Antonio Canova, vida y obra del gran escultor del Neoclasicismo

El máximo exponente del neoclasicismo fue Antonio Canova (Possagno, 1757 - Venecia, 1822), que también puede considerarse el mayor escultor de su época. Fue un artista neoclásico bastante singular: a diferencia de muchos neoclasicistas franceses, como Jacques-Louis David, Canova no estaba comprometido políticamente sino que, por el contrario, creía que el arte debía permanecer independiente de presiones externas. Sin embargo, Antonio Canova no se privó de realizar numerosos retratos y encargos para sus poderosos mecenas, hacia los que no tenía prejuicios a pesar de que sus opiniones políticas eran diametralmente opuestas a las de su cliente. Canova es uno de los intérpretes más originales del neoclasicismo teorizado por Johann Joachim Winckelmann: en el escultor veneciano, el ideal de “noble sencillez y tranquila grandeza” del teórico alemán se transmite en obras alejadas de la frialdad glacial de los neoclasicistas nórdicos, como Bertel Thorvaldsen, y animadas en cambio por un sentimiento y una energía interiores controlados por el intelecto y la racionalidad.

Canova también es conocido por méritos que van más allá del arte “producido”: tras la caída de Napoleón en 1815, recibió de hecho el encargo de los Estados Pontificios de devolver a Roma y a los territorios bajo dominio papal las obras que habían sido saqueadas durante la ocupación francesa. Fue una misión diplomática muy delicada que tuvo éxito, ya que Canova devolvió a Roma la mayoría de las obras que habían llegado a Francia.

Artista moderado, de carácter tímido, muy religioso, Canova era visto por muchos ya en su época como el artista que había resucitado la antigüedad en la escultura y era considerado digno de ser comparado con los grandes escultores de la antigua Grecia: la belleza ideal de la escultura antigua había vuelto así a manifestarse en las obras del gran artista veneciano. Sus obras siguen figurando hoy entre las más apreciadas por el gran público por su equilibrio, su suavidad (una de las principales características del estilo de Canova) y su belleza intemporal. A lo largo de su carrera, Canova abordó diversos temas: mitológicos (probablemente sus esculturas más famosas, desdeCupido y Psique tumbados hasta las Tres Gracias), religiosos y retratos. El artista fue también pintor, y muchos de sus cuadros se conservan hoy en día. También se le puede considerar, en cierto modo, el primer artista “contemporáneo” en cuanto a su método de trabajo: de hecho, desarrolló una técnica que, mediante vaciados en yeso, hoy recogidos en varios museos (destacan la Gipsoteca Canoviana de Possagno, los Musei Civici de Bassano del Grappa y la Gipsoteca de la Accademia di Belle Arti de Carrara), le permitía replicar sus temas numerosas veces, para satisfacer las necesidades y gustos de una clientela cada vez más numerosa e importante. En definitiva, Canova fue uno de los artistas más hábiles, originales, modernos e innovadores de su época.

Biografía de Antonio Canova

Antonio Canova nació en Possagno, en el territorio de la República de Venecia, el 1 de noviembre de 1757, hijo de Pietro, definido por las fuentes como “cantero y arquitecto” (en realidad procedía de una familia de canteros) y de Angela Zardo. El joven Antonio perdió a su padre cuando sólo tenía cuatro años, en 1761, y fue confiado al cuidado de su abuelo Pasino Canova, escultor, con quien Antonio realizó también su primer aprendizaje. En 1766 se convierte en alumno de Giuseppe Bernardi Torretti y dos años más tarde se traslada a Venecia con su maestro. En 1773, tras la muerte de Bernardi Ferretti, Antonio se convirtió en alumno de Giovanni Ferrari. En los meses siguientes ejecutó los Canestri di frutta (cestos de fruta ) que hoy se conservan en el Museo Correr de Venecia, y que se suponen sus primeras obras autónomas. En 1776 terminó las dos estatuas de Orfeo y Eurídice que le había encargado el senador veneciano Giovanni Falier, y en 1777, con sólo veinte años, abrió su propio taller y se convirtió en artista independiente.

