Artemisia Gentileschi, vida y obra de la gran artista del siglo XVII

Artemisia Gentileschi (Roma, 1593 - Nápoles, después de 1653), hija del pintor de origen toscano Orazio Gentileschi (Pisa, 1563 - Londres, 1639), a su vez famoso pintor y amigo de Caravaggio, fue una gran artista que supo revelar su talento y logró imponerse en una sociedad tendente a la cerrazón, en la que las mujeres no tenían muchas posibilidades de emerger. Es bien conocido el triste asunto de la violencia que sufrió y que, según algunas lecturas, sobre todo feministas, salpicó su arte, que llegó a ser muy brutal precisamente por su pasado (aunque en realidad los temas especialmente truculentos o violentos son típicos del arte del siglo XVII: lea aquí un estudio en profundidad sobre el tema en relación con la pintura de Artemisia). Artemisia se movía en la esfera de Caravaggio pero proponía un arte muy original, con obras maestras de gran realismo y a menudo también de marcada sensualidad.

Artemisia era la hija mayor y única de Orazio Gentileschi, y demostró tener un gran talento desde muy joven, y su padre intentó fomentar este talento precoz enseñándole todos los rudimentos del oficio: sin embargo, aunque Orazio hizo todo lo posible para que el talento de Artemisia se expresara de la mejor manera posible, la relación entre ambos estuvo marcada por altibajos, fue de todo menos fácil e idílica (de hecho: se podría definir como una relación conflictiva, dado el ingenio y el orgullo de la muchacha, que desembocaba necesariamente en enfrentamientos con su padre: sin embargo, el vínculo que unía a ambos era inevitable, también y sobre todo en el plano artístico, hasta el punto de que a veces resulta difícil para los historiadores del arte establecer a quién pertenece un cuadro, ya que en ciertos momentos sus maneras son bastante similares).

El episodio más conocido de la vida de Artemisia Gentileschi es el de la violación que sufrió a los dieciocho años a manos de Agostino Tassi (Ponzano Romano, 1580 - Roma, 1644), pintor de buena reputación, amigo de Orazio Gentileschi y colaborador suyo: La violación fue seguida de un proceso, y las actas del juicio han llegado hasta nosotros en su integridad, lo que nos ha permitido no sólo comprender cómo se desarrolló el asunto, sino que, a través de los testimonios e interrogatorios, también es posible espigar muchos detalles sobre la vida de los artistas implicados (por ejemplo, gracias a algunos testigos, se ha podido reconstruir con más detalle la relación entre Orazio y Artemisia Gentileschi). Agostino Tassi era un pintor de indudable talento pero de conducta poco ejemplar y con algunos antecedentes penales. El artista se había enamorado de la hija de su amigo y, según el relato de la propia Artemisia, el 9 de mayo de 1611 la muchacha fue agredida sexualmente por el pintor (además, durante el juicio, Artemisia relata la violación con gran crudeza y todo lujo de detalles). La violación era un delito penal en la época, y en este caso era tanto más grave cuanto que Artemisia había sido desflorada durante la violencia. Desgraciadamente, según la mentalidad de la época, la violación también se consideraba deshonrosa para la mujer que la sufría: sin embargo, la deshonra podía repararse en parte con un matrimonio. Así, Agostino Tassi prometió inicialmente casarse con Artemisia (aunque algunos especulan que la promesa pretendía evitar la condena). Artemisia creyó entonces en las promesas de Agostino y entre ambos nació una relación que duró unos meses, hasta que se descubrió que Agostino Tassi ya estaba casado. Tassi fue entonces denunciado por Orazio Gentileschi, y el juicio duró de marzo a noviembre de 1612 (Artemisia también tuvo que someterse a tortura porque, desgraciadamente, la justicia de la época creía que durante la tortura los interrogados decían la verdad), y el asunto terminó con una sentencia contra Agostino Tassi, que se vio obligado a elegir entre cinco años de trabajos forzados en las galeras papales y el exilio de Roma. El pintor eligió el exilio, aunque pudo regresar a Roma unos años más tarde porque era un pintor conocido y gozaba del apoyo de los poderosos. Tras el juicio, Orazio Gentileschi concertó un matrimonio para su hija con un joven pintor florentino de baja posición, Pierantonio Stiattesi, nueve años mayor que Artemisia, con quien la joven se trasladó a Florencia, poniendo fin al paréntesis más doloroso de su vida.

