Expresionismo. Orígenes, desarrollo y principales exponentes del movimiento

El expresionismo es una de las principales corrientes artísticas de principios del siglo XX y tuvo como centro de irradiación Alemania en los años previos a la Primera Guerra Mundial, para tomar forma en diversas orientaciones y grupos de artistas, entre ellos austriacos, franceses y rusos, que compartían un uso libre y subjetivo del medio artístico. Ya en la última década del siglo XIX, personalidades como el pintor francés Paul Gauguin, el holandés Vincentvan Gogh, el belga James Ensor y el noruego Edvard Munch habían transformado los principios académicos del Impresionismo en un sentido expresionista, revolucionando la composición canónica del cuadro y empleando el color, ya no sólo en función de la representación de fenómenos luminosos y atmosféricos, sino como instrumento privilegiado para expresar una intensa carga emocional personal.

La corriente expresionista se estableció hacia 1905-1911, al mismo tiempo que el fauvismo francés y el cubismo anal ítico , liderada por grupos de artistas como Die Brücke (“El puente”) y Der Blaue Reiter (“El jinete azul”) en el ambiente de inquietud y agitación que precedió a la guerra. Los epicentros del movimiento fueron algunas ciudades alemanas como Dresde, Múnich y Berlín, y más tarde se extendió por toda Europa. Los expresionistas alemanes del grupo Die Brücke, encabezados por Ernst Ludwig Kirchner (Aschaffenburg, 1880 - Davos, 1938), Fritz Bleyl (Zwickau, 1880 - Bad Iburg, 1966), Erich Heckel (Döbeln, 1883 - Radolfzell am Bodensee, 1970) y Karl Schmidt-Rottluff (Rottluff, 1884 - Berlín, 1976), emplearon un intenso uso del color y la línea en escenas urbanas y retratos a menudo grotescos, mostrando sentimientos de alienación del mundo moderno. Mientras que el Futurismo italiano, en los mismos años, miraba con confianza a los logros técnicos de la civilización occidental, los expresionistas alemanes se volcaron sobre todo en la interioridad, las ansiedades y las esperanzas respecto a la sociedad de su tiempo.

El expresionismo demostró la necesidad de investigar el lado interior y oscuro de la conciencia y la expresividad humanas y de recuperar sentimientos aparentemente perdidos de autenticidad y espiritualidad. Se impondría con los miembros de Der Blaue Reiter, Vasily Kandinsky (Moscú, 1866 - Neuilly-sur-Seine, 1944), Franz Marc (Múnich, 1880 - Verdún, 1916), Gabriele Münter (Berlín, 1877 - Murnau am Staffelsee, 1962) y otros, una búsqueda más misteriosa y espiritual que buscaba comunicar la vida inmaterial del hombre, antinaturalista y antifigurativa que desembocaría enel Abstraccionismo.

Orígenes y desarrollo de los grupos expresionistas en Europa

Las raíces de la escuela expresionista alemana se encuentran en las obras de Gauguin, Van Gogh, Ensor y Munch, cada uno de los cuales desarrolló un estilo pictórico muy personal entre 1885 y 1900. Estos artistas habían utilizado las posibilidades expresivas para explorar temas dramáticos y emocionales o simplemente para celebrar la naturaleza con una intensidad alucinatoria, y desvinculados de la representación literal de la realidad, habían confiado a la pintura sus visiones y estados de ánimo más subjetivos.

La principal oleada del expresionismo se manifestó en 1905, cuando un grupo de estudiantes alemanes liderados por Ernst Ludwig Kirchner formó una asociación informal llamada Die Brücke (“El Puente”) en la ciudad de Dresde. El grupo incluía a Fritz Bleyl, Erich Heckel y Karl Schmidt-Rottluff, artistas bohemios en rebeldía contra la tradición académica que querían infundir al arte alemán un nuevo vigor estilístico a través de una expresión muy liberadora y espontánea, aunque organizada y compartida. A los primeros miembros de Die Brücke se unieron pronto los alemanes Max Pechstein (Zwickau, 1881 - Berlín, 1955) y Otto Müller (Liebau, 1874 - Breslavia, 1930) y el danés Emil Nolde (Emil Hansen; Nolde, 1867 - Seebüll, 1956). Influidos por sus predecesores postimpresionistas, también se interesaron por las tallas de madera africanas y las obras de artistas medievales y renacentistas como Alberto Durero o Matthias Grünewald. De hecho, su estilo pictórico maduró en unos años en los que las referencias culturales cambiaron: toda Europa redescubrió los “primitivos”, las artes de pueblos lejanos, África, Oceanía, América del Norte, Extremo Oriente, que suplantaron al clasicismo eurocéntrico. Lo que pretendían estos jóvenes artistas, polémicos con la sociedad contemporánea, era construir un “puente” entre el pasado y el presente que uniera “todos los elementos revolucionarios y de agitación”. Su nombre procede de una cita de Así habló Zaratustra (1883-85) del filósofo alemán Friedrich Nietzsche, quien dijo: “Lo grande del hombre es que es un puente y no un fin”.

