Giorgio Vasari: vida, obras, importancia historiográfica

Cualquiera que estudie historia del arte se topará con él tarde o temprano: Giorgio Vasari (Arezzo, 1511 - Florencia, 1574), como autor de las Vidas, un tratado que recoge las biografías de muchos artistas importantes desde la Edad Media hasta la época del artista de Arezzo, y por tanto hasta principios del siglo XVI, es una fuente indispensable para estudiar la historia del arte desde el siglo XIII hasta el XVI. Vasari fue, sin embargo, un genio polifacético: no sólo fue un importante escritor sobre arte, sino que también fue arquitecto (a él se debe la construcción de los Uffizi de Florencia), así como uno de los más grandes y prolíficos pintores de su época.

Vasari fue uno de los artistas más cotizados de su tiempo, en una época en la que las rivalidades estaban a la orden del día, y en la segunda edición de sus Vidas (de 1568), en la que se reserva mucho espacio a los artistas contemporáneos, el artista de Arezzo no duda en reservar palabras muy duras para sus colegas: Por ejemplo, de Baccio Bandinelli, uno de los rivales más acérrimos de Giorgio Vasari, escribió que era “muy grosero de palabras”, que “decir siempre cosas malas y echar la culpa de las cosas de los demás era una causa que nadie podía sufrir”, que “discutía de todo alegremente”. Sobre Benvenuto Cellini, al tiempo que apreciaba varias de sus obras, Vasari hizo una operación de descrédito muy sutil: Cellini era un gran admirador de Miguel Ángel Buonarroti (en su autobiografía lo llama el “divinissimo Micheagnolo”, y afirma que siempre había estudiado su manera, sin haberse desviado nunca de ella), y Vasari, en sus Vidas, nunca compara a Cellini con Miguel Ángel, ya que, para Vasari, Cellini no habría sido digno de comparación con Miguel Ángel. Las relaciones entre ambos eran muy tensas; Cellini, por ejemplo, en una de sus letras apostrofaba a Vasari llamándole “impío botolo”. Sin embargo, Vasari también tuvo varios amigos, entre ellos Bartolomeo Ammannati, Bastiano da Sangallo y Benvenuto Garofalo, y también fue artista de la corte de los Médicis durante mucho tiempo.

Gran arquitecto y pintor manierista no menos importante, Vasari también contribuyó a la difusión del estilo toscano en el Véneto, sirviendo de inspiración a grandes artistas venecianos (Tintoretto sobre todo). Vasari también tuvo un taller en el que se formaron importantes artistas como Giovanni Stradano (nombre italianizado del pintor flamenco Jan van der Straet), Jacopo Zucchi y Francesco Morandini, conocido como Poppi. En definitiva, un gran protagonista de la Toscana del siglo XVI.

Jacopo Zucchi (atribuido), Retrato de Giorgio Vasari (1571-1574; óleo sobre tabla, 100,5 x 80 cm; Florencia, Galería de los Uffizi)

Biografía de Giorgio Vasari

Giorgio Vasari nació en Arezzo el 30 de julio de 1511. Se formó en su ciudad natal estudiando con Guillaume de Marcillat, artista francés activo en Arezzo y especializado en obras de vidrio. En 1524 se trasladó, muy joven, a Florencia (por consejo del cardenal Silvio Passerini de Cortona, tutor de Ippolito y Alessandro de’ Medici), donde estudió con Andrea del Sarto. Poco después, en 1531, viajó con Francesco Salviati a Roma para estudiar las obras de la Antigüedad clásica. Su primera obra conocida data de 1532, el Entierro de Cristo conservado en Arezzo, en la Casa Vasari (su residencia hoy convertida en museo, que puede visitarse), un cuadro encargado por los Médicis.

Por tanto, el artista ya estaba bien establecido en el círculo de los Médicis, hasta el punto de que en 1534, con sólo veintitrés años, pintó el retrato del duque de Florencia, Alessandro de’ Médicis. En octubre de 1540, el importante banquero Bindo Altoviti le encargó el que quizá sea su cuadro más conocido, laInmaculada Concepción, del que se conserva en los Uffizi una réplica autógrafa en dimensiones reducidas, para uso privado (la obra fue, sin embargo, replicada de diversas formas debido a su gran fortuna). En 1541, Vasari se trasladó a Venecia invitado por su amigo y conciudadano Pietro A retino(lea aquí más sobre la importancia de Pietro Aretino para las artes). En Venecia, además de realizar los decorados de la “Talanta” de Pietro Aretino, Vasari ejecutó las decoraciones del Palazzo Corner-Spinelli. En 1542, el artista regresó a Arezzo, donde comenzó a pintar al fresco las habitaciones de su casa: la obra se terminó en 1548. Entretanto, en 1546, se había trasladado a Roma para trabajar para el cardenal Alessandro Farnesio, para quien realizó los frescos del salón del palacio de la Cancillería, con escenas que celebran el pontificado de Pablo III Farnesio. El salón también se conoce como el “salón de los cien días” porque Giorgio Vasari se jactaba de haberlo terminado en exactamente cien días (se dice que Miguel Ángel, al enterarse de que el salón había sido pintado al fresco en ese tiempo, respondió sarcásticamente “se nota”).

