Georges Braque, vida, obra y estilo del gran pintor cubista

Georges Braque (Argenteuil, 1882 - París, 1963), gran pintor y escultor francés, está considerado, junto con Pablo Picasso, el progenitor del cubismo. Braque y Picasso se conocieron en 1907, y al frecuentar al artista cubista Braque asimiló muchas nociones, por ejemplo, profundizó en elarte primitivo africano, y dominó las distintas fases del cubismo, pasando de los colores vivos y el estilo fauve de sus primeras obras a la simplificación de la naturaleza en formas, colores y líneas.

Fue un pintor muy prolífico y probó suerte con diversos experimentos, llegando incluso a hacer collages durante un tiempo. A menudo las obras cubistas, sobre todo las analíticas, requerían un esfuerzo muy exigente por parte del observador para comprender el verdadero tema representado, que a menudo sólo se desvela leyendo el título de la obra para imaginar con mayor precisión la imagen de origen.

La Primera Guerra Mundial afectó a su relación con Picasso y, a su regreso del frente, Braque se instaló de nuevo en Normandía, donde se dedicó a pintar paisajes y retomó la pintura figurativa.

La vida de Georges Braque

Georges Braque nació en Argenteuil el 13 de mayo de 1882, hijo de Charles Braque (pintor y decorador) y Augustine Johannet, pero pasó su infancia y juventud en Le Havre, Normandía. Comenzó aquí sus estudios artísticos, asistiendo a la Escuela Vespertina de Bellas Artes de 1897 a 1899, tras lo cual se trasladó a París. Comenzó un aprendizaje como aprendiz de un maestro decorador, y obtuvo el título en 1901. En 1902 se matriculó en la Académie Humbert, donde estudió hasta 1904 y conoció al artista vanguardista Francis Picabia entre sus compañeros de estudios. Prosigue su formación en la École des Beaux-Arts de París y comienza a realizar obras figurativas afines a los modos de los fauves y de Henri Matisse.

El año que marcó un punto de inflexión para Braque fue 1907, cuando visitó una retrospectiva de Paul Cézanne en el Salón de Otoño. El Salón en cuestión era una exposición que contrastaba no sólo con el Salón clásico del Louvre, sino también con todos los demás Salones conocidos hasta la fecha, por ejemplo el Salón de los Independientes, por su voluntad específica de acoger a las vanguardias consideradas “antiacadémicas”. Fue aquí donde los Fauves expusieron sus obras por primera vez en 1905. La visita de Braque a la retrospectiva dedicada a Cézanne fue un momento que condicionaría todo el arte francés del 1900, ya que en esta ocasión Braque conoció a Pablo Picasso. Fue aquí donde se sentaron las bases para el nacimiento del Cubismo.

Picasso trabajaba entonces en Les demoiselles d’Avignon, estudiando mucho del llamado arte africano “primitivo”. Braque, fascinado por este arte, empieza a profundizar en él y a trabajar cada vez más a menudo con Picasso. La amistad personal y artística que surgió entre los dos artistas dio lugar a nuevas elaboraciones del cubismo y a experimentos que duraron hasta 1914, cuando la relación se paralizó al ser llamado Braque a filas para luchar en la Primera Guerra Mundial. Durante el conflicto fue herido y pasó su convalecencia volviendo a vivir a Normandía, retomando la pintura con plena autonomía, virando de nuevo hacia el figurativismo. En 1958 recibió el Premio Internacional Feltrinelli de las Artes, concedido por la Accademia dei Lincei. Georges Braque murió en París el 31 de agosto de 1963 y fue enterrado en el cementerio marino de Varengeville-sur-Mer, en Normandía, llamado así por estar situado frente al mar.

La obra y el estilo de Georges Braque

Braque fue un pintor bastante prolífico y polifacético, que a menudo producía diferentes versiones de un mismo tema. En su arte se pueden reconocer varias fases, desde el fauve hasta el cubismo formativo, pasando por el cubismo analítico y, finalmente, de vuelta al figurativismo. Cuando Braque conoció a Picasso en 1907, su pintura estaba fascinada por los fauves y, por tanto, por las audaces yuxtaposiciones de colores vivos que anticipaban el expresionismo. El periodo fauve duró un par de años y se caracterizó por paisajes realizados de forma geométrica, como muestra el cuadro El olivo (1906), en el que las formas son suaves y rellenas no por contornos, sino por colores vivos que no se ciñen a la realidad. En la misma línea está El puerto de La Chotat (1907). En realidad, Braque había visitado esta ciudad en una serie de viajes cortos que realizó con su amigo Othon Friesz, también pintor fauvista, entre 1906 y 1907. Los dos artistas visitaron Amberes (Bélgica), l’Estaque en dos ocasiones y, por último, la propia Chotat a finales de la primavera de 1907, dedicándose a intensas sesiones de pintura durante las cuales Braque pudo asimilar todos los elementos del estilo de los fauves.

