Francis Bacon, vida, estilo y obras del atribulado pintor

Francis Bacon (Dublín, 1909 - Madrid, 1992), uno de los más grandes pintores irlandeses de la segunda mitad del siglo XX, es un ejemplo sorprendente de artista cuya historia personal está estrechamente ligada a su obra, ya que utilizó la pintura como medio para expresar sus angustias. A pesar de un temperamento extrovertido dedicado a la diversión y la amistad, Bacon albergaba en su interior sentimientos oscuros y conflictivos, debido a las dificultades que experimentó en su infancia y adolescencia. De hecho, sus cuadros se caracterizan por imágenes deliberadamente inquietantes y perturbadoras, en las que la figura humana aparece distorsionada o representada como antropomorfa, a menudo en el acto de gritar, y se sitúa en estancias desnudas y solitarias.

En los últimos años de su vida, a pesar de numerosos y dolorosos duelos, Bacon tomó conciencia de la necesidad de vivir con más ligereza e introdujo colores más suaves en sus obras, que siguió produciendo hasta muy avanzada edad. Tenía una relación visceral con el arte, que le llevaba a destruir sus propias obras cuando las consideraba indignas o a impedirle ver en directo obras de otros pintores a los que amaba profundamente. Como el Retrato del Papa Inocencio X de Diego Velázquez, cuadro que reelaboró, que es una de las obras por las que sigue siendo más conocido y que no quiso admirar hasta su vejez.

La vida de Francis Bacon

Francis Bacon nació en Dublín el 28 de octubre de 1909. La infancia y juventud de Bacon junto a su familia no fue fácil. Tanto su padre, Anthony Edward Mortimer Bacon, como su madre, Christina Winifred Loxley Firth, procedían de familias bastante acomodadas, y su padre probablemente también estaba emparentado con el filósofo del siglo XVII Francis Bacon (o Francesco Bacone, como se le conoce en Italia). Sin embargo, el padre, veterano de guerra, tenía un carácter bastante irascible y entró en conflicto con su hijo en varias ocasiones. De pequeño, Bacon sufría asma crónica (heredada de su abuelo materno) y a menudo tenía que guardar reposo, por lo que sus actividades sociales y escolares eran limitadas y, a los ojos de su padre, que llevaba un estilo de vida muy activo, esta limitación le hacía parecer débil.

Tras el estallido de la Primera Guerra Mundial, Bacon y su familia se trasladaron de Dublín a Londres y el joven artista comenzó a asistir a clases en la Dean Close School de Cheltenham. En esos años fue consciente de su deseo de convertirse en artista y de que era homosexual. Ambas convicciones se convirtieron en puntos de discordia con su padre, quien, exasperado por las constantes peleas, finalmente ordenó a su hijo que abandonara el hogar en 1926. Bacon recurrió entonces a algunos parientes de su madre para ganarse la vida, y comenzó a trabajar en diversos empleos. Una gran ciudad como Londres le ofreció varias oportunidades de entrar en contacto con círculos artísticos y culturales muy abiertos y variados, pero en Gran Bretaña estaba en vigor una ley que perseguía la homosexualidad como delito, y Bacon vivió esta condición en un eterno equilibrio entre lamarginación que sufría a diario y el orgullo que a menudo mostraba con desenfado.

Al año siguiente, en 1927, se trasladó a París y permaneció allí un año y medio. Visitó varios museos y quedó impresionado por el cuadro La masacre de los inocentes , de Nicolas Poussin, en particular las expresiones de sufrimiento de las figuras representadas permanecieron en su mente. A continuación, una exposición dedicada a Pablo Picasso en la galería Paul Rosenberg le fascinó aún más, y volvió a visitarla una y otra vez, probando cada vez con dibujos y acuarelas de inspiración cubista y madurando finalmente la idea de convertirse en pintor.

A su regreso a Londres en 1928, comenzó a trabajar como diseñador de interiores y gracias a su trabajo pudo ampliar su red de contactos, conociendo, entre otros, a Douglas Cooper, uno de los más renombrados coleccionistas británicos de arte moderno y a Eric Hall, más tarde su amante y protector. Decidió celebrar su primera exposición individual a finales de 1929, en la que expuso pinturas y obras realizadas con trapos y diversos tipos de muebles, consiguiendo vender algunos de los cuadros y obtener algunos encargos. En agosto de 1930 se publicó en la revista The Studio un artículo de dos páginas titulado The 1930 Look in British Decoration en el que se mostraban fotografías de sus obras, entre ellas un espejo redondo, trapos y muebles tubulares de acero y cristal. Pasó algún tiempo en Alemania y regresó a Londres, donde se instaló con Eric Hall en la antigua casa-estudio de John Everett Millais, situada cerca del Victoria and Albert Museum. En este museo, Bacon admiró las obras de John Constable y las fotografías de Eadweard Muybridge.