En 1779 fue elegido miembro de la Academia veneciana y ese mismo año ejecutó Dédalo e Ícaro. En noviembre inició una estancia en Roma que duró hasta junio del año siguiente. Al año siguiente, durante su estancia en Roma, realizó una breve visita a Nápoles y a finales de año regresó de nuevo a Roma y entró en contacto con el embajador veneciano Girolamo Zulian. En 1781, conoció a Antoine Chrysostome Quatremère de Quincy y siguió el Teseo de Zulian. En 1783, siendo ya un artista consagrado a pesar de su juventud, obtuvo el encargo del monumento funerario de Clemente XIV, que se terminó en 1787. Tras terminarlo, regresó durante algún tiempo a Nápoles, donde conoció al inglés John Campbell, quien le encargó su obra maestra más famosa, Cupido y Psique tumbados: la obra que hoy se conserva en el Louvre fue terminada en 1793. Ese mismo año comenzó a trabajar en el monumento funerario de Clemente XIII, que se inauguraría en 1792, año en el que el artista viajó entre el Véneto y Emilia. En 1794 ejecutó su famosa obra Venus y Adonis y al año siguiente el príncipe Onorato Gaetani le encargóHércules y Lyca. En 1798, tras la ocupación de Roma por Luis Alejandro Berthier y la instauración de la República Jacobina, los franceses le pidieron que jurase odio a los anteriores gobernantes. Se dice que Antonio se negó, pronunciando la frase en dialecto veneciano “mi no odio nissun”: el artista abandonó así la ciudad y regresó a su patria. En Possagno trabajó para la iglesia parroquial y el duque Alberto de Sajonia le encargó el mausoleo de María Cristina de Austria, destinado a la iglesia de los Agustinos de Viena. La obra se terminó en 1805.

Canova regresó a Roma en 1799 y en 1800 se convirtió en miembro de la Accademia di San Luca. En 1801 realizó un viaje a París, donde obtuvo varios encargos directos de Napoleón Bonaparte: en concreto, le encargaron varios retratos, entre ellos el busto-retrato de Napoleón(lea más sobre la obra aquí). Regresó a Roma a finales de año. En 1802, el nuevo Papa Pío VII le nombró Inspector General de Bellas Artes de los Estados Pontificios, mientras que en 1804 obtuvo otro nombramiento del pontífice, convirtiéndose en Director perpetuo de la Accademia del Nudo. En 1805 viajó a Viena para la inauguración del monumento a María Cristina de Austria, y probablemente también terminó en este año la estatua de Paulina Borghese Bonaparte como Venus Victrix. En 1807 conoció a Leopoldo Cicognara, del que se hizo buen amigo, y en 1809 se trasladó durante algún tiempo a Florencia, donde realizó el monumento a Vittorio Alfieri en la basílica de Santa Croce. En 1810 fue invitado de nuevo a París para convertirse en escultor de la corte, pero Antonio lo rechazó. Sin embargo, viajó a Francia para realizar la estatua de la emperatriz María Luisa. Ese mismo año fue nombrado presidente de la Accademia di San Luca.

En 1811, el gran escultor terminó una de sus obras más famosas, la Venus itálica, y al año siguiente empezó a esculpir el grupo de las Tres Gracias, que terminó en 1816. En 1815, tras la caída de Napoleón, los Estados Pontificios le encargaron viajar a París para recuperar las obras de arte robadas durante los años de ocupación francesa. A pesar de varias dificultades, el artista consiguió recuperar muchas obras. Ese mismo año realizó una breve visita a Londres. En 1816 regresó a Roma y comenzó a trabajar en el monumento ecuestre a Carlos III de España, que terminó en 1820 (puede admirarse en la Piazza del Plebiscito de Nápoles). En 1818 estuvo en Possagno, donde comenzó las obras del Templo de Possagno, también conocido como el Templo de Canova, que sin embargo no se inauguraría hasta 1830, después de su muerte. Regresó a Roma al año siguiente y en 1820 permaneció por última vez en Nápoles, donde recibió el encargo de pintar el monumento ecuestre a Fernando I. Sin embargo, no llegó a terminar la obra. En 1822, tras una estancia en Possagno, emprendió el camino de regreso a Roma, pero desapareció en Venecia el 13 de octubre. Sus restos descansan en el Templo de Possagno, mientras que su corazón se encuentra en el Monumento Funerario a Antonio Canova en la Basílica dei Frari de Venecia.

Las obras maestras y el estilo de Antonio Canova

Tras su juventud en Venecia, época en la que Canova, gran admirador de Gian Lorenzo Bernini, había realizado obras todavía teñidas de gusto barroco tardío (como Dédalo e Ícaro, obra de 1778-1779 conservada en el Museo Correr de Venecia), su traslado a Roma marcó un cambio de rumbo decisivo para el artista, y la primera obra Teseo y el Minotauro puede considerarse la primera obra neoclásica del artista, con Teseo, el héroe griego que vence al monstruoso ser mitad hombre y mitad toro, que no es representado en el momento del enfrentamiento, sino al final, mientras medita sobre su adversario vencido para simbolizar la victoria de la inteligencia sobre la fuerza bruta. Se trata de una obra plenamente neoclásica, ya que Teseo es representado no sólo como un héroe apuesto, de proporciones armoniosas e ideales, sino también como un hombre que no se deja dominar por sus impulsos. El propio Minotauro, además, es representado por Canova con un cuerpo equilibrado que no perturba al observador. Se trata, pues, de la primera obra de la que se filtra la lección de la estatuaria clásica, que se había convertido en el principal punto de referencia del artista. Teseo y el Minotauro garantizó un gran éxito al joven Canova, hasta el punto de que poco después se le encargó el monumento funerario de Clemente XIV, la primera de las obras del género funerario que garantizaron una gran fortuna al artista véneto: Conservada en la Basílica de los Santos Apóstoles de Roma, la obra, aunque sigue siendo deudora de la estatuaria de Bernini (el esquema compositivo es de hecho el de los monumentos funerarios de Gian Lorenzo Bernini), se aleja de ella por su mayor compostura y la ausencia total del dinamismo de la escultura barroca. El género se renovará más tarde, por ejemplo con el Monumento funerario de María Cristina de Austria, donde Canova reflexiona sobre el camino de la humanidad hacia la muerte, simbolizado por el avance de las figuras hacia la tumba, con la original utilización de una pirámide donde se sitúa el sepulcro, hacia el que se dirigen las figuras, dispuestas según una rigurosa escansión.

