Andrea del Sarto: vida y obra del pintor sin errores

De Andrea del Sarto (Andrea d’Agnolo di Francesco di Luca di Paolo del Migliore Vannucchi; Florencia, 1486 - 1530), Giorgio Vasari dijo que era el pintor capaz de crear figuras “sin errores”: sus figuras eran “de una perfección suprema”, ya que la principal característica de Andrea del Sarto era su capacidad para crear siempre composiciones formalmente impecables, armoniosas y bien equilibradas: un estilo pictórico clásico, que marcó escuela (durante siglos los artistas, incluso los grandes, copiaron sus obras para aprender a dibujar) y que, con sus colores luminosos y sus efectos de luz, también constituyó una base indispensable para los primeros pintores manieristas. Andrea del Sarto trabajó casi siempre en Florencia, formado en el taller de Piero di Cosimo (Pietro di Lorenzo; Florencia, c. 1461 - 1522), pero pronto pasó a estudiar los modelos más actuales, a saber, los de Leonardo da Vinci y Rafael Sanzio. Lejos de la monumentalidad de su contemporáneo Fra’ Bartolomeo (a quien sin embargo se acercó en las últimas etapas de su carrera), fue capaz de crear composiciones siempre dotadas de gracia, elegancia y equilibrio.

Vasari vuelve a relatar en sus Vidas que Andrea, a la edad de siete años, fue enviado al taller de un orfebre tras haber estado durante algún tiempo en una escuela de letras. Sin embargo, parece que el joven Andrea se sentía mucho más a gusto dibujando que manejando las herramientas del oficio de orfebre, y esta habilidad fue advertida por un pintor casi desconocido hoy en día (un tal Giovanni Barile), quien le sugirió que abandonara el arte de la orfebrería para dedicarse en su lugar a la pintura. Dados los grandes progresos de Andrea en el taller de Giovanni Barile, éste le presentó a Piero di Cosimo, uno de los más grandes artistas de la Florencia de la época, y así pasó a su taller. Andrea, todavía en el taller de Piero di Cosimo, tuvo la oportunidad de estudiar los cartones de Leonardo y Miguel Ángel para el Salone dei Cinquecento (lea más sobre la Batalla de Cascina de Miguel Ángel aquí y más sobre la Batalla de Anghiari de Leonardo aquí), cuando se expusieron en la Sala del Papa de Santa Maria Novella, en el convento: el encuentro con los dos grandes artistas fue importantísimo para Andrea del Sarto, ya que tras una primera fase ligada a la tradición florentina, su arte viraría hacia el del Renacimiento maduro, especialmente el de Leonardo y Rafael.

Parece ser que el joven Andrea, en la Sala del Papa, conoció a Franciabigio (Francesco di Cristofano; Florencia, 1484 - 1525), otro importante artista de la época, y se hizo su amigo, y Vasari cuenta una anécdota: se dice que Andrea del Sarto le confió a Franciabigio que estaba cansado de las ya famosas rarezas de carácter de Piero di Cosimo, y que quería liberarse de su maestro. Franciabigio, que en cambio era alumno de Mariotto Albertinelli, le dijo que él también sentía esa necesidad, así que los dos artistas decidieron dejar sus talleres y montar uno juntos, y juntos trabajaron la primera parte de sus carreras. Así comenzó la carrera de uno de los más grandes artistas del Renacimiento maduro.

Andrea del Sarto, Autorretrato (1528-1529; fresco desprendido, 51,5 x 37,5 cm; Florencia, Galería de los Uffizi, Corredor Vasari)

La vida de Andrea del Sarto

Andrea d’Agnolo (su nombre completo es Andrea d’Agnolo di Francesco di Luca di Paolo del Migliore Vannucchi) nació el 17 de julio de 1486, hijo de Agnolo, que era sastre de profesión (de ahí el nombre por el que ahora se conoce universalmente al artista) y de Costanza di Silvestro, hija de un sastre. El hermano de Andrea, Francesco d’Agnolo, conocido como lo Spillo, se convertiría más tarde también en pintor, aunque no al nivel de Andrea. Fue aprendiz del pintor semidesconocido Giovanni Barile, pero pronto pasó al taller de Piero di Cosimo. También se formó copiando las obras de Miguel Ángel y Leonardo da Vinci. En 1508, lo encontramos inscrito en elArte dei Medici e degli Speziali, el gremio profesional al que estaban afiliados los artistas. Alrededor de ese mismo año, realizó las primeras obras que han llegado hasta nosotros, entre ellas laIniciación de Ícaro en el palacio Davanzati. En 1509, los frailes del convento de la Santissima Annunziata de Florencia encargaron a Andrea el ciclo de frescos del Chiostrino dei Voti: las pinturas, cuyo tema son las Historias de San Felipe Benizzi, se terminaron en 1510, y otros dos frescos(El viaje de los Reyes Magos y la Natividad de la Virgen) se añadieron en 1511 y 1514 respectivamente.