En 1550, en la editorial Torrentini, Vasari publicó su primera edición de Vidas de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos, uno de los textos fundamentales de toda la historia del arte. Al año siguiente regresó a Roma, donde, hasta 1554, trabajó con Bartolomeo Ammannati, su gran amigo y contemporáneo, en Villa Giulia. Y en 1554, Vasari regresó a Florencia al servicio de Cosme I, quien le confió la construcción del Palacio de los Uffizi, la gran obra maestra de Giorgio Vasari en el campo de la arquitectura. El palacio debía albergar oficinas administrativas (de ahí su nombre). Las obras comenzaron en 1560 y finalizaron en 1580, tras la muerte de Giorgio. Mientras tanto, en 1562, el artista comenzó a ejecutar el famoso y gran ciclo de frescos del Salone dei Cinquecento en el Palazzo Vecchio, celebrando las hazañas de Cosimo I de’ Medici, que se convertiría en Gran Duque de Toscana en 1569. La obra se terminó en 1565. En 1568, Vasari publicó la segunda edición de las Vidas con el editor Giunti, ampliándola con biografías de artistas contemporáneos y su propia autobiografía. Entre 1570 y 1572 pintó Perseo y Andrómeda para Francisco I de Médicis, y en 1572 recibió el encargo de pintar los frescos que decorarían el interior de la cúpula de Brunelleschi del Duomo de Santa María del Fiore de Florencia(lea más sobre la historia y la importancia de la cúpula de Brunelleschi aquí). Sin embargo, debido a su muerte dos años más tarde, Vasari no pudo completar la obra, por lo que el encargo pasó a manos de Federico Zuccari. El artista murió en Florencia el 27 de junio de 1574.

Giorgio Vasari, Deposición (1532; óleo sobre tabla, 144 x 113 cm; Arezzo, Casa Vasari)

Giorgio Vasari, Retrato de Alessandro de’ Medici (1534; óleo sobre tabla, 157 x 114 cm; Florencia, Galería de los Uffizi)

Giorgio Vasari, Inmaculada Concepción (1541; temple sobre tabla; Florencia, Santi Apostoli). Ph. Francesco Bini

Salón del Cinquecento. Ph. Crédito Targetti Sankey

Las principales obras de arte de Giorgio Vasari

La obra más antigua que se conserva de Giorgio Vasari es el Entierro de Cristo, conservado en la Casa Vasari de Arezzo, un trabajo encargado por los Medici en 1532. El propio Vasari lo describe en su vida como “un Cristo muerto llevado por Niccodemo Gioseffo y otros al entierro y detrás de las Marías llorosas”. La obra es importante porque da al observador una idea clara del principal pintor en el que se inspiró Giorgio Vasari, de 21 años, para el cuadro y, en general, en quién se inspiró en este periodo, a saber, Rosso Fiorentino (en particular, este cuadro es fuertemente deudor de la Deposición de Rosso en la iglesia de San Lorenzo en Sansepolcro, Toscana: la obra de Rosso data de 1528 y Vasari retoma el escenario). Rosso también inspiró la Deposición en la iglesia de la Santissima Annunziata de Arezzo, que los estudiosos datan hacia 1536-37, donde Vasari retoma el esquema de la famosa Deposición de Rosso en la Pinacoteca Civica de Volterra, con la altísima cruz en el centro, las dos escaleras apoyadas muy precariamente en los brazos de la cruz y las figuras trepando aún más precariamente para depositar el cuerpo de Jesús. En cambio, su obra quizá más conocida data de 1541, laInmaculada Concepción, comenzada en octubre de 1540 por encargo del banquero florentino Bindo Altoviti, que pretendía reservarla para la capilla familiar de la iglesia de los Santi Apostoli (hoy se conserva en los Uffizi una valiosa réplica autógrafa de tamaño reducido, destinada a la devoción privada). Se trata de una compleja alegoría de la Inmaculada Concepción: la Virgen, de acuerdo con la tradición iconográfica habitual derivada de un pasaje del Apocalipsis de San Juan, está representada junto a la luna, y también tiene un pie encima de la cabeza del diablo, en señal de victoria. El diablo está representado en forma de un ser mitad hombre, mitad serpiente, con alas, y se enrosca alrededor del árbol del conocimiento, a cuyos pies están representados los dos primeros pecadores, Adán y Eva, desnudos, y en las ramas de los árboles una serie de reyes y profetas, Abraham, Isaac, Moisés, David, etc., lo que significa que todos ellos derivan de los dos primeros pecadores. Estilísticamente, se trata de una pintura plenamente manierista: el dinamismo y el vigor de algunos de los personajes se inspiran en Miguel Ángel, mientras que el colorismo y el gusto por las poses contorsionadas derivan de un estudio de las obras de Rosso Fiorentino.

