El arte del siglo XVIII en Italia: evolución, estilos, principales artistas

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Desde finales del siglo XVII, el arte barroco se había ido vaciando progresivamente de significado y de eficacia comunicativa. Una vez pasado el ímpetu de la Roma papal a la hora de dictar el gusto en arte (aunque Roma había seguido siendo, no obstante, un importante punto de referencia para los artistas durante el siglo XVIII, aunque no hegemónico), comenzó a extenderse un estilo internacional (pero que encontró sus premisas en Francia) basado en el refinamiento, el decorativismo y lo agradable. Las decoraciones y pinturas ya no tenían que asombrar al observador como en el siglo XVII, sino proporcionar placer estético. Precisamente por eso, el nuevo estilo, que tomó el nombre de rococó (del francés rocaille, un tipo de decoración hecha con piedras y conchas), nació y se extendió por las cortes europeas. Precisamente por el carácter internacional del rococó, muchos pintores italianos trabajaron fuera de las fronteras de la península.

El primer precursor importante del gusto rococó en Italia fue el ligur Gregorio De Ferrari (Porto Maurizio, 1647 - Génova, 1726): Alumno de Domenico Fiasella y colaborador de Domenico Piola, De Ferrari desarrolló, en sus obras decorativas al fresco, un lenguaje que tomaba del barroco el esquema compositivo basado en la cuadratura, con las arquitecturas fingidas caracterizadas a menudo por extrañas líneas curvas, pero sus escenas, aunque seguían caracterizándose por un dinamismo tardobarroco que a veces se desdibujaba en virtuosismo, ya no pretendían suscitar efectos de asombro. Se trataba, en efecto, de composiciones de carácter sereno y refinado, vaciadas de toda intención celebratoria, aunque se encontraran en palacios de familias genovesas adineradas: un ejemplo de este lenguaje es laAlegoría de la primavera que decora una de las salas del Palazzo Rosso de Génova, antigua residencia de la familia Brignole-Sale.

El gusto rococó en Venecia

Un artista clave para entender el desarrollo del gusto rococó en Italia es Sebastiano Ricci (Belluno, 1659 - Venecia, 1734), pintor de gran talento que se había formado en una Venecia que en el siglo XVIII se convertiría no sólo en destino de viajes internacionales sino también en un centro artístico de primera importancia, donde se experimentarían todas las tendencias de la pintura del siglo XVIII y donde ciertos géneros, como el vedutismo, encontrarían su mayor florecimiento. A su formación veneciana (Ricci se sintió atraído sobre todo por las obras del Veronés), el artista unió una estancia en Roma para estudiar las obras de los grandes decoradores barrocos, de los que aprendió el ilusionismo perspectivista. Con Sebastiano Ricci, la pintura en Italia dio un giro decisivo en la dirección rococó: Las composiciones del pintor veneciano se distinguen por la luz cálida y envolvente que confiere elegancia a las escenas, por la vivacidad que es una de las señas de identidad de la decoración rococó, y por la ligereza de las atmósferas refinadas que también resaltan muy a menudo la sensualidad que convenía a los gustos de los mecenas, y que es otro rasgo específico rococó(Venus y Adonis, 1707-1710, Florencia, Palacio Pitti).

En la decoración al fresco, sin embargo, el máximo exponente del Rococó en Italia es Giambattista Tiepolo (Venecia, 1696 - Madrid, 1770), también veneciano. Tiepolo se formó en esquemas naturalistas y anticlásicos, hasta el punto de que su producción temprana se caracteriza por la penumbra dramática bastante extendida en la Italia septentrional de principios del siglo XVIII, pero el artista pronto entró en contacto con el arte de Sebastiano Ricci y dio un giro siguiendo el gusto más refinado de la época. Gracias a su extrema ductilidad y a su capacidad para filtrar diferentes sugerencias en poco tiempo, Tiepolo desarrolló una técnica rápida y segura, caracterizada por una gran e imaginativa inventiva y una extraordinaria inmediatez compositiva.

