Giuseppe Capogrossi, vida, obra y estilo del rotulista

Giuseppe Capogrossi (Roma, 1900 - 1972) fue un pintor que dejó su impronta en la cultura artística italiana posterior a la Segunda Guerra Mundial. La producción de Capogrossi se asocia a la investigación sobre el signo que, en toda Europa, nació en un momento de desconcierto y reflexión provocado por la experiencia de los regímenes totalitarios y la catástrofe de la Guerra Mundial: como consecuencia, comenzó a cuestionarse la centralidad del hombre. Una corriente filosófica como el existencialismo puso de relieve toda la finitud y precariedad de la vida humana. Fue una crisis que, en el ámbito de las artes visuales, dio lugar a la introducción de nuevas formas de trabajar, de un arte alternativo. Michel Tapié habló por primera vez de este art autre y agrupó las novedades bajo el nombre de informal para indicar un arte que elegía nuevos métodos, nuevos gestos. Esta tendencia se centraba en la materia, en el signo, y estuvo representada en Italia, entre otros, por la producción de Capogrossi. Junto con Alberto Burri, se le considera uno de los máximos exponentes de la pintura informal y figura entre los artistas de la Escuela Romana.

Su personal aportación a la poética del signo, del gesto controlado, contribuyó a romper con la tradición imperante en el panorama artístico italiano, rechazando la representación del dato objetivo y real. El arte que surgió en torno a los años 50 permitía una nueva libertad de expresión.

La investigación de Capogrossi consistió en la exploración del poder del color, basado en la repetición de elementos y signos bidimensionales elementales. En ellos encontraba “la razón primera” de su pintura, dejando a un lado la teoría y el contenido. Esta investigación le llevó a participar en la fundación del Gruppo Origine en 1950, junto a Alberto Burri, Mario Bellocco y Ettore Colla. Fue una experiencia que duró apenas un año, pero indicativa del momento que vivía la escena cultural italiana tras la Segunda Guerra Mundial.

Este supuesto encaja perfectamente con la investigación artística de Capogrossi, cuyo arte conseguía ser fuertemente emocional, al tiempo que se basaba en la reiteración de un símbolo muy simple y en la relación entre los colores. De este modo, el artista se puso del lado de quienes en Italia profesaban la abstracción en el arte, en marcado contraste con los partidarios del realismo. Sin embargo, Giuseppe Capogrossi no adoptó inmediatamente esta postura: al principio, al menos hasta 1949, siguió siendo un pintor figurativo, que “pasó del paisaje a la figura”, como dijo Maurizio Fagiolo Dell’Arco en 1999.

Vida de Giuseppe Capogrossi

Giuseppe Capogrossi nació en Roma el 7 de marzo de 1900. Descendía de una familia noble romana por parte de padre, Guglielmo. Se orientó hacia el estudio del Derecho, licenciándose en 1922. Sin embargo, su fuerte vocación artística le llevó pronto a estudiar pintura: entre 1923 y 1924, asistió a la Escuela de Desnudos de Felice Carena, una de las más prestigiosas de Roma en aquella época. En este ambiente entabló amistad con los pintores Fausto Pirandello, Onofrio Martinelli y, sobre todo, Emanuele Cavalli. De este último vínculo queda también un cuadro de 1927, en el que Capogrossi se retrata junto a su amigo. Los dos pasaban juntos los veranos en Anticoli Corrado, un pueblecito situado en el valle a la izquierda del Aniene, entonces de moda entre los artistas que querían rodearse de paisajes pintorescos. Aquí, el pintor probablemente tomó conciencia de la necesidad, primeros síntomas de una inclinación personal a la búsqueda de un entorno arcaico, incontaminado, lejos del artificio de la ciudad. Con Fausto Pirandello, viajó a París en 1927, a lo que seguirían numerosos viajes más: aquí tuvo ocasión de estudiar a los impresionistas, de acercarse al arte de Pablo Picasso y de André Derain. Pero el objetivo principal de estos viajes, como el pintor escribió a su hermano Francesco en marzo de 1929, era intentar darse a conocer en los círculos artísticos.