En 1515, Andrea comenzó a trabajar en el Chiostro dello Scalzo, donde se dedicó a un ciclo decorativo con las Historias del Bautista, terminadas en 1526. Una de sus obras maestras más conocidas data de 1517: la Virgen de las Arpías, pintada para la iglesia de San Francesco dei Macci y actualmente en la Galería de los Uffizi. Ese mismo año contrajo matrimonio con Lucrezia di Bartolomeo del Fede, que más tarde se convertiría en modelo de sus obras. En el mismo periodo, realizó las pinturas para la cámara nupcial Borgherini: las Historias de San José (LaInfancia y José interpreta los sueños del faraón). Al año siguiente, Andrea del Sarto viajó a Francia, donde trabajó para el rey Francisco I: de las obras realizadas al otro lado de los Alpes, sólo queda la Caridad , conservada en el Louvre. En 1519, Andrea regresó a Florencia, reanudó los trabajos en el Chiostro dello Scalzo y comenzó el fresco del Tributo al César en la Villa Medicea de Poggio a Caiano: quedó inacabado y fue terminado por Alessandro Allori. Ese mismo año, recibió el encargo de pintar laÚltima C ena para el convento de San Salvi. Sin embargo, la Última Cena de San Salvi no se terminaría hasta diez años más tarde, en 1529.

Poco después, en 1523, estalló una epidemia de peste en Florencia y el artista, para huir de ella, se trasladó primero a Mugello, donde ejecutó una de sus principales obras maestras, la Piedad de Luco (hoy en el Palacio Pitti), y luego tal vez fue a Venecia. Regresó a Florencia al año siguiente, y en 1525 volvió a trabajar en la Santissima Annunziata, donde pintó el fresco de la Madonna del Sacco. En 1528 pintó el Retablo de Vallombrosa para Giovanni Maria Canigiani, general de la orden de Vallombrosa, destinado a la abadía de Vallombrosa (hoy se encuentra en los Uffizi). Pintó su última obra en 1530, el Retablo de Poppi, para la iglesia de San Fedele en Poppi, Casentino. El artista murió ese mismo año, en Florencia, entre el 28 y el 29 de septiembre, durante una epidemia de peste que estalló durante el asedio de Florencia.

Andrea del Sarto, Virgen de las Arpías (1517; óleo sobre tabla, 207 x 178 cm; Florencia, Galería de los Uffizi)

Andrea del Sarto, Piedad de Luco (1523-1524; óleo sobre tabla, 238 x 198 cm; Florencia, Galería Palatina, Palacio Pitti)

El estilo y las principales obras de Andrea del Sarto

Un viaje para descubrir el arte de Andrea del Sarto puede comenzar a partir de la obra maestra de la primera fase de su carrera, la Virgen de las Arpías. Fue encargada por las monjas del convento de San Francesco dei Macci de Florencia en 1515. La fecha de 1517, año en que Andrea terminó la obra, está inscrita en la base sobre la que descansa la Madonna. Más tarde, en 1703, el príncipe Ferdinando de’ Medici, al ver el retablo con motivo de una visita al convento, quedó tan fascinado por él que propuso a las monjas financiar la restauración de la iglesia a cambio del cuadro, que pasó a formar parte de las colecciones de los Medici, primero en el palacio Pitti y más tarde en los Uffizi. El extraño nombre de “Madonna de las arpías” deriva del hecho de que Vasari interpretó las figuras de la base del trono de la Madonna como dos arpías, pero en realidad son langostas: en elApocalipsis de Juan, este término se utiliza para indicar seres que tenían pelo de mujer, dientes de león, corazas de hierro, alas y cola de escorpión. El primero en llegar a esta intuición fue el historiador del arte Antonio Natali, que explicó estas figuras relacionándolas con la presencia de San Juan, el santo de la derecha, autor del Apocalipsis. El otro santo, a la izquierda, es San Francisco, el santo del convento de las monjas comitentes. El cuadro da una idea del rasgo estilístico típico de Andrea del Sarto: el artista, en particular, fusiona a los tres grandes del Renacimiento maduro, a saber, Leonardo, Rafael y Miguel Ángel, logrando, sin embargo, un grado de madurez y armonía entre los distintos elementos que aún no había alcanzado. Los personajes se caracterizan por la gracia rafaelesca (véase, por ejemplo, el rostro de San Juan, modelado a partir de los rostros de Rafael), como rafaelesca es la Madonna, mientras que el sentido de grandeza y monumentalidad deriva de Miguel Ángel, y el uso de la técnica del sfumato, que alcanza aquí una de las cimas en el arte de Andrea del Sarto, remite directamente a Leonardo da Vinci. La composición es simétrica, tradicional, compuesta y serena, alcanzando esa perfección formal tan alabada por Giorgio Vasari, hasta el punto de hacerle escribir que las figuras de Andrea del Sarto son “sin error” y “de una perfección suprema”.

