Andy Warhol: vida y principales obras del padre del Pop Art

Andy Warhol (Pittsburgh, 1928 - Nueva York, 1987) fue una figura emblemática de la pintura estadounidense, padre del Pop Art. Pintor, escultor, fotógrafo, cineasta y productor de bandas, cambió la idea misma del artista, que por primera vez se convirtió en su propio empresario. Tímido y obsesionado con la idea de considerarse feo, Warhol estaba dotado de unas dotes de comunicación poco comunes y de una gran capacidad de observación, habilidades todas ellas que le permitieron transformar su vida y construirse una imagen de "estrella " antes que de artista.

Su vocación artística nació de niño cuando, tras una grave enfermedad, su madre le regaló un kit de dibujo. Comenzó a trabajar en Nueva York como diseñador gráfico publicitario en revistas como: Vogue, Harper’s Bazar y Glamour. Fue desde el mundo de la publicidad desde donde llegó al arte, desarrollando un lenguaje impersonal destinado a realizar un tipo de arte que fuera un registro “objetivo” de la realidad. Para ello, así como para iniciar una producción en serie de sus obras (la serialidad es una de las señas de identidad del arte de Andy Warhol), el artista estadounidense utilizó técnicas de producción industrial como la serigrafía sobre lienzo (técnica de impresión artística que utiliza como matriz un soporte textil, de acero o de nailon).

Warhol también es conocido por haber creado la Factory, un lugar donde confluían artistas emergentes y las superestrellas de la época, que también se hizo famoso por sus fiestas vanguardistas (de hecho, se decía que una fiesta sin Andy Warhol no era realmente una fiesta). Sin embargo, detrás de esta “estrella” se escondía una personalidad mucho más tímida y esquiva. Por un lado, el hombre y sus debilidades; por otro, el artista que lleva una máscara para mantener las distancias con el mundo.

Andy Warhol fotografiado por Jack Mitchell

Vida de Andy Warhol

Andy Warhol, seudónimo de Andrew Warhola, nació en Pittsburgh el 6 de agosto de 1928, siendo el menor de los tres hijos de Ondrej Warhola y Júlia Justína Zavacká, ambos inmigrantes checoslovacos. Enseguida demostró su talento artístico y estudió arte publicitario en el Carnegie Institute of Technology de su ciudad natal. Tras graduarse se trasladó a Nueva York: la metrópoli le ofreció excelentes oportunidades para establecerse en el mundo de la publicidad, ya que le dio la oportunidad de trabajar para revistas como Vogue y Glamour como ilustrador. En 1952 Warhol expuso por primera vez, en la Hugo Gallery de Nueva York, con quince dibujos inspirados en los escritos del escritor Truman Capote , con quien mantendría una larga amistad. Ese mismo año, su madre, Julia Warhola, se trasladó a Nueva York, donde viviría con su hijo hasta 1971. El artista mantuvo una relación muy profunda con su madre, considerada una de las personas más influyentes en su vida y que trabajó estrechamente con Andy. Dos años más tarde, realizó su primera exposición individual en la Loft Gallery, también en la Gran Manzana.

A principios de la década de 1960, Warhol realizó sus primeros dibujos dedicados al mundo del cómic y la publicidad. Es importante señalar que en estos años la escena artística estadounidense estaba dominada por el actionpainting, una técnica en la que el color goteaba espontáneamente, otras veces se arrojaba sobre el lienzo. El artista explotaba el “azar” y la obra no surgía de un plan a priori, sino de un proceso de improvisación. Warhol se apartó de todo esto y optó por reproducir la realidad que le rodeaba de la forma más fría y distante posible, industrial y estandarizada. Una fuerte influencia sobre él fue la exposición que vio en la Galería Leo Castelli del artista pop estadounidense Roy Lichtenstein ( Nueva York, 1923 - 1997), a quien entonces no conocía pero por quien quedó profundamente fascinado. En 1962 empezó a utilizar la técnica de la serigrafía sobre lienzo y llevó hasta sus últimas consecuencias el principio de la reproductibilidad ilimitada de la obra de arte. También cambió los temas de sus obras: sopas en cajas, botellas de Coca-Cola y detergentes. La década de 1960 fue la de la consolidación de Warhol: en 1962 expuso por primera vez sus latas de sopa Campbell’s en la Ferus Gallery de Los Ángeles, y dos años más tarde expuso en la Leo Castello Gallery de Nueva York. Durante este periodo, expuso algunas obras en elSalomon R. Guggenheim de Nueva York y en la Washington Gallery of Modern Art, y mientras tanto un artículo de Time le citaba como “artista pop”. Estos fueron, de hecho, los inicios del Pop Art.