La concepción de la obra maestra más famosa de Canova, Cupido y Psique yacentes, reinterpretación del mito narrado por Apuleyo y particularmente en boga en el arte del siglo XVIII, se remonta a 1787 (aunque la obra se terminó en 1793): El artista representa el momento en que Cupido, amante de Psique, despierta con un beso a la joven ninfa, que ha caído en un profundo sueño como consecuencia de un castigo que le ha infligido Venus (los dos personajes están representados en el momento en que sus labios se tocan). Es una de las esculturas más admiradas de la historia del arte por la originalidad de su composición, por la intensidad del momento que, sin embargo, está controlada de manera sobria, por los efectos luminosos, por la suavidad con la que Canova esculpe el mármol(lea aquí un artículo detallado sobre Cupido y Psique acostados). Sin embargo, Canova no es un artista que sólo represente amores lánguidos y cuerpos blandos. En el Creugante y el Damosseno, estatuas de dos antiguos boxeadores, el artista ofrece al observador una idea de la fuerza, el poder y la virilidad de estos dos personajes, que son representados por Canova en el momento culminante de su combate, aunque siempre controlados.

Una de las pocas obras en las que el artista trasciende su intención de controlar plenamente las pasiones es la deHércules y Lica: aquí, el semidiós está a punto de arrojar con fuerza bruta a la joven Lica, responsable de haberle traído, por orden de Deianira (la celosa esposa de Hércules), una túnica empapada en la sangre del centauro Neso, que provocaba fuertes dolores a su portador. Hércules, para vengarse, se vuelve contra Lica: es una de las muy raras obras en las que el sentimiento prevalece sobre la razón, pero a pesar de ello la composición está cuidadosamente equilibrada, con los cuerpos de los dos personajes describiendo dos arcos perfectos y opuestos. Obras como éstas suscitaron críticas contra Antonio Canova, especialmente por parte de los neoclasicistas del norte de Europa, que no aceptaban obras tan alejadas de los ideales de “noble sencillez y tranquila grandeza”. Canova destacó entonces en el género del retrato, realizando imágenes idealizadas de los sujetos que posaban para él.

El retrato más conocido de Canova es el de Napoleón Bonaparte, del que se han realizado numerosas réplicas, y el de Pauline Borghese como Venus Victrix, conservado en la Galería Borghese. El encargo se originó en 1802, cuando el artista recibió el encargo de pintar un retrato de Napoleón y algunos retratos idealizados de miembros de su familia, entre ellos el de Pauline Bonaparte, hermana de Napoleón y esposa de Camillo Borghese. Paulina es representada por Canova desnuda y recostada sobre una chaise-longue: se trata de una obra que remite a la tradición veneciana de las Venus recostadas, actualizada sobre el repertorio de la estatuaria clásica (Canova probablemente se fijó incluso en las urnas etruscas), donde la belleza del sujeto es celebrada a través de una representación idealizada como diosa del amor. El artista logra aquí un equilibrio extraordinario entre naturalidad y belleza ideal, así como entre acción y control, produciendo una de las obras maestras más conmovedoras de la historia del arte. La misma emoción anima la obra maestra de la madurez de Canova, las Tres Gracias, encargada por un acaudalado cliente inglés, John Russell, sexto duque de Bedford, que había visitado el taller de Canova en Roma en 1814 y había quedado impresionado. La obra, ejecutada a partir de un único bloque de mármol de Carrara y anticipada en cierto modo por la Venus italica (la maravillosa escultura realizada como compensación tras el traslado de la Venus de los Médicis a Francia durante los expolios napoleónicos: Se trata de una escultura en la que Canova retoma la iconografía clásica de la Venus pudica), representa la danza de las Gracias, representadas por Antonio Canova como tres mujeres desnudas que se abrazan lánguidamente y se rozan en una acción que muchos consideraron cargada de erotismo manifiesto (característica que los críticos más intransigentes no admitían). La elegancia de la escultura, la finura de la factura del mármol y la delicada belleza de las tres mujeres hicieron de esta escultura una de las más apreciadas de la producción de Canova.