Otro cuadro clave para entender la poética de Andrea del Sarto es la Piedad de Luco: se supone que fue ejecutado tras un plausible viaje a Venecia, porque el paisaje ha cambiado considerablemente respecto a los que el pintor había pintado hasta entonces. En particular, el paisaje se vuelve más natural y recuerda los que se ven en los cuadros de artistas como Giorgione y Tiziano Vecellio: la gruta del sepulcro de la izquierda, en particular, recuerda ciertas soluciones giorgionescas, como el acantilado que se ve en el famoso cuadro de los Tres Filósofos conservado en Viena. Los colores también parecen recordar la lección del tonalismo veneciano, ya que son mucho más cálidos y brillantes en el primer plano y tienden a enfriarse a medida que se avanza hacia el fondo del cuadro (son características típicas de la pintura tonal). En cambio, el esquema está tomado de Perugino, y en particular de su Lamentación sobre Cristo muerto, pintado para el convento de Santa Chiara de Florencia y conservado hoy en el palacio Pitti: el esquema es idéntico, al igual que la pose de Cristo, en el centro con su busto sostenido por San Juan. La obra de Andrea del Sarto, sin embargo, es mucho más moderna: frente a menos dulzura y menos idealización, no sólo se advierte un paisaje más natural, sino también expresiones más estudiadas y más veraces, así como rasgos mucho más naturalistas, en los que se ocultan verdaderos retratos (por ejemplo, Santa Catalina tiene los rasgos de la comitente de la obra, Caterina di Tedaldo della Casa, abadesa del convento de San Pedro para quien estaba destinada la obra). Aquí la referencia es bastante obvia, ya que la santa es la que lleva el nombre del patrón. Sin embargo, también hay una gran dulzura en ciertas partes de esta composición de Andrea del Sarto, como el rostro de María Magdalena, que manifiesta un dolor muy sereno y digno, y tiene bellos rasgos de una belleza natural, no etérea, y en esto se puede entrever la influencia de Leonardo.

Entre las últimas obras de la carrera del artista se encuentra el Retablo de Vallombrosa: se trata de un dossal, es decir, un retablo realizado a partir de una sola tabla. Los santos representados son, a la izquierda, San Miguel Arcángel y San Juan Gualberto, mientras que a la derecha están San Juan Bautista y San Bernardo de los Uberti, y en el centro hay dos ángeles más un hueco dejado por un compartimento que se ha perdido. San Juan Gualberto fue el fundador de la orden vallombrosiana y San Bernardo degli Uberti uno de los monjes vallombrosianos más importantes. En los últimos años de la carrera de Andrea del Sarto, se advierte una aproximación a la manera de Fra Bartolomeo, ya presente en la Piedad de Luco, puesto que Fra Bartolomeo también había ejecutado una Piedad en tonos similares. Esta aproximación permite a Andrea del Sarto dar una mayor monumentalidad a las figuras, que aquí destacan únicamente sobre un cielo azul. La pose de San Jacopo, similar a la de los santos que aparecen en otros cuadros posteriores de Andrea del Sarto, muestra cómo el artista tendía a repetir los mismos esquemas en la última parte de su carrera, aunque con gran modernidad y naturalidad, como demuestran las poses y las miradas de los dos hermosos niños. La repetición de los patrones vuelve también en la última obra de Andrea del Sarto, el Retablo Poppi, obra de 1530 del Palacio Pitti, donde el registro compuesto se divide en dos partes idénticas, la superior con la Virgen en lo alto de las nubes, y la inferior con los santos (Bernardo degli Uberti, Fedele di Como, Santa Catalina de Alejandría y San Juan Gualberto). En este cuadro, además, se aprecia una mayor yuxtaposición de los colores suaves pero brillantes del arte de Pontormo.