Con Giambattista Tiepolo, la magniloquencia del estilo barroco quedó completamente superada: atmósferas tersas y delicadas, trazados ordenados y equilibrados a pesar de esquemas más bien complejos(el orden en la complejidad era un rasgo típico del estilo rococó), todo ello caracterizado por el deseo de crear una pintura que ya no fuera real, sino conscientemente ilusoria, hasta rozar lo surrealista Era, además, una pintura acorde con el gusto de la época, que no favorecía una narrativa realista, sino una narrativa imaginativa que, sin embargo, producía deleite y satisfacción.

Otro exponente interesante del rococó en la decoración al fresco fue Jacopo Amigoni (¿Venecia?, 1682 - Nápoles, 1752), partidario de la pintura arcádica, es decir, de temas principalmente pastoriles tomados de la mitología clásica y pintados con atmósferas serenas, alegres y tranquilizadoras.

Los refinamientos del siglo XVIII encontraron una intérprete del más alto nivel en Rosalba Car riera (Venecia, 1673 - 1757), especializada en el retrato, que situó su nombre entre los artistas más cotizados de toda Europa (de hecho, Rosalba Carriera no sólo trabajó en Venecia, sino también en París y Dresde, y tuvo entre sus mecenas a muchos de los gobernantes más poderosos de la época, que visitaban Venecia con frecuencia). La artista era capaz de sutiles representaciones de los temas, delicadas gracias al pastel, que fue la primera en utilizar sistemáticamente en Italia y que, gracias a ella, se extendió por toda Europa. Su capacidad innata para penetrar en profundidad en la psicología del personaje y plasmarla en el cuadro de forma magistral la convirtió probablemente en la mejor retratista de la Europa de la época, así como en una de las personalidades más influyentes, ya que el retrato posterior le debe mucho.

Otro veneciano, Pietro Longhi (Venecia, 1702 - 1785), fue un pintor de gusto rococó, aunque orientó sus investigaciones de manera diferente: en lugar de la decoración al fresco a gran escala, Longhi prefirió la pintura de pequeño formato que retrataba la vida cotidiana de la Venecia de la época. Sin embargo, sus cuadros se diferenciaban de los de los pintores marcadamente realistas en que Longhi prefería las atmósferas refinadas e íntimas. Con sus escenas a menudo ambientadas en interiores, se dirigía principalmente a una clientela aristocrática, la aristocracia veneciana, que se hacía retratar en sus obras. El resultado es un retrato despiadado de una Venecia aún atrapada en su hedonismo y sus placeres mundanos mientras, por otro lado, vivía su periodo de máxima decadencia, que pocos años después de la muerte de Pietro Longhi la llevaría a la pérdida de su milenaria independencia en 1797. Las escenas de Pietro Longhi parecen realistas pero parecen casi desalmadas, con personajes que parecen casi figurillas más que hombres y mujeres reales.

Todas las contradicciones de la sociedad de la época, incluso más que en la pintura de Pietro Longhi, son puestas de relieve por un pintor libre, extravagante y muy original como Alessandro Magnasco (Génova, 1667 - 1749), un artista inclasificable por su pintura poco convencional y completamente anticlásica. El pintor genovés Alessandro Magnasco sintió que vivía en una sociedad caracterizada por profundas diferencias sociales, y en lugar de pintar cuadros o frescos con escenas tranquilizadoras como hacían la mayoría de sus contemporáneos, se sumergió en una realidad de pobreza, abusos y torturas, que el artista plasmó en el lienzo con un estilo muy realista que anticipó gran parte del arte del siglo XIX, gracias a su técnica basada en pinceladas muy rápidas que perfilaban los inquietantes figurines que poblaban sus cuadros.

