e intensos de Pollock. Sus lienzos más famosos, Enchanted Forest (1947), Number One (1948), One (1950), se encuentran en este periodo. La reputación del irascible pintor aumentaba día a día, a lo que se sumó una portada que la revista estadounidense Life le dedicó el 8 de agosto de 1949, en la que se preguntaba “¿es uno de los más grandes pintores de Estados Unidos?”: esta pregunta fue respondida afirmativamente por los coleccionistas, que empezaron a comprar las obras del joven pintor. Después de tan ferviente carrera artística, Pollock murió a los cuarenta y cuatro años, el 11 de agosto de 1956, en un accidente de coche provocado por su estado de embriaguez.

Jackson Pollock, La loba (1943; óleo, gouache y yeso sobre lienzo, 106,4 x 170,2 cm; Nueva York, MoMA)

Jackson Pollock, La mujer de la luna (1942; óleo sobre lienzo, 175,2 x 109,3 cm; Venecia, Colección Peggy Guggenheim)

Jackson Pollock, Bosque encantado (1947; óleo y esmalte alquídico sobre lienzo, 221,3 x 114,6 cm; Venecia, Colección Peggy Guggenheim)

El estilo y las principales obras de Jackson Pollock

A primera vista, los lienzos de Pollock pueden parecer laberintos, formas sinuosas que se retuercen sobre sí mismas, una incontenible explosión de color en la que la mirada del espectador se pierde en este espacio que parece no tener centro. Sin embargo, Pollock, mediante el simple acto de mover el lienzo del caballete y colocarlo en el suelo, y luego gotear el color utilizando únicamente el principio del azar, demostró que era posible tener otra relación con el lienzo y con el arte en general. Era una relación diferente de la fría y racional que caracterizaba las obras de un artista tan fundamental para el arte estadounidense como Piet Mondrian: la de Pollock era una relación más directa, impulsiva y casi visceral. Los primeros años de Pollock fueron casi como un ejercicio de las obras de los grandes maestros como Miguel Ángel, Tintoretto y Rubens , de lo que dan fe una serie de dibujos conservados en la Fundación Pollock-Krasner de Nueva York: de estos primeros dibujos se desprende ya la energía intrínseca perceptible de los giros de los cuerpos, la anatomía y la fuerza que desprenden.

A principios de la década de 1940, Pollock se interesó por la exploración de temas primitivos y mitológicos. El ejemplo que mejor representaba su investigación era La loba (1943): el animal aquí representado puede aludir a la loba que amamantó a Rómulo y Remo, según la leyenda que narra la fundación de Roma. Pollock explicó en 1944 que"La loba nació porque tenía que pintarla". Aunque en esta época Pollock aún no había llegado al punto de utilizar la técnica del goteo que le hizo mundialmente famoso, ya es posible observar salpicaduras de color en el lienzo, algunas de cuyas partes muestran formas sin líneas ni color en las que se percibe un primer paso hacia la abstracción. La loba, que avanza hacia la izquierda, está formada por gruesas líneas blancas y negras. Su cuerpo está cubierto de líneas gruesas, manchas y marcas caligráficas ilegibles. Los protagonistas de las primeras obras eran, pues, sujetos totémicos que unían la imaginería surrealista, por la que Pollock se interesó brevemente, y la pintura mural en el lienzo. En la obra La mujer de la luna (1942), Pollock se vio influido por el poeta Charles Baudelaire y el simbolismo francés. En el centro aparece una mujer solitaria que emerge del fondo, y a los lados hay símbolos misteriosos relacionados con el arquetipo de la feminidad. El cuerpo ahusado representado con un simple trazo del pincel negro contrasta con el inquietante rostro que recuerda a las figuras femeninas representadas por Picasso en Demoiselles d’Avignon (1906-07). De hecho, es probable que Pollock viera la exposición que el Museo de Arte Moderno de Nueva York le dedicó en 1942. De estas primeras obras surgieron temas íntimamente relacionados con la naturaleza, la magia y el simbolismo, características que, sin embargo, se mantuvieron incluso en la producción artística más madura del pintor. En los años siguientes, la tendencia hacia la abstracción fue estallando cada vez más, como en Número 1 (1948). La obra se expuso por primera vez en la Betty Parson Gallery de Nueva York ese mismo año. Las ventas fueron decepcionantes y las críticas negativas, pero no fue hasta el año siguiente cuando la revista Life presentó a Pollock con los brazos cruzados, un cigarrillo colgando de la boca y bajo la pregunta “¿Es el mejor artista de Estados Unidos?”.