Por último, cabe mencionar una de sus obras maestras más conocidas, la Última Cena en San Salvi: la obra le fue encargada en 1511, cuando el abad del convento de San Salvi, Ilario Panichi (monje vallombrosiano), decidió encomendar la tarea a Andrea del Sarto, quien, no obstante, comenzó a trabajar en ella en 1519 para terminarla en 1529, pero cabe suponer, dados los documentos que han llegado hasta nosotros, que la realización del fresco de la Última Cena se concentró hacia mediados de la década de 1520. También se cuenta una anécdota sobre esta obra maestra: durante el infame asedio de Florencia en 1530, cuando los soldados imperiales sitiaron la ciudad para hacer desistir a los republicanos y permitir así el regreso de los Médicis (el emperador Carlos V y el papa Clemente VII, nacido Giuliano de’ Médicis, se habían aliado de nuevo tras el saqueo de Roma, y el emperador se aseguró de que la ciudad de Florencia volviera a estar bajo el control de los Médicis), muchas de las obras fuera de las murallas de Florencia fueron destruidas, pero los soldados perdonaron la obra de Andrea del Sarto porque estaban fascinados por su belleza. La ÚltimaCena de Andrea del Sarto es una obra de considerable importancia porque demuestra la recepción en Florencia de las innovaciones introducidas por Leonardo con su cenáculo milanés, el de Santa Maria delle Grazie(lea más sobre la obra aquí), en cuanto a la representación de las emociones de los personajes. Observamos, por tanto, que Andrea del Sarto realiza un estudio de la representación psicológica de los personajes, aunque la carga dramática aparece mucho más atenuada en comparación con la de Leonardo: esto se debe a que un dramatismo excesivo no era en absoluto compatible con los cánones de perfección formal y clasicismo de un artista como Andrea del Sarto. Su narración es por tanto menos trágica pero más intimista, la traición de Judas ya no se convierte en motivo de fuerte asombro como en la de Leonardo, sino que casi se convierte en motivo de reflexión: si Leonardo se había centrado en los sentimientos fuertes, si se podía leer un asombro que también daba lugar a acaloradas discusiones como la de los tres últimos apóstoles de la derecha, el sentimiento que prevalece en Andrea del Sarto es en cambio la tristeza, la amargura: es esta característica la que hace grande este fresco y al mismo tiempo lo diferencia del de Leonardo da Vinci. Sin embargo, casi como para restar importancia al acontecimiento, el artista inserta también un detalle nuevo y original, el de los dos criados que miran por encima de la balaustrada, uno de los cuales, además, ni siquiera parece interesado en la escena y mira hacia otro lado. Por último, aunque los apóstoles están caracterizados individualmente, ninguno de ellos pierde la gracia y la compostura clásica que caracterizaban el arte de Andrea del Sarto. El fresco de laÚltima Cena se encuentra bajo un gran arco que fue decorado por el artista con cinco medallones: el del centro representa a la Trinidad, mientras que los otros cuatro llevan representaciones de otros tantos santos patronos de la orden vallombrosiana. Sin embargo, el conjunto que alberga el fresco fue musealizado en 1981.

Andrea del Sarto, Historias de la infancia de José (c. 1515-1516; óleo sobre tabla, 98 x 135 cm; Florencia, Galería Palatina, Palacio Pitti)

Andrea del Sarto, Retablo de Vallombrosa (aprox. 1528-1529; óleo sobre tabla, 200 x 250 cm; Florencia, Galería de los Uffizi)

Andrea del Sarto, Última Cena (1519-1529; fresco, 525 x 871 cm; Florencia, Museo del Cenacolo di Andrea del Sarto)

Dónde ver las obras de Andrea del Sarto

Las principales obras de Andrea del Sarto se encuentran en Florencia, concentradas en una zona bastante restringida del centro histórico. En los Uffizi se encuentran varias obras maestras, como la Virgen de las Arpías, la Dama con cesta de husos, en la Galería Palatina del Palazzo Pitti se pueden contemplar las Historias de José, la Disputa de la Trinidad, el Retablo Vallombrosa, la Piedad de Luco, laAsunción Panciatichi, el Retablo Gambassi y otras obras se encuentran en el Palazzo Davanzati, el Museo Nacional de San Marcos y el Museo de Orsanmichele, sin olvidar los lugares sagrados: como el Chiostrino dei Voti en la basílica de la Santissima Annunziata y el Chiostro dello Scalzo. La Última Cena de Salvi no sólo alberga laÚltima Cena, su fresco más grande e importante, sino también dos obras tempranas, el Noli me tangere y los Cinco Santos. Otro fresco importante es el Tributo al César, realizado por Alessandro Allori, visible en la Villa Medicea de Poggio a Caiano. Pocos museos italianos fuera de Florencia conservan obras suyas: uno de los más importantes es la Virgen juvenil con el Niño y San Juan en la Galleria Borghese de Roma, mientras que la Galleria Nazionale d’Arte Antica del Palazzo Barberini conserva la Sagrada Familia Barberini.

Varias de sus obras se encuentran fuera de Italia: el Louvre, el Kunsthistorisches Museum de Viena, el Prado de Madrid, la National Gallery de Londres, el Hermitage de San Petersburgo, la Gemäldegalerie, la National Gallery of Canada de Ottawa y el Museum of Art de Cleveland son algunos de los museos que conservan sus obras.

Andrea del Sarto: vida y obra del pintor sin errores

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