Con el paso de los años, Bacon asimiló todas las innovaciones que había visto en París y Berlín, y además del cubismo comenzó a adentrarse en el surrealismo. En 1936 envió algunos cuadros a la Exposición Internacional de Surrealismo, pero fueron rechazados por ser demasiado inadecuados para la corriente. Esto le causó una gran decepción, dejó de pintar durante un tiempo y en 1944 llegó a destruir todas sus obras anteriores, salvando sólo una, la famosa Crucifixión. No fue hasta un año después, en 1945, cuando la nueva aparición de Bacon en la Lefevre Gallery de Londres con el tríptico Tres estudios para figuras en la base de la Crucifixión cambió la suerte del éxito del artista y comenzó a ser solicitado por las principales galerías y museos. Estableció una colaboración continua con la Hanover Gallery de Londres, donde celebró numerosas exposiciones individuales.

La consagración también llegó a nivel internacional, representando a Inglaterra en la Bienal de Venecia y participando con sus obras en diversas exposiciones en Europa y Estados Unidos. Sin embargo, el temperamento caprichoso de Bacon le endeudó con la Galería Hannover, produciendo pocas obras y gastando muy por encima de sus posibilidades para mantener su nivel de vida de toda la vida (juego y alcohol, en particular), que compartía con numerosos amigos. Afortunadamente, en 1958 se le presentó una nueva oportunidad con la galería Marlborough Fine Arts, que se ofreció a saldar sus deudas con Hannover y a establecer un nuevo contrato con el artista. Marlborough organizó numerosas exposiciones de éxito, dejando al pintor plena libertad para expresarse. El primer catálogo razonado de las obras del pintor irlandés se recopiló en 1964, e incluía unas doscientas obras realizadas a partir de 1944, lo que suponía una media de menos de un cuadro al mes. Dos episodios personales afectaron profundamente a Bacon como artista: la muerte repentina de su amigo Peter Lacy en 1962 y la de su amante George Dyer en 1971. Ambos sucesos ominosos se produjeron en correspondencia con éxitos internacionales en su carrera, y Bacon reaccionó alterando algunos de los modos de su pintura, por ejemplo utilizando colores más suaves. Siguió trabajando ininterrumpidamente hasta el final. Murió el 28 de abril de 1992, a los ochenta y dos años, en Madrid, adonde había viajado, a causa de una neumonía agravada por su asma crónica.

El estilo y la obra de Francis Bacon

Bacon era un artistaextremadamente cuidadoso con la calidad de su obra, incluso maniático. Analizaba severamente los resultados que producía y llegaba a destruir sus obras cuando eran rechazadas, o cuando consideraba que no estaban a la altura. Este temperamento demostraba una relación visceral que se había creado entre el artista y el medio artístico, que para él era una forma de expresar elexistencialismo que albergaba en su interior debido a la vida nada fácil que llevaba y que en el día a día ocultaba tras su carácter exuberante y su forma de vida muy extrovertida. Pintaba a menudo repitiendo ciertos detalles y soluciones, ya que declaraba que “veía las imágenes en serie”, de modo que cuando realizaba una, visualizaba inmediatamente otra vinculada a ella. De esta convicción proceden detalles recurrentes de su pintura, como la figura humana, presentada con rasgos deformados en el acto de gritar desesperadamente y por ello igualmente alejada del figurativismo y del cubismo; las habitaciones vacías en las que se sitúan los personajes; la predilección por los colores sombríos; el formato díptico o tríptico; las series de los mismos temas repetidos durante mucho tiempo.

Las obras anteriores a los años cuarenta, como ya se ha dicho, fueron destruidas por el propio autor, mientras que su producción posterior es limitada en cantidad, pero siempre de gran calidad. La única obra de la primera fase productiva de Bacon que nos queda es Crucifixión (1933), un óleo en blanco y negro. La figura principal está encerrada en una habitación, detalle reconocible por una línea en la esquina inferior izquierda que representa la unión de la pared con el suelo, y su cuerpo está muy estilizado. Todos los detalles de la escena sólo están insinuados, es decir, la figura está dibujada con los brazos extendidos, simbolizando la crucifixión, pero sin que se vea realmente la cruz representada. Además, parece que el pecho está abierto, recordando la carne de los animales colgados para el sacrificio, como se representaba en algunos bodegones del siglo XVII. El tono general de la obra es surrealista, oscuro y deliberadamente inquietante.