La técnica y el taller de Canova

“Canova”, escribió Francesco Hayez en sus memorias, "hacía su modelo en arcilla; luego lo fundía en yeso y confiaba el bloque a sus jóvenes alumnos para que lo desbastaran, y entonces comenzaba el trabajo del gran maestro. [...] Llevaban las obras del maestro a tal grado de acabado que se diría que estaban terminadas: pero aún debían dejar un pequeño espesor de mármol, que luego era trabajado por Canova más o menos según lo que este ilustre artista creía que debía hacerse. El taller constaba de muchas salas, todas llenas de modelos y estatuas, y todo el mundo podía entrar. Canova tenía una habitación apartada, cerrada a las visitas, en la que sólo podían entrar quienes hubieran obtenido un permiso especial. Vestía una especie de bata de cámara, llevaba un gorro de papel en la cabeza, siempre tenía el martillo y el cincel en la mano, incluso cuando recibía visitas; hablaba mientras trabajaba, y de repente interrumpía su trabajo, volviéndose hacia las personas con las que conversaba’.

Antonio Canova es conocido por la técnica con la que consiguió realizar numerosas réplicas de sus obras maestras. La primera etapa era la realización del modelo de escayola, la herramienta que le permitía reproducir las obras en múltiples copias, pero incluso antes de la escayola estaba el dibujo (Canova también es conocido por haber sido un prolífico dibujante), a partir del cual se hacía un boceto en terracota, que luego se trasladaba a la escayola. En los moldes de yeso se fijaban pequeños clavos, llamados "repere", que los colaboradores de Canova utilizaban para tomar medidas y proporciones, mediante un pantógrafo (estas medidas se transferían después al mármol). Por esta razón, muchos de los vaciados de yeso de Canova aparecen llenos de agujeros: eran aquellos en los que Canova introducía el “repere” para transferir las medidas al mármol y reproducir las obras en múltiples copias. Este trabajo lo realizaban colaboradores en eltaller: Canova, como los artistas actuales, suministraba dibujos y modelos y, una vez concluida la fase de ejecución, terminaba la obra puliéndola o rematándola con detalles.

Dónde ver las obras de Antonio Canova

Las obras de Canova se conservan en museos de todo el mundo. Aunque es posible hacerse una idea de toda la carrera del artista visitando una gipsoteca que contenga una importante colección de sus vaciados en yeso (como la de Possagno, la más importante y completa, o las de Bassano del Grappa y Carrara), no hay museos que reúnan mármoles pertenecientes a más de una fase de la carrera de Antonio Canova. Para ver sus obras en mármol es necesario, por tanto, viajar mucho. El viaje puede comenzar en Roma y Ciudad del Vaticano, para ver los monumentos de los papas y las esculturas de los Museos Vaticanos (el Creugante, el Damosseno y el Perseo trionfante). Roma también alberga a Paulina Borghese como Venus Victrix, en la Galería Borghese, mientras que la Galería Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo cuenta conHércules y Licaeus. En Florencia se puede admirar la Venus itálica (Galleria Palatina del Palazzo Pitti), mientras que en Génova, en el Palazzo Tursi, está la maravillosa Magdalena(lea más sobre la obra aquí). También está la famosa Hebe, conservada en los Museos San Domenico de Forlì, y reproducida en otros ejemplos en Berlín, el Hermitage de San Petersburgo y Chatsworth House en Inglaterra. La Galería Nacional de Parma, por su parte, acoge a María Luigia de Habsburgo como Concordia. Tres obras importantes se encuentran en el Museo Correr de Venecia. Se trata de obras tempranas: la Cesta de frutas, Orfeo y Eurídice y Dédalo e Ícaro.

En el extranjero, además del Louvre donde reposan Cupido y Psique, se conservan esculturas de Canova en Berlín (la Bailarina con címbalos en el Museo Bode), en Viena (el Monumento funerario a María Cristina de Austria en la iglesia de San Agustín y Teseo y el Centauro en el Kunsthistorisches Museum) en Ginebra (elAdonis y Venus en el Musée d’Art et d’Histoire) y en Londres (Teseo y el Minotauro en el Victoria and Albert Museum y Napoleón como Marte Pacificador en el Wellington Museum). Numerosas obras se encuentran también en el Hermitage de San Petersburgo: es aquí donde se conserva la primera versión de las Tres Gracias, pero el museo ruso alberga también otras importantes obras maestras (sobre todo elCupido alado y la Bailarina con las manos en las caderas).

Antonio Canova, vida y obra del gran escultor del Neoclasicismo

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