Junto con los pintores Emanuele Cavalli y Francesco Di Cocco, debutó en la exposición colectiva de 1927 en Roma, en el Hôtel Pensione Dinesen. Allí presentó sus primeras obras, todavía esencialmente figurativas, como Autoritratto (Autorretrato ) y Casa in Demolizione (Casa en demolición), ambas caracterizadas por un “realismo minimalista”, según el historiador del arte Wart Arslan en su artículo Una mostra giovanile (publicado en el Corriere d’Italia en junio de 1927). Junto con Cavalli y Corrado Cagli, expuso en la Galleria il Milione de Milán en febrero de 1933, y en la Galerie Bonjean de París en diciembre del mismo año. Durante estos años, Capogrossi había desarrollado un estilo pictórico centrado en la figuración y el tonalismo. De esta época son Il vestibolo, presentado en 1933 en París, Piena sul Tevere (1934). Las cosas empezaron a cambiar en los años cuarenta: la posguerra fue para el artista una época de intensa reflexión. En particular, 1946 fue el año de su primera exposición individual en Roma, en la Galleria San Marco.

De ese mismo año data un viaje a Cerdeña que pareció iluminarle. El paisaje sardo, con sus colores y sus luces, le hizo apreciar la naturaleza en su contexto primordial. Aquí se desarrolló un importante nudo de su concepción artística, fue un momento en el que comenzó una nueva contemplación delsigno arquetípico y una nueva consideración del color. Abandona así el lenguaje pictórico que le había caracterizado en los años treinta: no se sabe mucho de los lienzos figurativos que le dieron cierta notoriedad. De hecho, en el momento de su eclosión artística, en los años cincuenta, Capogrossi fue en busca de sus cuadros todavía figurativos con la intención de destruirlos. También es probable que las obras de los años veinte estuvieran aún en su poder, por lo que le resultó aún más fácil deshacerse de ellas.

Tras su decisivo rechazo de la figuración, Capogrossi se orientó hacia una reconstrucción neocubista de la imagen. El momento neocubista fue breve, pero sirvió de puente de transición hacia la abstracción. El periodo terminó en 1949: Superficie 022 (1949) es una de sus primeras pinturas abstractas. Su primera exposición no figurativa tuvo lugar en 1950, en la Galleria il Secolo de Roma: allí expuso lienzos que presentaban su nuevo modo pictórico, compuesto por signos reiterados y títulos idénticos. De hecho, el pintor romano empezó a llamar Superfici a todas sus obras, puntualmente numeradas.

Entre 1950 y 1951, participó en una breve experiencia, la de fundar el grupo Origine junto con los pintores Mario Ballocco, Alberto Burri y Ettore Colla. Los cuatro redactaron un breve manifiesto en el que afirmaban que “querían liberar la investigación artística de las numerosas superestructuras” para expresar en el origen “la emoción de la vida en el misterio de su despliegue”. El grupo organizó la “Exposición colectiva Origine” en la Galería Origine de Roma, pero pronto se disolvió, durando sólo un año. Tras este breve paréntesis, Capogrossi siguió cosechando éxitos y expuso en importantes muestras de arte tanto en Europa como en América. En 1951 ya había alcanzado notoriedad: colaboraba regularmente con las galerías Il Cavallino de Venecia e Il Naviglio de Milán. A partir de aquí sus obras empezaron a difundirse y también se vendieron en el extranjero. Ya en 1951 expuso regularmente en varias exposiciones colectivas en París, y después en Londres y Estocolmo. En los años siguientes trabajó mucho en América: destacan dos exposiciones individuales en la Galería Leo Castelli de Nueva York y en la Galería Sistina de São Paulo (ambas en 1958).