La siguiente obra de Bacon está fechada diez años más tarde, cuando retomó la pintura. Se trata de un tríptico titulado Tres estudios para figuras al pie de una crucifixión (1944), en el que tres figuras antropomorfas están pintadas sobre fondos de color naranja brillante. Las figuras recuerdan mucho a las Furias, o Erinyes, personajes de la tragedia griega Oresteia de Esquilo. Eran las personificaciones de la venganza, en forma de tres hermanas aladas representadas siempre en el acto de gritar terriblemente, sosteniendo antorchas o brasas ardientes para golpear a sus víctimas y con serpientes por cabellera. En cada uno de los lienzos que componen el tríptico, una figura antropomorfa es la protagonista: La figura de la izquierda aparece sentada en una silla, con ropas, hombros y cabeza que recuerdan a una mujer, mientras que todo lo demás se asemeja más a un ave de rapiña; la figura del centro, en cambio, es en realidad un pájaro de cuello largo que descansa en un taburete, inclinado y con el pico abierto; mientras que la última figura se presenta en una pose decididamente antinatural de espaldas, mientras grita. En la tragedia griega, las Furias están directamente relacionadas con los acontecimientos de Agamenón y Clitemnestra, pero Bacon no pretende representar episodios concretos de la narración. Al mismo tiempo, no se ha desvelado el verdadero significado de la obra. Podría tratarse de una reelaboración de Cristo y los Tres Ladrones, o bien de tres figuras que debían estar en la base de un crucifijo, como sugiere el propio título. El tríptico tuvo una acogida triunfal y contribuyó a la reputación de Bacon como uno de los artistas contemporáneos más importantes de la época. El propio Bacon lo reconoció como una de sus obras más maduras.

El tema de la crucifixión es recurrente en la obra de Bacon; de hecho, en 1962, con motivo de una exposición retrospectiva sobre él organizada por la Tate Gallery de Londres, realizó otro tríptico con un título similar, Tres estudios para una crucifixión, pero con figuras diferentes, más humanas. En 1988 rehizo la obra en una segunda versión el doble de grande, y con un fondo que se tiñó de rojo, similar al color de la sangre. Poco después, Bacon pintó Painting (1946), una obra en la que las referencias a trabajos anteriores se hacen evidentes. Se pueden detectar algunos elementos tomados de La adoración del becerro de oro , de Nicolas Poussin, que Bacon debió de ver en una exposición el año anterior. Hay dos elementos comunes en particular, a saber, el becerro que en la obra de Bacon aparece sacrificado en lugar de vivo, y el paraguas que parece recordar la estructura circular en forma de tienda presente en la obra de Poussin.

La primera serie de obras titulada Cabeza I (1948) data de finales de los años cuarenta. En ésta, que es la primera de seis pinturas, aparece una cabeza descompuesta, formando un aglomerado informe en el que sólo son reconocibles algunos detalles, como la mandíbula, la boca abierta rota en un grito, los dientes y una oreja. La cabeza está tumbada en una cama de la que sólo se reconoce el cabecero, dentro de una habitación representada como de costumbre por dos líneas cruzadas en la parte superior para representar la esquina formada por dos paredes. Por primera vez aparece el color dorado, que más tarde será característico de las obras de los años cincuenta. Las seis Cabezas fueron ejecutadas en un solo año, como preparación para la exposición de 1949 en la Hanover Gallery de Londres.

Otra serie muy famosa, que sigue figurando entre las producciones más célebres del pintor, es la dedicada alos papas. No había ningún juicio contra el papado o la Iglesia católica en su elección del tema, pero Bacon sentía una admiración sin límites por el cuadro de Diego Velázquez Retrato del Papa Inocencio X y emprendió su propia reelaboración del mismo, realizando 25 versiones entre 1949 y 1956. El artista consideraba esta obra una obra maestra tan inalcanzable que ni siquiera pudo entrar en la Galería Doria Pamphilj de Roma para verla en vivo durante una estancia en la capital. Sólo lo consiguió tardíamente, con ocasión de una exposición dedicada a Velázquez en Madrid. Admiró especialmente su realismo y su representación psicológica. La primera obra sobre este tema data de 1950, pero permaneció oculta hasta 1990. Bacon había empezado a trabajar en ella con vistas a una exposición en la Galería de Hannover, pero no quedó satisfecho con los resultados. La siguiente versión está fechada en 1953, Estudio a partir del Retrato del Papa Inocencio X de Velázquez. La escena tiene las características de una pesadilla, en la que la imagen que la inspiró, el Papa sentado en una silla y vestido de púrpura, está distorsionada y el protagonista, de estar tranquilo y reflexivo como estaba, grita de forma desordenada mientras unas líneas doradas que parecen barrotes de prisión se ciernen sobre él y parecen sofocar sus gritos. Esta es también la primera obra en la que se produce un cambio en la paleta de colores de Bacon, que se vuelve cada vez más sombría.