Fundamental para Vasari fue entonces su viaje a Venecia, donde fue invitado por su conciudadano, el hombre de letras Pietro Aretino, ya que éste debía realizar el aparato escénico de una de sus comedias, y según admite el propio Vasari fue para él una importante oportunidad de ver en persona las obras de Tiziano. Pero eso no fue todo: de camino, el artista se detuvo en Parma y Mantua, donde conoció las obras de Correggio y Giulio Romano, autores en los que Vasari se inspiró aún más para enriquecer su manera de hacer. La estancia de Vasari en Venecia, adonde llegó en diciembre de 1541, duró menos de un año, pero le bastó para realizar algunas obras importantes, como las decoraciones del palacio Corner-Spinelli, que embellecían el techo de una de las salas del palacio y que hoy se encuentran dispersas en diversas colecciones, pero en Venecia se han quedado las alegorías de la Paciencia y la Justicia, que se encuentran en las Gallerie dell’Accademia, a las que se ha añadido la alegoría de la Esperanza, recientemente redescubierta.

De gran importancia para comprender la carrera artística de Giorgio Vasari son los frescos del Palazzo Vecchio: en efecto, el artista recibió el encargo de realizar pinturas en los Cuartos de los Elementos, los Cuartos de León X, el Salone dei Cinquecento y el studiolo de Francesco I. Los más importantes son los frescos del Salone dei Cinquecento, realizados entre 1562 y 1565. El Salone debe su nombre al Consejo de los Quinientos, un órgano político similar al Maggior Consiglio de Venecia, que existía en la época de Savonarola: el Salone había sido encargado por el propio Savonarola para albergar las reuniones del Consejo, tras lo cual se convirtió en salón de recepciones y lugar de representaciones teatrales a la vuelta de los Medici. Vasari lo decoró con escenas de batallas en las que los florentinos derrotaron a sus enemigos, en particular a los sieneses y a los pisanos. En las paredes, las escenas representadas por Vasari narran, por tanto, algunas importantes hazañas de los Médicis: la conquista de Siena, la conquista de Porto Ercole, la batalla de Marciano della Chiana, la batalla de San Vincenzo, el asedio de Livorno y el asedio de Pisa. Las batallas contra Siena fueron, además, acontecimientos muy recientes: la República de Siena se rindió finalmente a Florencia en 1559. Se trata de un aparato muy escénico: son frescos grandes, grandiosos y festivos, que constituyeron una de las empresas más exigentes de Giorgio Vasari. Es, además, una obra plenamente manierista. Es un manierismo que hunde sus raíces en Miguel Ángel, Pontormo y Rosso Fiorentino: vemos escenas muy abarrotadas, que en ciertos pasajes parecen casi antinaturales (los propios colores parecen cualquier cosa menos realistas: son los colores evanescentes típicos del primer manierismo toscano), encontramos dinamismo, gusto por las poses extrañas, encontramos el vigor de las figuras de Miguel Ángel, las ropas muy ajustadas que dejan ver los músculos de los personajes, también típicas del manierismo. Es, en definitiva, la obra más teatral y más escénica de Vasari.

