El siglo XVII holandés: la pintura en la "Edad de Oro". Géneros y estilos

Los historiadores se refieren al siglo XVII holandés como la “Edad de Oro”, ya que entre los siglos XVI y XVII,Holanda y las otras seis provincias del norte de los Países Bajos se independizaron de la dominación de España, dando lugar a la República de las Provincias Unidas, y el logro de laautonomía política fue acompañado de un formidable desarrollo comercial, colonial y económico y de un florecimiento artístico igualmente extraordinario. La pintura de la Edad de Oro holandesa, durante y después de la Guerra de la Independencia (1568-1648), fue la expresión de un clima cultural generalizado relacionado con todos los aspectos de la vida y la naturaleza y de un profundo sentimiento y orgullo cívico, una celebración del éxito y la identidad holandeses. El comercio fue el motor de la prosperidad y el pensamiento (en 1602 se creó la Compañía Holandesa de las Indias Orientales, la primera empresa multinacional por acciones que estableció la primera bolsa de valores) que se expresó a través del arte, especialmente la pintura.

El núcleo de la pintura del Siglo de Oro data de alrededor de la década de 1720 hasta lainvasión a la República Francesa y la victoria en 1672, también conocido como “el año del desastre”. Un rasgo distintivo del periodo holandés, en comparación con la pintura de la Europa católica de la Contrarreforma, fue el limitado número de pinturas religiosas: el calvinismo rampante desalentaba las representaciones sacras en las iglesias y los temas bíblicos se destinaban sobre todo al ámbito doméstico; el énfasis católico dio paso a la vida ordinaria tratada con realismo.La pintura holandesa del siglo XVII recibió la influencia de Pieter Bruegel el Viejo y de los artistas del Renacimiento del norte de Europa, como Jan van Eyck, Alberto Durero y Jerónimo Bosch, y se desarrolló con las experiencias de los manieristas de Haarlem, los caravaggistas de Utrecht, los protagonistas del Clasicismo holandés y la Escuela de Delft.

Holanda declinó de forma peculiar el lenguaje y las tendencias barrocas que dominaban en otros países. Prueba de ello es el creciente número de obras de género, con secciones transversales de la vida laboral y lúdica, indicativo de un mecenazgo que ya no era sólo institucional, eclesiástico y aristocrático a los ojos de las clases altas, sino más vinculado a las demandas de las clases medias y mercantiles, así como de gremios y cofradías, y de ciudadanos particulares que se convirtieron en coleccionistas de arte, difundiendo un nuevo tipo de mecenazgo.

La pintura entraba en los hogares y retrataba sus interiores durante la vida cotidiana, celebrando elorden y la moralidad de la vida privada. No era infrecuente que la gente corriente poseyera y exhibiera mapas, pinturas y grabados en sus casas, como demuestran muchas obras maestras de la época en las que se representan objetos, pinturas y decoraciones murales. Como resultado, las obras producidas a principios del siglo XVII eran pequeñas, lo que las hacía más asequibles para todos los niveles sociales y destinadas a los hogares, y gradualmente más grandes a medida que la prosperidad y el conocimiento aumentaban a lo largo del siglo. Fue un cambio que daría forma al arte holandés e influiría en el arte europeo: desde los tipos de imágenes hasta la forma en que se producían y vendían.

Otro rasgo distintivo del periodo fue la proliferación de géneros pictóricos distintos y la acreditación de temas populares que eran “nuevos” en una corriente más general de la pintura barroca y de la pintura occidental en general. Los neerlandeses del siglo XVII contaban con más de mil artistas, entre los que se encontraban algunos de los mejores pintores de la época, y su calidad técnica era, en general, alta, ya que en su mayoría seguían el antiguo sistema medieval de formación mediante elaprendizaje de un maestro.Los artistas preferían temas principalmente profanos, aunque cargados alegóricamente de referencias a temas morales y religiosos, pues creían que el éxito y la prosperidad holandeses eran un regalo de Dios: Desde paisajes naturales y urbanos con molinos y animales que honraban la belleza, armonía y laboriosidad del país, hasta bodegones que celebraban la riqueza local y los bienes exóticos resultantes del comercio internacional, pasando por retratos que conmemoraban a los individuos, su posición, carácter y lugar en la comunidad. Todas estas imágenes eran representativas del orgullo que los ciudadanos holandeses sentían por su nación, y transmitían la lucha teológica entre protestantes y católicos que se libraba en los Países Bajos, equilibrando los llamamientos mundanos con una actitud espiritual.