El puerto es, en efecto, un tema típico de estas sesiones de pintura, y en este caso concreto retrata una pequeña ciudad con un pequeño puerto (visible en la parte inferior del cuadro) dominado por el llamado dique seco, una estructura destinada a la reparación de grandes barcos fuera del agua, y de hecho en la parte inferior de la obra se pueden ver precisamente dos grandes barcos, que contrastan con las pequeñas embarcaciones ancladas en primer plano. En este cuadro, como en los demás de la época, el tono dorado que caracterizaba la obra de Braque se acentúa precisamente en virtud del tiempo pasado en la cálida luz del sur de Francia.

En la misma época, Braque pinta varios paisajes de L’Estaque (1908), localidad del golfo de Marsella, dedicándose al “cubismo formativo”, o “protocubismo”, fase de la corriente artística en la que las formas se reducen geométricamente a volúmenes puros. Se privilegian las naturalezas muertas, las figuras y los paisajes, como en el caso de la obra que nos ocupa. El paisaje de colinas de L’Estaque está representado mediante la reducción de los elementos naturales a geometrías muy simplificadas, como círculos, líneas, curvas, siempre con colores muy vivos (a diferencia de otros cuadros protocubistas, en los que los colores tendían a ser monocromáticos en la gama de los marrones), recordando así su predilección por el fauvismo.

Braque envió siete cuadros fechados en este periodo al Salón de Otoño de 1908, pero cinco de ellos fueron rechazados. El poeta francés Apollinaire relató que fue en esta ocasión cuando nació oficialmente el término “cubismo”, derivado de una frase que Henri Matisse, miembro del jurado del Salón en cuestión, pronunció de forma despectiva para describir las obras que contemplaba. Más tarde, el pintor Louis Vauxelles volvió a hablar de “cuadros hechos de cubos” en relación con algunas obras de Paul Cézanne, y Braque quedó impresionado por el término y empezó a definir oficialmente sus cuadros y los de Picasso como obras “cubistas”.

La exploración de Braque delarte primitivo, desencadenada por su asociación con Picasso, le llevó primero a escatimar los colores para concentrarse en el verde y el marrón, y después a reforzar el uso de volúmenes geométricos, tratando de recrear el espacio sin recurrir a la perspectiva ni al claroscuro. Por ejemplo, en la obra Grande nudo (Gran desnudo) de 1908, los volúmenes del cuerpo se representan con pinceladas rápidas y anchas y se definen mediante líneas de contorno muy gruesas. En sus paisajes y naturalezas muertas, Braque también utiliza los mismos principios de delineación de volúmenes que en el Gran desnudo . Poco después, sin embargo, él y Picasso alcanzaron una nueva fase de la pintura cubista a partir de 1909, que dio lugar al “Cubismo analítico”, caracterizado por la consecución de la descomposición geométrica y cromática de la escena mediante la identificación de formas primarias y colores puros elegidos con un método analítico-inductivo, por el que se pide al observador que realice un esfuerzo intelectual para observar el cuadro y reconstruir el tema sin utilizar los simples mecanismos de la vista. Otro rasgo típico del Cubismo analítico es la unión de planos de perspectiva en la única superficie del cuadro, como se observa en Violon et Palette (1909) y La Mandola (1910), dos cuadros en los que también está presente la predilección de Braque por los instrumentos musicales, de los que se rodeaba y a menudo retrataba, logrando sugerir la vibración que producen al tocarlos.

Los experimentos con los volúmenes, sin embargo, condujeron a resultados muy complejos, y las obras de Braque fechadas entre 1909 y 1911 son difícilmente descifrables para el ojo externo. A partir de 1911, pues, empezó a introducir letras y números en sus obras para que el espectador pudiera tener referencias reconocibles, como ocurre en Le Portugais (1911). Al año siguiente comienza también a dominar la técnica del collage, que utiliza con la intención de describir un objeto disociando formas y colores, como ocurre en Mujer con guitarra (1913), en la que la superficie pintada se enriquece con la inserción de recortes de periódico, un elemento perecedero y sobre todo pobre, insertado deliberadamente como referencia a la temporalidad del arte.