Simon Vouet, Retrato de Artemisia Gentileschi (c. 1623; óleo sobre lienzo, 90 x 71 cm; Pisa, Palazzo Blu)

Vida de Artemisia Gentileschi

Artemisia Gentileschi nació en Roma el 8 de julio, hija del gran pintor Orazio Gentileschi y de Prudenzia Montoni. Hacia 1606 comenzó su aprendizaje artístico en el taller de su padre. Hacia 1610 ejecutó su primera obra conocida, Susana y los viejos, que se conserva actualmente en Pommersfelden (Alemania). Aunque el lienzo está firmado y fechado, es objeto de debate, ya que la muchacha pudo contar con la ayuda decisiva de Orazio. En 1611, Artemisia sufrió violencia a manos del pintor Agostino Tassi, colega de su padre. Al año siguiente se abrió juicio contra Agostino Tassi y a finales de año fue condenado a pasar cinco años en las galeras papales o, alternativamente, al exilio perpetuo de Roma. Tassi eligió el exilio, pero pocos años después pudo regresar a Roma. En noviembre, Artemisia se casó con Pierantonio Stiattesi, un modesto artista florentino. En 1614, se trasladó a Florencia, donde disfrutó de la protección del gran duque Cosme II de Médicis y de su esposa, Cristina de Lorena. Hacia 1615, ejecutó laAlegoría de la Inclinación de la Casa Buonarroti para su amigo Miguel Ángel Buonarroti el Joven, y la Conversión de María Magdalena en el Palazzo Pitti. En 1616 fue admitida en la Accademia del Disegno de Florencia, donde permaneció matriculada hasta 1620, año en que abandonó Florencia y regresó a Roma.

En 1622 ejecutó el Retrato de un gonfaloniero, que se conserva en Bolonia, en el Palazzo d’Accursio. En 1627 se trasladó a Venecia y en 1630 se trasladó de nuevo, esta vez a Nápoles, donde ese mismo año ejecutó laAnunciación que hoy se conserva en el Museo Nacional de Capodimonte. Se convirtió en una de las personalidades artísticas más importantes de la ciudad napolitana, aunque expresó en repetidas ocasiones su deseo de regresar a Roma. Alrededor de ese mismo año ejecutó su famoso Autorretrato en pintura.

En 1635 ejecutó algunas obras para la catedral de Pozzuoli y al año siguiente, en 1636, se trasladó a Londres uniéndose a su padre Orazio, que había sido llamado a Inglaterra por el rey Carlos I a sugerencia del duque de Buckingham. Junto a su padre trabajó en el Triunfo de la Paz y las Artes para la Casa de la Reina en Greenwich (hoy se conserva en Londres, en Marlborough House). En 1639 Orazio murió en Londres y Artemisia, que había estado cerca de él en sus últimos días, regresó a Nápoles: no se movió de la ciudad de Campania en el resto de sus días. Sin embargo, se sabe muy poco de los últimos años de su actividad. En 1649 ejecutó algunas obras para Antonio Ruffo, un coleccionista de arte siciliano que fue uno de sus mejores mecenas durante su estancia en Nápoles. Después de 1653, el artista desapareció en Nápoles, pero desconocemos la fecha exacta de su muerte.

Artemisia Gentileschi, Susana y los viejos (1610; óleo sobre lienzo, 170 x 119 cm; Pommersfelden, Kunstsammlungen Graf von Schönborn)

Artemisia Gentileschi, Judith decapitando a Holofernes (1617; óleo sobre lienzo, 158,8 x 125,5 cm; Nápoles, Museo Nazionale di Capodimonte)