Los espacios de la casa de Andy ya no eran suficientes para contener una actividad creativa en auge, así que en 1964 instaló su estudio en el 231 de East 47th Street, en el gran local que más tarde se llamaría Factory: un centro de producción artística no muy alejado del espíritu de los talleres medievales, donde el maestro convivía con sus alumnos y les mostraba lo que debían y podían hacer. De aquí pasaron las mentes más brillantes y abiertas de la ’Gran Manzana’, como los cantantes Jim Morrison, Bob Dylan y David Bowie, el escritor y actor Truman Capote, o los artistas Jean-Michael Basquiat y Keith Haring. Todos ellos colaboraron en serigrafías y litografías. Fue en la Factory donde se rodaron las primeras películas de Warhol, como Sleep and Eat (1963), en la que un poeta duerme durante seis horas, o Empire (1964), que retrata la misma imagen del rascacielos Empire State Building durante ocho horas. Esto también dio lugar a producciones cinematográficas de cierto éxito de público, como Trash (1969), sobre la vida de jóvenes drogadictos.

En 1965 llegó la primera exposición parisina, Flowers (1964), en laGalería Ileana Sonnabend, en la que Andy se describía a sí mismo como “un artista retirado” que estaba pensando en dedicarse al cine. Unos años más tarde, en 1968, Warhol fue herido de bala por la feminista Valerie Solanas. El incidente dañó todos los órganos internos principales del artista y marcó profundamente su vida, como relató su amigo y asistente Pat Hackett: “desde aquel 3 de junio del 68 Andy se considera oficialmente un hombre ’de vuelta de todo’”. En la década de 1970, Andy empezó a recibir un gran número de encargos externos de retratos. Entre sus clientes se encontraban los cantantes Mick Jagger, John Lennon, Diana Ross y las actrices Brigitte Bardot y Liza Minelli. Durante este periodo, publicó un grabado que representaba a Richard Nixon (en aquel momento candidato presidencial contra George McGrove), con la inscripción “Vote McGroven”, una referencia explícita a la contienda electoral presidencial en curso. A partir de esta postura, Andy estuvo constantemente sometido al escrutinio del International Revenue Service, es decir, la agencia tributaria estadounidense. En 1975 se publicó The Philosophy of Andy Warhol (from A to B and Back Again), un libro repleto de citas del “rey del pop” sobre el amor, el sexo, la belleza, el tiempo y la muerte, y poco después el artista realizó los famosos Autorretratos con calaveras (1978) y las series Shadows (1978) yOxidation Paintings (1978). A principios de la década de 1980, el artista estadounidense empezó a trabajar en algunos programas de televisión: Fashion, en el que una vez a la semana conversaba durante media hora con amigos de la Factory, pero también con artistas emergentes y nuevas estrellas del rock; también estaba Andy Warhol’s TV, en el que Andy estaba paradójicamente ausente; a partir de 1985 estudió un programa para la cadena de televisión MTV, titulado Andy Warhol’s Fifteens Minutes, que en el título retomaba la más famosa de sus máximas: “en el futuro todo el mundo será mundialmente famoso durante 15 minutos”. El “Rey del Pop” falleció el 22 de febrero de 1985 a la edad de 52 años debido a complicaciones derivadas de una operación de vesícula biliar. Tras el funeral, en el que la artista Yoko Ono pronunció un discurso, su cuerpo fue enterrado junto al de su familia en un cementerio de las afueras de Pittsburgh, su ciudad natal.