En Hombre con violín , de 1912, el deseo de Braque de estimular la imaginación del observador de manera que le lleve a advertir aspectos de la realidad que escapan a la primera mirada encuentra su máxima sublimación. Entre otras cosas, esta metodología se alineaba también con los avances de la ciencia y, en particular, del estudio de la física, poniendo de relieve precisamente cómo existen mecanismos y aspectos que no son inmediatamente visibles. Evidentemente, este tipo de análisis toma una dirección no objetiva en la pintura de Braque, ya que la intención precisa es representar un ideal estético del tema elegido. Así, no es inmediato poder identificar con precisión todos los elementos del cuadro, por ejemplo, también hay partituras en la parte inferior, sugeridas únicamente por las líneas del pentagrama sin notas.

A su regreso de la Primera Guerra Mundial, Braque comenzó a trabajar de forma independiente, desarrollando un estilo más personal y utilizando de nuevo colores vivos, hasta el punto de reintroducir la figura humana, sobre todo tras su traslado a la costa de Normandía. Se trata de un cubismo definido como “curvilíneo”, que sin embargo siempre estará presente en las distintas “oscilaciones” de Braque en el figurativismo. Entre 1922 y 1929, se acerca a la forma natural de los objetos, para alejarse de nuevo de ella en 1930 y acercarse de nuevo en 1940. De esta época datan las series de Ateliers (1948-1955) y Pájaros (1955-1963), La jarra y el pez (1941) y La mesa de billar (1943). Durante este periodo, realiza también algunas obras decorativas como la escultura de la puerta del tabernáculo de la iglesia de Assy en 1948 o la decoración del techo de la sala etrusca del museo del Louvre de 1952 a 1953.

Dónde ver las obras de Braque

Las obras de Braque son muy numerosas e incluyen varias versiones de un mismo tema, por lo que en la siguiente lista mencionaremos las obras más conocidas y famosas que marcaron una etapa importante de su actividad pictórica. En Francia, país natal del pintor, el mayor núcleo de obras se conserva en el Centro Pompidou de París, el espacio expositivo que presenta la mayoría de las obras de la vanguardia francesa(impresionistas, cubistas, etc.). Entre ellas destacan Naturaleza muerta con violín, 1913, numerosos cuadros ambientados en L’Estaque, el Grand nou (1907) y muchos otros. También se encuentran en el Centro Pompidou L’Olivier en L ’Estaque (1905-06), La jarra (1941) y Los billares (1943) y otras obras. En el Museo del Louvre, en cambio, se encuentra Naturaleza muerta con botella (1910-11).

En otros países europeos, se pueden encontrar obras de Braque en Suiza, como Case all’Estaque (1908), uno de los cuadros más famosos de Braque, que se encuentra en el Museo de Arte de Berna, y también está Hombre con violín (1912), que está en Zúrich en la Fundación E. G. Bührle.G. Bührle de Zúrich; también encontramos obras en Alemania, como El olivo (1907) en el Museo Folkswang de Essen y Le Portugais (1911) en el Kunstmuseum de Basilea; y por último en Praga, donde Violín y clarinete (1912) está en la Galería Nacional junto con otros bodegones.

También hay varias obras en Estados Unidos, como El puerto de La Ciotat (1907), en Nueva Orleans, en el Art Museum, y Violon et Palette (1909), en el Museo Guggenheim de Nueva York. En los dos museos más importantes de Nueva York, el MoMa - Museo de Arte Moderno y el Met - Museo Metropolitano de Arte, se encuentran, entre otras, Hombre con guitarra (1912) en el MoMa, mientras que Mujer llevando una cesta de fruta (1923) y Naturaleza muerta con guitarra sobre un pedestal (1924) en el Met.

También hay numerosas obras de Braque en Italia: en Milán, en el Museo del Novecento, se encuentra Port miou (1907); en Roma, un Bodegón con clarinete, abanico y racimo de uvas en la GNAM - Galleria Nazionale di Arte Moderna y, por último, en Venecia, El clarinete (1912) y Frutero con uvas (1926) en la Colección Peggy Guggenheim.

Georges Braque, vida, obra y estilo del gran pintor cubista

Advertencia: la traducción al inglés del artículo original en italiano fue creada utilizando herramientas automáticas. Nos comprometemos a revisar todos los artículos, pero no garantizamos la total ausencia de imprecisiones en la traducción debido al programa. Puede encontrar el original haciendo clic en el botón ITA. Si encuentra algún error, por favor contáctenos.