Estilo y principales obras de Artemisia Gentileschi

Las obras más famosas de Artemisia Gentileschi son las que pintó al principio de su carrera. La primera obra que se le atribuye, Susana y los viejos, es particularmente controvertida porque no se sabe con exactitud cuándo fue pintada (algunos dicen que fue pintada en 1610 y otros la consideran una obra posterior, algunos la atribuyen sólo a Artemisia y otros la consideran el resultado de una colaboración entre padre e hija). Es difícil arrojar toda la luz sobre este cuadro, aunque tiene una inscripción con la firma de Artemisia Gentileschi y la fecha de 1610. Hay quien sostiene que se trata de una treta utilizada por el padre, que supuestamente antedató el cuadro para demostrar lo buena que era su hija ya a una edad temprana. De esta obra se desprende hasta qué punto la joven estaba influenciada por la lección de su padre, pero ya en sus primeros años intentó liberarse de Horacio, proponiendo una interpretación personal del acontecimiento bíblico, en particular acentuando el aspecto doloroso de la historia, con Susana desesperada y horrorizada (obsérvese el realismo de su expresión). Se trata de una obra juvenil pero muy interesante, porque consigue implicar emocionalmente y logra comunicar todo el sentimiento de repugnancia de la protagonista y, al mismo tiempo, toda su preocupación e indignación. Si se trata de la representación de un triste asunto, de una violación, Judith decapitando a Holofernes ha sido interpretada por la crítica feminista como la venganza de la joven contra quien la violó. Existen dos versiones de esta obra, una realizada hacia 1612 y conservada en el Museo Nazionale di Capodimonte de Nápoles, y otra, similar pero con los personajes vestidos más suntuosamente, conservada en los Uffizi de Florencia (la versión florentina fue encargada por Cosme II de Médicis cuando la joven se trasladó a Florencia y, de hecho, los ropajes reflejan el gusto florentino de la época). Si la Susanna ya era una obra muy fuerte, ésta lo es aún más: es una obra brutal, que despliega una increíble carga de violencia, con una Judit que se abalanza sobre su rival para cortarle la cabeza. Obsérvese la sangre que mana profusamente sobre el colchón, y en la versión florentina se ven también las salpicaduras de sangre de la herida, y nótese también el detalle de la sierva, que según el relato bíblico no participó en la matanza, y aquí en cambio, por primera vez, se la representa ayudando a Judit a mantener quieto e inmóvil a Holofernes; por último, otro detalle que impacta muy fuertemente al espectador es la expresión de Holofernes. Se trata de un cuadro de clara influencia caravaggesca (se hace eco del cuadro homólogo de Caravaggio conservado hoy en Roma), hasta el punto de que es concebible que Artemisia conociera la obra de Caravaggio: sin embargo, en comparación con el cuadro de este último, el de Artemisia es mucho más violento.

El estilo de Artemisia cambiaría radicalmente a lo largo de su carrera: en el periodo florentino se volvió mucho más elegante y menos violento, hasta llegar a los años venecianos, cuando la manera de Artemisia se acercó a la de los grandes maestros que trabajaban en la laguna, como Tintoretto y Veronés. Particularmente ejemplar es el cuadro Ester y Asuero: una pintura que combina bien la formación caravaggesca de la pintora con la teatralidad y suntuosidad de las representaciones venecianas que tenían como tema acontecimientos de la Biblia. Y este es quizás uno de los cuadros más suntuosos de Artemisia Gentileschi, basta con ver los ricos trajes de los personajes, el vestido dorado de Ester, su corona, los finos adornos de las mangas blancas, el fajín azul, la túnica de Asuero (una túnica del siglo XVII con mangas abullonadas blancas y verdes), el sombrero de plumas, las hermosas botas, el trono decorado.