Los elementos centrales de la pintura holandesa del siglo XVII son la luz y el brillo expresados por los colores, como herramienta fundamental de representación, y la atención al detalle típica de la tradición flamenca.nHoy en día, los pintores más valorados del Siglo de Oro holandés, protagonistas de esta feliz temporada cultural, son Rembrandt Harmenszoon van Rijn, la figura dominante del periodo, Johannes Vermeer(también conocido como Jan Vermeer) y Frans Hals, que nos han regalado algunas de las mayores obras maestras de todos los tiempos.

Temas y asuntos de la pintura holandesa del siglo XVII

Aprincipios de siglo, se privilegiaron los temas legendarios y literarios de la pintura de historia, incluidas las alegorías y los temas religiosos populares de escenas bíblicas. Sin embargo, hacia 1650, la pintura de género, que nos muestra los valores, costumbres y hábitos del pueblo holandés de la época, comenzó a extenderse en un magnífico desarrollo. Escenas de interior, retratos, paisajes naturales, incluidos paisajes invernales, nocturnos y marinos, paisajes urbanos, paisajes a la italiana. Fueron muy populares las pinturas florales y los bodegones de diversos tipos. Jan Brueghel, hijo de Pieter Bruegel el Viejo, fue uno de los primeros pioneros del bodegón floral, en obras como Flores en un jarrón de madera (1606-1607), un extravagante ramo en un entorno sencillo, que combina flores comunes y rarezas, una medida del entusiasmo holandés ya en aquella época por coleccionar y comercializar especímenes botánicos internacionales.

Los pintores holandeses empezaron a producir una nueva visión realista pero identificable del mundo, que pasó de representar la sociedad: figuras solas, familias campesinas, escenas de taberna, fiestas de la “alegre compañía”, mujeres trabajando en casa, escenas de pueblo o ciudad, en el mercado, en cuarteles, escenas con caballos o animales de granja, y muchas otras. Especialmente en la primera mitad del siglo, los retratos eran muy formales y de composición rígida. Los grupos solían estar sentados alrededor de una mesa y cada persona miraba al espectador. Se prestaba mucha atención a los detalles de la ropa y el mobiliario, signos de la posición de las personas en la sociedad. Más adelante en el siglo, los grupos se hicieron más vivos y los colores más brillantes. Este género de retratos de grupo, en gran medida una invención holandesa, era una demanda del gran número de asociaciones cívicas que animaban la vida holandesa, como guardias de milicias o regentes de gremios y fundaciones benéficas y similares.

A menudo, la pintura de género adquiría tintes morales, tanto retratando las virtudes como los vicios de la población, con efectos cómicos. Al mismo tiempo, se desarrollaron las llamadas "pequeñas bagatelas“. Un tipo característico de representación, que combinaba elementos del retrato, la historia y la pintura de género, era la ”tronie" (la más famosa a este respecto es La joven de la perla, de Jan Vermeer): una sola figura de medio cuerpo o en primer plano captada en un estado de ánimo o expresión inusuales. La identidad real del modelo no era importante, podía representar a una figura disfrazada o a un plebeyo informal en su vestimenta y actitud. Mientras que la academia consideraba que la pintura de historia, categoría que también incluía temas bíblicos, mitológicos y alegóricos, era la forma más elevada de pintura, el gusto y la sensibilidad del Siglo de Oro holandés preferían las obras que representaban temas ordinarios.

Estilos de los grandes artistas Hals, Rembrandt y Vermeer

La representación de la luz y el claroscuro en la obra, que se ha convertido en central en el arte, reúne el trabajo de los tres grandes maestros Frans Hals, Rembrandt van Rijn y Jan Vermeer.