1906 fue el año en que, mientras el fauvismo triunfaba en París en el Salón de los Independientes (Matisse expuso allí La gioia di vivere), demostrando un interés compartido por el uso intenso y apasionado del color, al mismo tiempo se reunían obras del grupo Die Br?cke y se exponían por primera vez en Dresde, en la fábrica de lámparas de Karl-Max Seifert. En esta ocasión, las premisas ideológicas del movimiento quedaron claras en el folleto-manifiesto creado por Kirchner con la técnica xilográfica, que acompañaba a la exposición y resumía su ruptura a favor de una estética más libre y juvenil. “Con fe en la evolución, en una nueva generación de creadores y conocedores”, decía el manifiesto, “convocamos a todos los jóvenes. Y como jóvenes, que encarnamos el futuro, queremos liberar nuestras vidas y nuestros miembros de los poderes más antiguos y establecidos. Todo aquel que exprese su impulso creativo de forma directa y sincera es uno de nosotros”. Aunque sin un programa vinculante, Die Brücke quería ser así una unión de fuerzas que luchara contra el estancamiento del arte en nombre de la libertad creativa del artista.

En comparación con los fauves, los alemanes se diferenciaban por su mayor angustia existencial y su espíritu crítico hacia la sociedad. Los artistas de Dresde utilizaban formas distorsionadas y colores estridentes y antinaturales, siguiendo una estética del arte alemán medieval del que recuperaban técnicas gráficas como la xilografía. Su elemento estilístico fundamental era el abandono de la búsqueda de la tridimensionalidad, el falso espacio y el falso volumen frente a laexperiencia emocional directa que suscitaba el mundo. De 1907 a 1911, el grupo pasó gran parte de su tiempo en Dresde, organizando exposiciones y utilizando el estudio de Kirchner como lugar de reunión, hasta que se disolvió en 1913 debido a las diferencias artísticas que habían surgido entre sus miembros y, sobre todo, a raíz del traslado de algunos de ellos a Berlín en 1911. Die Brücke se había hecho popular entre los jóvenes artistas en pocos años, hasta el punto de inspirar a otros grupos y movimientos de vanguardia. Precisamente en 1911 se formó en Múnich el grupo Der Blaue Reiter (“El Jinete Azul”) a partir de una escisión de algunos miembros de la Neue Künstlervereinigung München (Asociación de Nuevos Artistas de Múnich ). El detonante fue el rechazo en una exposición del cuadro El Juicio Final (1910) de uno de ellos, Vasily Kandinsky.

Además del ruso Kandinsky, cuya personalidad impulsora se orientaba hacia la búsqueda de ritmos puros de formas y colores como expresión de estados de ánimo, el grupo incluía a los alemanes Franz Marc, Gabriele Münter, August Macke (Meschede, 1887 - Perthes-lès-Hurlus, 1914), los rusos Alexej von Jawlenskij (Toržok, 1864 - Wiesbaden, 1941) y Marianne von Werefkin (Tula, 1860 - Ascona, 1938), y entre otros el suizo Paul Klee (Münchenbuchsee, 1879 - Muralto, 1940). Este internacionalismo llevó al grupo a organizar varias exposiciones itinerantes, lo que les convirtió en una fuerza indispensable para la promoción de la pintura de las primeras vanguardias. El grupo compartía una inclinación hacia la abstracción, el contenido simbólico y la alusión espiritual, buscando expresar aspectos emocionales a través de representaciones estructuradas y de vivos colores. Su nombre procede de una obra de Kandinsky de 1903 con un jinete a caballo y de Los caballos azules pintados por Marc en 1911, un motivo recurrente en su obra que simbolizaba la transición de la realidad tangible al reino espiritual y servía así de metáfora de la práctica artística. También para los demás miembros, esta idea del arte pictórico se convirtió en fundamental para superar la representación realista y adentrarse en la abstracción. Aunque Der Blaue Reiter no contaba con un verdadero manifiesto, los artistas del grupo elaboraron un almanaque, Der Blaue Reiter Almanach, que se publicó a principios de 1912 e incluía más de 140 obras de arte, entre ellas obras de Van Gogh, Cézanne y Gauguin, con 14 artículos y ensayos teóricos. El grupo estaba unido en sus innovaciones estéticas, influidas, tanto para ellos como para los artistas de Die Brücke, por las formas de arte medievales y primitivistas, el fauvismo y el cubismo de la época. Sin embargo, con el estallido de la Primera Guerra Mundial en 1914, Marc y Macke fueron reclutados para el servicio militar alemán y asesinados poco después, y los miembros rusos del grupo, Kandinsky entre otros, se vieron obligados a repatriarse. Der Blaue Reiter se disolvió poco después.