Giuseppe Capogrossi también tuvo contacto con las artes decorativas, dedicándose a la producción de cerámica esmaltada e incluso prestando sus diseños para tapices. Estas producciones no dejaban de ser nuevas ideas para continuar su signo rítmico y dentado, demostrando la inagotable voluntad de exploración e investigación del pintor. El artista llegó a ser tan reconocido y consagrado que en 1968 Palma Bucarelli, director de la Galería Nacional de Arte Moderno de Roma, dedicó una sala entera a sus obras. Y fue también en la capital italiana donde Capogrossi murió el 9 de octubre de 1972. Ese mismo año, los herederos del pintor (su hija Olga y su nieto Guglielmo) empezaron a recopilar material documental sobre su obra. Se creó en Roma elArchivo Capogrossi, con el objetivo de proteger y promover el estudio del artista y su producción.

Obras y estilo de Giuseppe Capogrossi, del paisaje al signo

Por su tratamiento del tema, su consideración del color, del signo y del gesto, Giuseppe Capogrossi está considerado como uno de los principales exponentesdel informalismo italiano.

Su actividad artística temprana fue figurativa y tonal. Capogrossi se alejó del paisaje: en 1927 realizó Casa en demolición, obra que revela un rápido estudio pictórico, atento a la experiencia impresionista que estudió en sus frecuentes viajes a París. Aquí trató de hundir las atmósferas en una especie de bruma pardo-grisácea, de tonos apagados y agradables, animados aquí y allá por tímidas iluminaciones.

Los primeros Capogrossi utilizaban pinceladas rápidas pero seguras, destinadas a modelar las formas. En este panel, se percibe una confianza que el pintor depositaba en el poder del color, al que dejaba toda la representación. Sólo permitía que la materia pictórica sugiriera objetos, como en el caso del vehículo de la derecha, o en la escalera que desciende hacia el río. Casa en demolición es un óleo sobre tabla, al igual que Autorretrato con Emanuele Cavalli, pintado el mismo año. El artista se pintó a sí mismo junto a su amigo, ambos mirando al espectador con una mirada fija, silenciosa pero elocuente: esta obra también se caracteriza por un tono cálido, la paleta juega con tierras y ocres.

La mitad de los años treinta se caracteriza por un realismo en la definición de la escena y un elemento de misterio. Una quietud de las figuras que recuerda a Piero della Francesca. Vestíbulo, óleo sobre lienzo de 1932, presenta una habitación cerrada en la que se encuentran varios individuos desnudos. La figura masculina revelael interés de Capogrossi por la pintura de Picasso (véase, por ejemplo, Dos jóvenes de Pablo Picasso, cuyos andares recuerda). De nuevo, el uso del color es central en Capogrossi en esta época, a la que confía la creación de las formas y el manejo de la profundidad espacial. En La tormenta, 1933, la figuración se construye sobre una memoria arcaica. Los personajes están cristalizados en su gesto, no se comunican sino que permanecen a caballo entre lo físico y lo metafísico. Lleno sobre el Tíber, de 1934, es un cuadro en el que los camarotes crean una barrera visual y presentan un momento de suspensión, animado únicamente por las figuras de la izquierda.

Durante la década de 1940, el interés de Capogrossi por la figuración se disolvió. Su visión artística empezó a ser más polifacética y sus continuos contactos con el ambiente parisino le condujeron a la lección neocubista. En 1948 realiza Las dos guitarras: en esta obra hay más dibujo, las líneas son más bien nítidas y decididas. El color sigue siendo el protagonista, pero deja más espacio a una clara división de las formas que se vuelven cuadradas. Aquí el pintor inició una búsqueda de elementos geométricos que le llevó más tarde a una simplificación cada vez mayor de la escena. Fruto de esta exploración fue un resultado como Superficie 022 (1949): formas puras y signos abstractos puros se apilan sobre el fondo blanco en el par blanco-negro absoluto. Capogrossi se concentra en una sola forma, unarquetipo que reitera ordenadamente; el ritmo lo marca aquí ese único signo-clave en negro, que se repite en filas ordenadas, variando gradualmente su estructura, sin abandonar nunca su principio de signo. Con este cuadro de 1949, Capogrossi perdió todo contacto con el realismo y tomó el caminodel abstraccionismo.