En obras fechadas en los años sesenta aparece explícitamente el interés amoroso de Bacon. En general, el artista realizó varios retratos de amigos y personas de su círculo de conocidos durante este periodo, uno de los cuales fue su compañero George Dyer. La obra más relevante que lo representa es Retrato de George Dyer hablando (1966), en la que el hombre aparece retratado en una habitación de paredes moradas y suelo rojo, sentado en una silla giratoria frente a una puerta, o ventana, que enmarca su cabeza. Debajo de la silla hay varias hojas de papel tiradas por el suelo y sobre él hay una bombilla desnuda, sin lámpara, para acentuar la sensación de desasosiego y soledad. El retrato está muy próximo al cubismo, sobre todo en el rostro del protagonista, que parece estar atrapado en el acto de darse la vuelta, representando distintos momentos. Dyer sería más tarde el protagonista de dos trípticos que Bacon le dedicó tras su muerte, Tríptico-agosto de 1972 y Tríptico, mayo-junio de 1973 , que junto con algunos retratos del rostro de su amada constituyen la serie de los llamados Trípticos negros, debido a los fondos tan oscuros que unen la serie.

A mediados de la década de 1980, Bacon pintó otro tríptico, en el que esta vez el protagonista es él mismo. Study for a Self-Portrait-Triptych (Estudio para un autorretrato-tríptico , 1985-1986) es una de las últimas obras de Bacon, quien declaró que había decidido hacer un autorretratoporque se había quedado sin otros temas, tras haber perdido a muchos amigos y seres queridos. El tríptico retoma muchos de los elementos pictóricos característicos de Bacon, como la figura deformada en el centro de una habitación desnuda, pero los colores se vuelven mucho más suaves y claros. A este detalle se une el profundo razonamiento de Bacon sobre el paso del tiempo y la vejez, que realiza en un momento en el que reconoce la necesidad de llevar una vida más sencilla que en la juventud.

Dónde ver las obras de Francis Bacon

Las obras de Bacon se conservan en varios museos internacionales, la mayoría de ellos en Londres y Estados Unidos. En Irlanda del Norte también se puede encontrar un cuadro importante: se trata de Head II (1948), la segunda obra de la serie Heads, conservada en el Ulster Museum de Belfast.

En Londres es posible visitar Tres estudios para figuras al pie de una crucifixión (1944), Figura en un paisaje (1945), Tríptico-Agosto (1972), Segunda versión del Tríptico 1944 (1988) y muchas otras en la Tate Gallery. Además, en la galería Marlborough Fine Art, se encuentra Estudio para un autorretrato-tríptico (1985-86). También en el Centro Pompidou de París hay una obra de Bacon, Three Figures in a Room (1964).

En Estados Unidos, las obras de Bacon se encuentran en el MoMA - Museo de Arte Moderno de Nueva York, concretamente Pintura (1946), Cabeza I (1948), Tres estudios para el retrato de Henrietta Moraes (1963), Tríptico 1991 y muchas otras. El famoso Estudio tras el retrato del Papa Inocencio X de Velázquez (1953) se conserva en cambio en el Des Moines Art Center, Des Moines, Iowa.

Varias obras se encuentran en colecciones privadas, ya que han sido objeto de numerosas ventas en subasta, y a menudo se prestan para exposiciones dedicadas al artista. Entre las más famosas se encuentra Crucifixión (1933), que forma parte de la Colección Murderme del artista y coleccionista Damien Hirst. La colección en cuestión fue objeto de una exposición en Italia en la Pinacoteca Giovanni e Marella Agnelli de Turín en 2013, una oportunidad por tanto de ver muchas de las obras de Bacon en nuestro país.

En Italia, sin embargo, hay dos cuadros de Bacon, Hombre comiéndose una pata de pollo (1952) en la Colección Maramotti de Reggio Emilia y Estudio para chimpancé (1958) en la Colección Peggy Guggenheim de Venecia.

Francis Bacon, vida, estilo y obras del atribulado pintor

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