A medida que el artista se desplazaba por el lienzo, dejaba que el color goteara sobre la superficie para desprender una fuerte energía: las líneas blancas y negras convergen, creando una intrincada red de colores. La forma en que el color se extiende sobre el plano sugiere la velocidad y la fuerza del avance del artista, como en Plata sobre negro, blanco, amarillo y rojo (1949). En Number 8 (1949), por otra parte, la línea de Pollock adopta formas diferentes, ya que el crítico Frank O’Hara explicó que el artista, a través de su habilidad para adelgazar, espesar y extender uno de los elementos más simples como es la línea, era capaz de anular el espacio, la profundidad y la jerarquía de los elementos pictóricos.

Las superficies de Pollock están físicamente presentes, llevando al espectador a una confrontación directa con el campo abstracto del lienzo. Ritmo de otoño fue ejecutada en 1950, y es una de las obras más famosas del pintor. El pigmento se aplicaba con los medios más diversos: cuchillos, palillos y manos. No hay un punto focal central, cada parte de la superficie tiene el mismo significado. Las dimensiones (266 x 525 cm) también tienen una importancia significativa, ya que el espectador, ante un cuadro tan abrumador, se siente embelesado. Siguiendo las líneas arremolinadas y exuberantes, uno casi puede imaginarse la “danza ritual” de Pollock. Hay una falta de previsión en estas obras , que, sin embargo, no se traduce en una falta de control porque Pollock, como dijo en varias entrevistas, manejaba el flujo de la pintura. Para Pollock, el arte debía transmitir un contenido significativo y revelador. En 1945 se celebró una exposición en la Galería Pierre Matisse en la que se exhibían cuadros de Joan Miró, un artista al que Pollock admiraba mucho, y que probablemente dio un impulso al arte del artista estadounidense. Los lienzos que Pollock admiraba eran las Constelaciones, una serie de obras creadas entre 1940 y 1941 y consistentes en una serie de formas dispersas por el lienzo y conectadas por una fina línea que invocan una metáfora estelar. Algunos críticos afirmaron que Miró fue un precursor directo de las obras que Pollock ejecutaría más tarde.

Lavander mist (1950) encarnó el gran avance artístico que el artista estadounidense alcanzó a principios de la década de 1950. La obra fue pintada cerca de Long Island, en la casa-estudio donde vivía con su esposa. Para el artista, evocar texturas de color tan líricas y equilibradas era casi un acto ritual. De hecho, Pollock llegó a conocer a los nativos de su tierra natal, que consideraban la pintura un ritual. Y como un artista nativo, Pollock firmó Lavander Mist en la esquina superior izquierda del lienzo con las huellas de sus manos. La técnica allover (total, por todas partes) permitió al artista lograr un espacio homogéneo, desprovisto de jerarquía, todo difuminado: superficie y profundidad, arriba y abajo. Es legítimo considerar la relación de Pollock con el lienzo como una anticipación del arte dela performance, que tuvo su mayor vitalidad entre los años sesenta y setenta. Como en las performances, el valor expresivo en los lienzos de Pollock viene dado por el cuerpo, la mente y los sentimientos.

Jackson Pollock, Número 1 (1948; óleo y pintura sobre lienzo, 172,7 x 264,2 cm; Nueva York, MoMA)

Jackson Pollock, Lavander mist (1950; óleo, esmalte y aluminio sobre lienzo, 221 x 299,7 cm; Washington, National Gallery of Art)

Dónde ver las obras de Jackson Pollock

La mayoría de las obras de Jackson Pollock pueden verse en el Museo Guggenheim de Nueva York(The Moon woman, 1942, y algunos de sus drippings más famosos), Autumn Rhythm, (1950) está en el Metropolitan Museum, y Lavander Mist (1950) en la National Gallery de Washington. La Galería Nacional de Australia cuenta con una de las obras más famosas de Pollock: Polos azules (1952), aunque la compra de la obra se produjo en medio de cierta polémica porque el director, James Mollison, no estaba autorizado a adquirir obras de más de un millón de dólares, por lo que sólo obtuvo el cuadro con la aprobación del entonces Primer Ministro Gough Whitlam. Italia también posee algunas de las obras famosas de Pollock: en la Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea de Roma pueden verse Caminos acuáticos (1947), Pintura A (1950), Composición cuadrada (con caballo) de 1937-38.

Jackson Pollock, vida y obra del gran expresionista abstracto

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