Los autorretratos también abundan en la producción de Artemisia, como el retrato en pintura, una obra maestra que data de alrededor de 1630 y se conserva en el palacio de Kensington, en Londres. Se trata de un cuadro muy original, porque Artemisia se retrata a sí misma de tres cuartos mientras trabaja: los pintores solían retratarse de frente o de perfil, y sobre todo se retrataban posando, y ella, en cambio, decidió romper con la tradición, pintándose con sus herramientas de trabajo en las manos, pinceles y paleta, mientras ejecuta un cuadro. Para representarse en esta pose, tuvo que recurrir a un juego de espejos y el resultado de esta representación sorprende al observador, que no esperaría un autorretrato en estos términos, muy realista, con las mangas de la artista arremangadas hasta el codo. En el autorretrato, Artemisia, como alegoría de la Pintura, lleva al cuello una cadena de oro con un colgante en forma de máscara: Para entender por qué se utilizaban determinados atributos, debemos remitirnos a laIconologia de Cesare Ripa, un tratado en el que se describen los atributos que poetas, pintores y escultores debían utilizar para representar todos los conceptos abstractos (como las virtudes y los vicios), Y entre estos conceptos estaba el de la pintura, que, según Cesare Ripa, debía representarse como una mujer hermosa, de pelo negro, con una cadena de oro de la que colgaba un colgante en forma de máscara, con un pincel en una mano y una paleta en la otra, así como una túnica iridiscente. La máscara, como explica el propio Cesare Ripa, es un símbolo de imitación, y la imitación está “unida a la pintura de forma inseparable”, como escribió Ripa. Sobre Artemisia, también te sugerimos leer la reseña de la exposición celebrada en Roma, en el Palazzo Braschi, entre 2016 y 2017.

Artemisia Gentileschi, Judith decapitando a Holofernes (c. 1616-1617; óleo sobre lienzo, 146,5 x 108 cm; Florencia, Uffizi).

Artemisia Gentileschi, Ester y Asuero (1628-1635; óleo sobre lienzo, 208 x 273 cm; Nueva York, Metropolitan Museum)

Artemisia Gentileschi, Autorretrato en pintura (1638-1639; óleo sobre lienzo, 98,6 x 75,2 cm; Londres, Kensington Palace)

Dónde ver las obras de Artemisia Gentileschi

El catálogo de Artemisia no es muy extenso: se conocen pocos cuadros suyos. Se pueden encontrar obras de Artemisia Gentileschi en los principales museos italianos. Los Uffizi conservan la segunda versión de Judit decapitando a Holofernes, mientras que en Florencia, el Palazzo Pitti alberga dos importantes obras del periodo florentino, a saber, la Conversión de la Magdalena y Judit con una sierva, y la Casa Buonarroti conserva laAlegoría de la Inclinación, pintada para el lugar que aún hoy la alberga. En Pisa, en la colección del Palazzo Blu, se puede admirar Clío, una representación de la musa de la historia, mientras que las colecciones del Palazzo d’Accursio de Bolonia albergan el espléndido Ritratto di gonfaloniere. En Roma, sus obras se encuentran en la Galleria Spada (Santa Cecilia y la Virgen joven con el Niño), mientras que para conocer a la Artemisia del periodo napolitano hay que ver las pinturas realizadas para la catedral de Pozzuoli entre 1636 y 1637 (San Genaro en el anfiteatro de Pozzuoli, los santos Próculo y Nicea, laAdoración de los Magos).

En el extranjero, la colección Graf von Schönborn de Pommersfelden conserva la primera obra atribuible a Artemisia Gentileschi, Susana y los ancianos: Otras obras suyas se encuentran en el Museo de Bellas Artes de Budapest(Jael y Sisara de 1620), en el Detroit Institute of Arts(Judith con la Sierva de 1625-1627), en el Metropolitan de Nueva York(Esther y Asuero de hacia 1628-1635), en el Prado de Madrid (el Nacimiento del Bautista de hacia 1633-1635), en el Kensington Palace de Lonra (Autorretrato en pintura, 1638-1639) y, también en Londres, en Marlborough House (Alegoría de la paz y las artes bajo la corona inglesa, 1638-1639, obra pintada junto a Orazio Gentileschi). Tres obras de Artemisia han aparecido recientemente en el mercado, adquiridas por otros tantos museos extranjeros: un Autorretrato como Santa Catal ina de Alejandría que ha pasado a formar parte de las colecciones de la National Gallery de Londres, una Lucrecia, comprada en 2021 por el Getty Museum de Los Ángeles, y una Santa Catalina de Alejandría que, en cambio, fue adquirida por el Nationalmuseum de Estocolmo.

Artemisia Gentileschi, vida y obra de la gran artista del siglo XVII

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