Frans Hals (Amberes, 1580 - Haarlem, 1666) fue uno de los primeros pioneros de la pintura holandesa del Siglo de Oro. Se concentró en el retrato, en el que los efectos de claroscuro, especialmente en la representación de los rostros, otorgaban una intensidad expresiva y una fuerte caracterización a sus personajes. Durante su larga carrera siguió una inspiración más libre y personal, sin influencias académicas o más fácilmente comerciales. Entre 1620 y 1635 abordó temas inspirados en Caravaggio, eligiendo retratar principalmente a gente corriente y estableciendo el género del retrato de grupo que se hizo peculiar del arte holandés, concebido como una celebración de la armonía cívica. Alcanzó la fama con Banquete de los oficiales de la Guardia Cívica de San Jorge (1616), y véase entre otros Reunión de los oficiales de la Compañía de San Adriano (1627). En las décadas siguientes, fue muy solicitado como retratista por sus tratamientos personalistas y realistas. Rampa de Yonker y su prometida (1623), que representa a una pareja en un momento alegre, muestra la vivacidad de su pincelada rápida, suelta y perceptible en la superficie y un cambio en el estilo pictórico hacia modelos relajados y alegres. Su obra influyó en muchos pintores posteriores.

Rembrandt (Leiden, 1606 - Amsterdam, 1669) suele considerarse el artista más importante de la historia del arte holandés. Famoso por sus grabados y retratos, fue a la vez innovador y prolífico. Una de sus mayores contribuciones es que transformó el proceso del grabado, que pasó de ser una técnica reproductiva a una verdadera forma de arte, y marcó la pauta en la representación pictórica de los sentimientos, las imperfecciones y la moralidad humanas. Increíblemente dotado, desde sus primeras pinturas mostró interés por los efectos dramáticos de luz y sombra que dominarían sus obras posteriores. Agudo observador de la vida, se dedicó al estudio de la figura y la expresión humanas, por muy variada que fuera su obra, desde escenas históricas, bíblicas y mitológicas hasta paisajes, escenas de género y desnudos.

Comenzó con estudios de su propio rostro y autorretratos, de los que han llegado hasta nosotros un centenar(Autorretrato con el pelo revuelto, 1628; Retrato del artista como anciano, 1660), y se convirtió en un importante y cotizado retratista. Sin embargo, su interés por la pintura de historia nunca decayó.

La base de la grandeza de Rembrandt reside en la fuerza de la caracterización, el elemento narrativo y el uso dramático de la luz. Desde las impactantes escenas de grupo(La lección de anatomía del doctor Nicholas Tulp (1632); La ronda de noche (1640-42)) hasta los retratos de figuras individuales, se concentró en la descripción introspectiva de sus modelos, que casi siempre emergen de una oscuridad impenetrable y misteriosa. A medida que maduraba, su uso del color reflejaba una intensa y dolorosa reflexión sobre la vida. Los valores cromáticos y emocionales de la luz añaden más intensidad a los personajes de forma realista, resaltando sus gestos espontáneos en relación con el público ajeno al cuadro(Los alcaldes en el gremio de laneros de Amsterdam, 1662). Las variaciones de la pincelada entre suelta y áspera, y la manipulación de las texturas mediante el rayado o con espátula, contribuyeron en gran medida a un estilo distintivo radicalmente nuevo que influiría en generaciones venideras.

Jan Vermeer (Johannes van der Meer; Delft, 1632 - 1675) está considerado uno de los más grandes pintores de su floreciente época histórica por su maestría técnica y su estilo preciso. Le gustaban las atmósferas íntimas y las escenas de la vida cotidiana, protagonizadas en su mayoría por mujeres dedicadas a una gran variedad de actividades domésticas, de las que La joven de la perla (1665) es un icono universal: desde cocinar a coser o estudiar un instrumento musical(Mujer de azul leyendo una carta, 1663). Los colores y los pigmentos eran del máximo interés para Vermeer, conocido por su exquisita mezcla de tonos etéreos y efectos transparentes que expresan el juego de la luz sobre la piel, las telas y las piedras preciosas de sus figuras. De colores vivos, el realismo de los interiores de Vermeer construye una narración de la época, incluso de oficios(La lechera, 1658-1659; El astrónomo, 1668) y modas y tendencias. En la construcción de formas y proporciones, figuras y ambientes son minuciosamente descritos, y cargados de simbolismo, véase La alegoría de lapintura (1666) o Laalegoría de la fe (1670-74).

Su producción, no muy numerosa -hasta la fecha se conocen menos de cuarenta cuadros suyos-, fue redescubierta a mediados del siglo XIX por la generación de los impresionistas y postimpresionistas, como Manet y Seurat, impresionados por su innovadora concepción de la luz y su original tratamiento del color.

El enorme éxito de la pintura holandesa del siglo XVII marcó la obra de generaciones posteriores tanto en Holanda como en Europa y el resto del mundo.

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