En pintura, Vasari propone un manierismo muy suntuoso que toma como modelo, por un lado, el vigor de Miguel Ángel que retorna en muchas de sus obras, y por otro a los dos primeros grandes manieristas florentinos, Pontormo y Rosso Fiorentino, con los que comparte a veces el gusto por lo estrambótico, retomando también algunos de sus esquemas compositivos y diferentes soluciones cromáticas. Es un estilo capaz de alcanzar cotas fuertemente retóricas y magnilocuentes: los cuadros parecen casi oraciones traducidas a la pintura (esto ocurre sobre todo en el caso de las obras de celebración y los encargos públicos), con soluciones escenográficas casi destinadas a suscitar el asombro. El gusto por lo extravagante queda ejemplificado en otra obra famosa, Perseo y Andrómeda: pintura tardía, fue ejecutada entre 1570 y 1572 por encargo del gran duque Francesco I para su studiolo en el Palazzo Vecchio, donde aún se conserva. La obra narra el mito de Perseo y Andrómeda: según la historia, el dios del mar, Neptuno, quería castigar a la madre de Andrómeda, que presumía de su hija afirmando que era más bella que las Nereidas, las ninfas del mar. El dios vengativo raptó a Andrómeda y la ató desnuda a una roca, donde fue amenazada por un monstruo marino: más tarde sería liberada por el héroe Perseo. Se trata de un cuadro muy peculiar por el gusto por lo bizarro que aún se aprecia en varios detalles, por el sutil erotismo que impregna la composición (lo notamos sobre todo en las figuras de las dos ninfas abrazadas a la izquierda), y por el cuidado con que Vasari describe los detalles, que distraen un poco la atención del episodio principal.

Giorgio Vasari, Alegoría de la esperanza (1542; óleo sobre tabla, 178,4 x 79,4 cm; Venecia, Gallerie dell’Accademia)

Giorgio Vasari, Inmaculada Concepción (1541; temple sobre tabla, 58 x 40 cm; Florencia, Galería de los Uffizi)

Giorgio Vasari, Batalla de Marciano della Chiana (1563-1565; fresco; Florencia, Palazzo Vecchio, Salone dei Cinquecento)

Giorgio Vasari, Perseo y Andrómeda (1570-1572; óleo sobre pizarra, 117 x 100 cm; Florencia, Palazzo Vecchio)

Las Vidas de Giorgio Vasari y su importancia historiográfica

Las Vidas constituyen una de las piedras angulares de la literatura histórico-artística. Se publicaron en dos ediciones, una en 1550 (del editor Torrentini, de ahí que la primera edición se conozca como “torrentiniana”) y otra, ampliada, en 1568 (del editor Giunti, de ahí que la edición se conozca como “giuntina”). Las Vidas son una obra fundamental por varias razones: la primera es la de haber reunido sistemáticamente una colección de biografías de todos aquellos autores, desde Cimabue hasta sus contemporáneos, a los que Vasari consideraba dignos (“excelentísimos”, por utilizar el término que él empleaba), lo que determinó la fortuna crítica (o, viceversa, la desgracia crítica) de muchos autores. Las Vidas también son importantes porque con su obra Vasari contribuyó en parte a la formación de una visión precisa de la historia del arte, según la cual Cimabue y Giotto fueron los artífices del renacimiento de las artes tras los siglos de decadencia del arte antiguo, y según la cual el arte alcanzó su mayor plenitud en Miguel Ángel Buonarroti (por otra parte, el único artista contemporáneo mencionado en la edición de Torrentini).

Además, la obra de Vasari es útil para encontrar referencias a obras de arte perdidas y así reconstruir mejor la trayectoria artística y estilística de un pintor o escultor. Además, las Vidas son uno de los textos en los que se basa el concepto de "manierismo“, ya que es el propio Giorgio Vasari quien habla de ”manera“ en referencia al estilo de los artistas. Según Vasari, la ”manera moderna" fue iniciada por Leonardo da Vinci, y encontró su máxima expresión en Rafael Sanzio y Miguel Ángel. Según Vasari, la “manera moderna” también se denomina “tercera manera”, para distinguirla de la “primera” (la de Cimabue y Giotto), y de la segunda (que según nuestra visión actual coincide con el Renacimiento temprano). Y si Vasari consideraba que la primera manera era inferior a la segunda, la tercera, a su vez, superaba a la segunda, erigiéndose en modelo a imitar.

Las monumentales Vidas de Giorgio Vasari siguen siendo una referencia válida para el estudio del arte, a pesar de sus limitaciones: el autor comete errores con frecuencia, demuestra un marcado gusto por las anécdotas y a menudo relata episodios curiosos sobre artistas acerca de cuya veracidad no podemos tener ninguna confirmación. Además, Vasari recurre con frecuencia a la hipérbole, utiliza una narrativa muy viva, como viva es su expresividad también desde el punto de vista lingüístico, y a menudo se entretiene en descripciones de aspectos marginales relacionados con los artistas. Además, Vasari es muy parcial, ya que consideraba que la escuela toscana era la mejor y veía en Florencia el centro hegemónico de las artes.

Giorgio Vasari: vida, obras, importancia historiográfica

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