Andy Warhol, Marilyn Monroe (1967; serigrafía, 91,5 x 91,5 cm)

Andy Warhol, Brillo Box (1964; polímeros sintéticos y serigrafía sobre madera, 43,3 x 43,2 x 36,5 cm; Nueva York, MoMA)

Andy Warhol, Campbell’s Soup Cans (1962; acrílico y esmalte sobre lienzo, 32 paneles, 50,8 x 40,6 cm cada uno; Nueva York, MoMA)

El arte y la obra de Andy Warhol

La característica principal de las obras de Andy Warhol, lo que le hizo famoso, fue la serialidad con la que representó objetos y personas que se convirtieron en iconos del modo de vida estadounidense. El artista se planteaba ante el mundo como una máquina que registraba fría e impersonalmente la realidad que le rodeaba, por lo que la mejor manera de expresarlo artísticamente era utilizar la técnica de la serigrafía, la única que le permitía los efectos de la objetividad, ya que no era necesario el “toque del artista”. Utilizó sistemas mecánicos (la máquina no puede mentir) para recuperar el mecanicismo y la serialidad de toda la vida del siglo XX. Andy Warhol es el caso ejemplar para entender lo que ocurrió en los años 60 y para ello, como el propio artista decía, sólo hay que mirar la superficie de sus obras. Las obras del artista estadounidense se convirtieron en auténticos iconos: de Marilyn Monroe a Mao Tse-Tung y muchos otros. Para Warhol, la técnica de ejecución era más importante que el propio acto de creación, y la técnica se convirtió en un proceso industrial. La actriz y diva Marylin Monroe fue uno de los sujetos más conocidos de los retratos de Warhol, que tras su muerte y consciente de su importancia en el imaginario colectivo, comenzó a interesarse por ella. El artista, partiendo de una famosa fotografía de la diva, reprodujo una serie de imágenes “separadas” mecánicamente, como reza el título Shot Orange Marylin (1964).

En realidad no se trataba de un verdadero retrato, sino de una reproducción de su imagen pública, la que difundían los medios de comunicación para complacer a sus admiradores. Lo que le interesaba a Warhol era la forma en que se transformaba la comunicación, y el propio artista nunca adoptó una postura ética: de hecho, no se sabe lo que pensaba en privado (Warhol fue, de hecho, uno de los artistas más ambiguos de la historia del arte). Pintaba, como dijo en una entrevista, “lo que se ve todos los días”, pero también lo que la persona o la cosa, se convierte en objeto de adoración colectiva. Igualmente famosa es la serie Muerte y catástrofes, de la que forman parte accidentes de coche como White car Crash 19 Time (1963): la imagen sobre el fondo blanco del lienzo conserva los pocos y distintos colores industriales de la reproducción fotográfica de baja calidad del periódico del que está tomada, y es precisamente la reiteración en serie lo que cambia el significado expresado por la imagen original, convirtiéndola en un motivo casi “banal”. Por otra parte, el contenido trágico de la imagen ya se había debilitado con la circulación masiva en todos los periódicos: la imagen pronto se olvidaría, y sería sustituida por imágenes “listas para consumir”, con la misma velocidad frenética con la que se consume una sopa enlatada o una Coca-Cola. La primera serie de la sopa Campbell data de 1962: la instalación consta de treinta y dos cuadros idénticos del mismo tamaño. El estilo del cuadro es básicamente una secuencia idéntica de un módulo que se repite treinta y dos veces. El uso del color es importante para entender el significado de la obra: las latas de sopa Campbell’s están impresas sobre un fondo blanco que resalta el objeto y lo convierte en un icono absoluto de la modernidad. El artista creó imágenes monumentales que pasaron a formar parte de la vida cotidiana de la gente, en este caso productos de supermercado, así como cajas de Brillo (1964-68), convirtiéndolas en iconos de la vida americana. En sus obras, Andy reducía al mínimo la participación emocional.