Más allá del Rococó: el horror de Magnasco, el realismo de Crespi, la oscuridad de Piazzetta

Comparable, en cuanto a talento, intereses y voluntad crítica, a Salvator Rosa, Alessandro Magnasco buscó sus temas en los barrios bajos de la sociedad de la época: los protagonistas de sus cuadros fueron así gitanos, frailes pobres, mendigos, actores callejeros y prisioneros representados en escenas de interrogatorio o tortura. Y como Salvator Rosa, aunque en menor medida, Alessandro Magnascò desarrolló una poética de lo horrible donde no faltaban elementos lúgubres y monstruosos (como en El robo sacrílego). También para Alessandro Magnasco, el paisaje estaba muy alejado del paisaje idealizado de sus contemporáneos: sus paisajes representan preferentemente una naturaleza virgen pero al mismo tiempo inquietante. La pintura de Alessandro Magnasco no era sino una prolongación natural de los contrastes de la sociedad del siglo XVIII.

Una poética realista, aunque con resultados menos radicales, fue la perseguida por Giuseppe Maria Crespi (Bolonia, 1665 - 1747) y Giambattista Piazzetta (Venecia, 1683 - 1754): el primero fue un pintor que se alejó conscientemente de la pintura arcádica de la época para dotar a sus temas de una viveza más inmediata y popular, realizando composiciones más cercanas a la realidad cotidiana, con una pintura donde los temas de perfil bajo (Fiera paesana) encontraban muy a menudo espacio. Piazzetta, recordando al propio Giuseppe Maria Crespi y al naturalismo de Caravaggio del siglo XVII, creó obras en las que los personajes, moviéndose dentro de atmósferas sombrías como las de la pintura naturalista del siglo anterior, se caracterizaban por un fuerte dramatismo que continuaba ese deseo de implicación emocional del observador que casi había desaparecido de la poética rococó (Martirio de San Jacobo). Piazzetta fue una figura muy singular en la escena veneciana, en la medida en que frente a las atmósferas refinadas de sus compatriotas venecianos, mostró una preferencia por las escenas tensas y patéticas, que a menudo presentaban temas de gusto popular.

Clasicismo y paisaje

El clasicismo en el siglo XVIII no se abandonó, sino que se continuó sobre todo en Roma, ciudad en la que el principal protagonista del siglo XVIII fue el lucchese Pompeo Batoni (Lucca, 1708 - Roma, 1787): el clasicismo del siglo XVIII de Pompeo Batoni continuó la gran tradición clasicista de artistas como Annibale Carracci, Guido Reni y Domenichino, de los que el artista se inspiró directamente, tomando también considerables referencias de Rafael y del arte antiguo. Sin embargo, el clasicismo de Pompeo Batoni, comparado con el de los pintores del siglo XVII, también contenía indicios de un dramatismo más explícito, derivado de probables reflexiones sobre el arte barroco(San Marino levanta la República). Sin embargo, el patetismo estaba mitigado por la notable gracia típica de la poética de Batoni, anticipando el neoclasicismo que surgiría a finales de siglo. Pompeo Batoni fue también un artista innovador, ya que inventó el tipo de retrato con el telón de fondo de ruinas antiguas, especialmente apreciado por los visitantes extranjeros adinerados que acudían a la capital y deseaban llevarse un recuerdo de su experiencia de viaje (Retrato de Richard Milles).

En cuanto a la pintura de paisaje, el máximo exponente del género a principios de siglo fue Giovanni Paolo Pannini (Piacenza, 1691 - Roma, 1765), especializado en paisajes con ruinas antiguas, pero también en escenas festivas y vistas de galerías de arte y ciudades (Galleria di vedute di Roma Antica), El resultado es una producción de gran riqueza escenográfica, en la que el artista daba rienda suelta a su imaginación (hasta el punto de que lo que se ve en sus obras es a menudo producto de su imaginación más que una descripción objetiva) y a su gusto decorativo.

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