La elasticidad de la corriente del Expresionismo hizo que muchos artistas más allá de las fronteras de Alemania fueran identificados como expresionistas, aunque los grupos alemanes nunca se refirieran a sí mismos como tales y el término fuera ampliamente utilizado para una variedad de estilos en los primeros años del siglo. Artistas austriacos como Oskar Kokoschka y Egon Schiele se inspiraron en el expresionismo alemán, aunque independientes de un grupo organizado. Ambos trataron de expresar la decadencia de la Austria moderna a través de representaciones igualmente expresivas del cuerpo humano, con líneas sinuosas, colores cargados y figuras distorsionadas, cada uno interpretando la corriente estilística individualmente. Como en Francia, Georges Rouault, conocido por su expresión con colores intensos y pesadas capas de pintura, el ruso-francés Marc Chagall, que expuso en Berlín en 1914 y causó impacto en los expresionistas alemanes, Chaim Soutine, ruso en París, que fue uno de los principales partidarios del desarrollo del expresionismo parisino.

Sin embargo, tras la Primera Guerra Mundial, el Expresionismo empezó a perder impulso y a fragmentarse, aunque los logros estilísticos persistieron en el periodo de entreguerras, sobre todo en Alemania, donde la crisis política y social se agudizó. Cuando Hitler tomó el poder en 1933, sus víctimas, junto con muchos millones de personas, fueron también los pintores expresionistas, tanto alemanes como extranjeros, por su rebelión contra las leyes burguesas que restringían la autonomía del artista. Su arte fue considerado "degenerado“, ellos mismos tratados como ”degenerados", sus obras retiradas de museos y colecciones. Mientras tanto, surgía la corriente de la Neue Sachlichkeit (Nueva Objetividad) como respuesta directa a los principios fuertemente emocionales del Expresionismo. Pero la tendencia bautizada por los alemanes a principios del siglo XX, vinculada a las cualidades espontáneas, instintivas y altamente emotivas de cada artista, volvería mucho más tarde en el siglo XX con el Expresionismo Abstracto y el Neoexpresionismo.

El estilo de los grandes expresionistas

El expresionismo alemán tiene dos caras. El grupo Die Brücke, que operaba primero en Dresde y más tarde en Berlín, fue una de las primeras influencias para los artistas muniqueses Der Blaue Reiter; sin embargo, los representantes de ambos grupos perseguían objetivos bastante diferentes. Reconociendo la importancia del color atrevido introducido por los fauves franceses, los artistas de Die Brücke utilizaban colores intensos y marcados para realzar la expresividad de sus figuras simplificadas. Pero para Kandinsky y sus artistas, esos mismos colores debían ir más allá de la representación y resonar más alto en el alma humana. Y aunque Der Blaue Reiter también nació de la misma alienación del mundo moderno que había conmovido tan profundamente a Die Brücke, la respuesta no fue abordar ese sentimiento mediante representaciones perturbadoras de una experiencia traumática, sino intentar trascenderlo a través de medios artísticos abstractos. Ambos grupos se habían inspirado en formas artísticas primitivas, pero uno introdujo cierto nivel de expresividad cruda y angustiada, y el otro la suplantó con composiciones más armoniosas de colores y formas no objetivas.

Die Brücke utilizaron desde el principio toda una serie de recursos estilísticos: la bidimensionalidad, el uso de colores y contornos violentos, la inmediatez “gestual” del signo y la pincelada; desarrollaron un estilo reconocible por su dureza, audacia e intensidad visual. Las obras presentan escenas callejeras, paisajes naturales y retratos de sujetos contemporáneos en atmósferas cargadas e inestables. Imágenes provocadoras de la sociedad moderna con prostitutas modelo y otros personajes, habitantes de la ciudad alienados de la experiencia de la vida urbana.

Entre las obras más destacadas de la corriente Die Brücke, las del líder Kirchner abarcan todos estos motivos: desde Marzella (1910), en la que el artista retrata un solitario cuerpo joven desnudo, representado sin complacencia hedonista y constreñido en un marcado contorno dramático, hasta Escena callejera de Berlín (1913), en la que dos prostitutas con rostros enmascarados dominan el centro de la calle entre hombres indistinguibles. La primera obra con amplias pinceladas de color yuxtapuestas a las formas sintetizadas del cuerpo, donde la realidad está presente y es reconocible, pero no en su apariencia, sino leída por el artista, penetrada más allá de lo que ve el ojo común: la representación de un modelo adolescente ya consciente de la tragedia del mundo. La segunda, parte de una serie de escenas callejeras berlinesas, en las que los contornos y las formas casi se desdibujan, poniendo de relieve el entrecruzamiento de personas y mercancías en un Berlín en el que, convertido en metrópolis, se podía comprar cualquier cosa, incluida la disponibilidad de esas prostitutas, en medio de una muchedumbre urbana cada vez mayor y más anónima.