Fiel a su función de “grabador”, Warhol también trató con la misma frialdad la imagen de Jacqueline Kennedy, esposa de John Kennedy. El asesinato del presidente estadounidense adquirió también una dimensión simbólica a través de la figura de la primera dama, Jacqueline, cuyas imágenes del momento del magnicidio dieron la vuelta al mundo. Warhol registró una vez más el estado de ánimo de su sociedad y convirtió a Jackie en un nuevo icono. El artista trabajó especialmente en dos imágenes, una antes del intento de asesinato Jackie III (1966), y otra después Lavender Jackie (1966), documentando así un antes y un después, cuyo dolor no sólo afectó a la viuda de Kennedy, sino que alcanzó a todo el país. El artista se limitó a elegir y exaltar las imágenes que consideraba relevantes porque, independientemente de sus implicaciones ideológicas o idealistas, acompañaban e influían así en la vida de todos. El mismo enfoque se reservó para la figura mítica de Mao Tse-Tung. En este caso, el artista eligió la imagen habitual del “Gran Timonel”, la publicada en la portada del Pequeño Libro Rojo (una antología de citas de sus escritos y discursos), y la repitió innumerables veces. La singularidad de esta imagen era que el máximo representante de un imperio comunista como China se convertía en un icono muy difundido en un país tan simbólico del capitalismo como Estados Unidos.

Convertido él mismo en mito, Warhol construyó su icono del mismo modo que construiría un retrato. Partiendo de una foto del fotógrafo Malcolm Kirk (la serigrafía Self-portrait de 1967), el artista estadounidense posa de tres cuartos, mirando a la cámara con expresión absorta, la mano apoyada en la barbilla y los dedos índice y corazón en la boca. Reforzando la impronta enigmática de la imagen estaba el uso de la técnica de la serigrafía que permitía al artista dejar la mitad del rostro en la sombra y hacerlo casi invisible. Andy no volvió a la práctica del autorretrato hasta finales de la década de 1970, periodo en el que aparecieron gráficos en los que el rostro del artista se duplica y triplica, como en Autorretrato (1977). La reflexión constante sobre el yo y la imagen llegó en 1981, cuando el artista produjo Las sombras (1981), la suma de todo su trabajo sobre la autorrepresentación. La serie de Polaroids preparatorias muestra cómo el artista estaba atento a la construcción de la obra, y el propio título subraya el hecho de que el centro de interés para Warhol es la sombra y no el cuerpo que la crea. La práctica del distanciamiento emocional y laimpersonalidad era una parte fundamental de la poética de Warhol: sin embargo, no es menos cierto que los temas nunca se elegían al azar e inducían diferentes reacciones en el espectador. Composiciones como Most wanted man no.1, Jhon M. (1964), Elecrtic Chair (1971) y Knives (1981), representaban el lado oscuro de la propia sociedad que produce los bienes de consumo y el dinero para comprarlos. Sobre todo, ocuparon el mismo espacio dentro de los medios de comunicación de masas que las estrellas del cine y la política, y se solaparon con ellas, mezclándose sin diferenciación alguna. Los famosos “15 minutos de fama” pueden tocar incluso al asesino más buscado de Estados Unidos o al desafortunado y anónimo protagonista de un accidente de tráfico.