En Argan (1967) se lee: “Estos primeros cuadros no son tanto obras como ’investigaciones del signo’”. Superficie 022 se expuso por primera vez en 1950 en la Galleria Nazionale d’Arte Moderna de Roma, donde aún se conserva. Fue la primera exposición individual de obras abstractas de Giuseppe Capogrossi. A partir de entonces, su producción se basó esencialmente en la repetición rítmica de signos elementales. Formas de peine, tridente y horquilla: todos ellos arquetipos bidimensionales repropuestos en numerosas variantes, cada vez reorganizados en nuevas soluciones combinatorias y cromáticas. La dirección del ritmo de los signos podía ser horizontal, vertical o diagonal, pero, en adelante, Capogrossi siempre los titulaba Superficie, flanqueados por un número progresivo. La superficie del lienzo se convirtió, en la mente del pintor, en una especie de grado cero, un campo ideal donde los elementos podían ordenarse e intersecarse para crear cada vez una relación rítmica original.

Superficie 596 es de 1950: el signo es casi primordial, repetido y apilado para formar filas paralelas en una gestión muy libre del espacio. Superficie 608, ejecutada al año siguiente, es ya una obra diferente de la anterior, de un año antes. Los signos, ejecutados en temple negro, pueden diferir, se modulan, pero el origen arquetípico es siempre básico. La pintura se sitúa como un agente, algo que activa el dinamismo espacial. El espacio, a su vez, es generado instante a instante por los ojos del espectador, que participa en el movimiento leyendo y recorriendo la escansión rítmica propuesta por los sólidos y los vacíos, ambos necesarios. Los intervalos, en este papel extendido sobre lienzo, son importantes porque contribuyen al ritmo con la misma importancia que una pausa en una pieza musical. En 1956, Capogrossi creó Superficie 154: sobre un fondo claro, se disponen pequeñas marcas negras en hileras. Luego se repiten, en tamaños más grandes, en el primer plano. La clásica elección bicromática de blanco y negro se anima con inserciones rojas y naranjas. La composición devuelve un sabor arcaico, intemporal por la originalidad de la propuesta, que orbita siempre en torno a ese elemento primordial, situándolo como parte de un alfabeto fundamental, arquetípico e imaginario.

De la experiencia que Capogrossi desarrolló en el campo de las artes aplicadas, queda un tapiz, Astratto, hoy propiedad de la Galleria Nazionale d’Arte Moderna. Diseñado en 1963 para la Turbonave Michelangelo, Capogrossi también prestó su visión de los signos al arte más importante del tejido.

Dónde ver las obras de Giuseppe Capogrossi en los museos

En Italia, muchas de las obras de Giuseppe Capogrossi se encuentran actualmente en colecciones privadas. En la Galería Nacional de Arte Moderno de Roma se conservan varias obras del pintor, como Superficie 018 (1948), Superficie 022 (1949) y también Superficie 335 (1959). También se conserva aquí el tapiz Astratto (1963), así como uno de sus cuadros todavía figurativos, Il temporale (1933). En Turín, en la Galleria Civica di Arte Moderna e Contemporanea, se encuentran Superficies 89, 102,141 y 213, todas realizadas a principios de los años cincuenta.

La Superficie 154 (1956), mencionada anteriormente, se encuentra en Milán, propiedad de la Colección Banca Intesa. En Venecia, Superficie 236, óleo sobre lienzo de 1957, se expone en el Peggy Guggenheim. En el Mart de Rovereto se expone Superficie 678 (Cartago), óleo sobre papel aplicado sobre lienzo de 1953.

En el extranjero, dos obras de 1953, presentadas bajo el título Composición y Sección 4, se encuentran en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. También en Nueva York, las obras Superficie 210 (1957) y Superficie 236 (1957) se conservan en el Solomon Guggenheim Museum.

Giuseppe Capogrossi, vida, obra y estilo del rotulista

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