Muchas de las obras de los exponentes de Die Brücke expresaban inquietud y, en general, una especie de frenética intensidad de sentimientos en respuesta a las posibilidades y contradicciones de la modernidad. Las cualidades formales de su arte estaban sin duda condicionadas por la vida urbana, pero también por sus frecuentes viajes fuera de la ciudad a los lagos y bosques de Alemania. Pintaron numerosos desnudos, abrazando el naturismo, la filosofía de la desnudez social introducida por los círculos intelectuales alemanes a finales del siglo XIX, como parte de su rechazo radical a las normas sociales burguesas. Cuerpos escabrosos en interiores domésticos de ciudades y en la naturaleza. Una de sus aportaciones más originales fue la reintroducción de las xilografías, que permitían violentar su lenguaje deliberadamente rebelde. A través de la descarnada yuxtaposición de blancos y negros en formas compactas y simplificadas, fue uno de los medios de expresión más eficaces y utilizados, un excelente ejemplo de lo cual puede verse en Bañistas, de Otto Müller, de 1912.

Las obras de Der Blaue Reiter constituían la contrapartidaabstracta al estilo figurativo distorsionado de Die Brücke. Por mucho que prestaran atención al primitivismo y a la práctica de la xilografía (Franz Marc, La vaca amarilla, 1911; Portada de Der Blaue Reiter Almanach, 1911-1912), la innovación de su pintura residía en la idea de que los colores y las formas conducían a un contacto con los valores espirituales. Esto se entiende a partir del adjetivo “azul”, que hacía referencia a la convicción de Kandinsky y Marc de que el azul con sus matices era el color que más simbolizaba la capacidad de ir más allá de la condición terrenal.

Emplearon colores no naturalistas, como en Die Brücke, sino con efectos decididamente más líricos y evocadores, interpretando cada uno las formas con su propia mirada, como una rebelión subjetiva contra la realidad. Un primer ejemplo total está en la obra de Kandinsky, la Iglesia de Murnau de 1909, que parece expresar un sentimiento dominante de misterio y silencio, aludiendo a la iglesia de Murnau, en Baviera, pero sin describir realmente sus detalles. Cuando Kandinsky escribió en 1910 el tratado Lo espiritual en el arte, publicado a finales de 1911 y traducido del original alemán al francés y al inglés, se consagró como teórico revolucionario del arte. Para Kandinsky, la misión del artista moderno era conducir a su espectador a la trascendencia espiritual a través de su expresión abstracta, o no objetiva, construida sobre el conocimiento del efecto de la obra no sólo en el ojo sino en el alma, un principio que denominó “necesidad interior”. La sugerencia más decisiva de Kandinsky fue desentrañar las conexiones entre los componentes visuales y los elementos extravisuales sin manifestación tangible o figurativa, como la emoción, el pensamiento, abstractos por excelencia.

En la búsqueda de un lenguaje para expresar su planteamiento abstracto, los artistas del grupo liderado por Kandinsky establecieron paralelismos entre la pintura y la música, denominando a menudo sus obras “composiciones”, “improvisaciones” y “estudios”, tomados de la terminología musical, explorando la sinestesia, como asociación entre los sentidos en la percepción del color, el sonido y otros estímulos. Creada durante su época en Der Blaue Reiter, Composición VII (1913) está considerada una de las mayores obras maestras de Kandinsky. Es su mayor óleo sobre lienzo, mide dos por tres metros y presenta una combinación de colores y formas que no componen imágenes inmediatamente reconocibles, sino profundamente evocadoras. El pintor definía sus abstracciones pictóricas como “visiones interiores” similares en forma y estructura a una sinfonía.

Entre otros, el artista Paul Klee, músico y dibujante experimental, inició una revolucionaria exploración colorista en su periodo en Der Blaue Reiter. Inspirado por los escritos de Kandinsky, fue más allá de sus primeras obras en blanco y negro y se dedicó a un intenso estudio del color y la abstracción(In the Style of Kairouan, 1914) que le convirtió en un miembro central del grupo. Aunque algunos artistas rechazaron el expresionismo tras estas experiencias, otros continuarían ampliando sus innovaciones estilísticas.

Expresionismo. Orígenes, desarrollo y principales exponentes del movimiento

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