A veces puede ocurrir que la portada del disco se haga más famosa que las canciones que contiene: éste fue precisamente el caso de la portada que Andy Warhol diseñó para el grupo The Velvet Underground, del que también se convirtió en productor. En 1966, Lou Reed fundó The Velvet Underground y el grupo se incorporó a la Factory del padre del Pop Art, que financió su primer álbum, lo que permitió al grupo establecerse en la escena musical neoyorquina como uno de los más innovadores. La fruta amarilla de la portada del álbum de debut de la Velvet Underground se convirtió en un icono. La fruta diseñada por el artista, que en las primeras ediciones se podía “pelar”, haciendo aparecer un plátano de color rosa, aparecía como una clara provocación del artista. El álbum que salió a la venta en 1967 pronto se convirtió en objeto de culto entre los coleccionistas de vinilos y arte, y hoy tiene un valor que ronda los dos mil dólares. La fotografía fue la base de la pintura de Andy Warhol, de hecho, la mayoría de sus obras nacieron de ellas, algunas tomadas directamente por él otras sacadas de periódicos y luego reelaboradas. Otras fotos, sin embargo, permanecieron como tales y se convirtieron en una especie de testimonio de su vida social, de sus encuentros con famosos y de la vida cotidiana en sus innumerables aspectos. Entre las Polaroids más famosas está la que retrata al artista Joseph Beuys (1979), o Autorretrato con John Lennon y Yoko Ono (1971). También hay una obra que encierra todos los mitos: Mitos (1981), que a primera vista podría parecer un cuadro bastante extravagante. En el extremo derecho, en el décimo cuadro, encontramos a Andy Warhol mirando fijamente a la izquierda. Es la única persona real entre los nueve mitos, que según el artista son la Bruja Mala del Oeste de El Mago de Oz¸ Drácula, la Mami de la película Lo que el viento se llevó, Greta Garbo, Papá Noel, Superman y otros. Aunque estos mitos sólo aparecen en la televisión, en el cine o en los cómics, el artista estadounidense reconocía que desempeñaban un papel importante en la vida de la gente, y para él no era extraño aparecer junto a ellos. Por último, Autorretratos (1986), fue la última versión de retratos que el artista creó antes de su muerte y fue definida como una de las más icónicas.

Warhol también hizo una importante contribución al cine, cuyas producciones tuvieron lugar en la Factory. Empire (1965) presenta uno de los rascacielos más famosos de Nueva York, elEmpire State Building, contra un cielo lleno de nubes. La película dura ocho horas, desde el atardecer hasta el amanecer, la imagen fija del edificio se muestra continuamente y el espectador no puede evitar “desear” que se produzca el más mínimo cambio. C helsea Girl (1966) dura más de tres horas: en la pantalla se proyectan dos películas al mismo tiempo. Todas las experiencias y lenguajes se alternan: color y blanco y negro, mudo y sonoro, inmovilismo y dinamismo desenfrenado. La película no tiene una verdadera narrativa formal, sino que presenta a los distintos residentes del hotel Chelsea de Nueva York en 1966: un drogadicto que discute consigo mismo y no con los demás, dos chicas lesbianas en la cama, una chica que toma LSD, un grupo de homosexuales, etc. Al elegir el cine, es como si Warhol eligiera una nueva herramienta para liberarse de las normas y las leyes.

Andy Warhol, Sin título (Mao) (1972; serigrafía sobre papel, 91,44 x 91,44 cm; Milán, Colección Teresa y Michele Bonuomo)

Andy Warhol, Flores (1964; litografía edición de 300, 55,8 x 55,7 cm; Nueva York, MoMA)

Andy Warhol, Hoz y martillo (1977; pintura y polímeros sintéticos y serigrafía sobre lienzo, 182,9 x 218,4 cm; Roma, Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea)

Dónde ver las obras de Andy Warhol

En 1993 se construyó en Pittsburgh, su ciudad natal, un museo dedicado íntegramente a Andy Warhol. El museo alberga la mayor colección de obras de arte y material de archivo del artista estadounidense. Pinturas, dibujos, ilustraciones comerciales y fotografías abarcan toda la carrera de Warhol, desde sus primeros trabajos como estudiante hasta sus pinturas Pop Art. Si nos quedamos al otro lado del Atlántico, en el MoMa (Museo de Arte Moderno) se pueden ver algunas de sus obras más famosas, como Flowers (1964) y Marilyn Monroe (1967). En el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York están los autorretratos de 1986 Electric Chairs (1964) y Orange Disaster (1963). Otras obras como Skulls (1976), Liz Taylor (1965) o Gun (1981) se encuentran en la Tate Modern de Londres.

Las obras de Andy Warhol se encuentran en varios museos de todo el mundo, incluida Italia: la serialidad con la que el artista creaba sus obras ha dado lugar a la generalización de los múltiplos, que también suelen ser objeto de grandes exposiciones y pueden verse a menudo en ferias de arte moderno.

Andy Warhol: vida y principales obras del padre del Pop Art

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