El arte es la capacidad de abrirse a los demás y al mundo". La conferencia completa de Jeff Koons en la Academia Carrara

Publicamos a continuación la transcripción íntegra, traducida del inglés, de la conferencia que Jeff Koons pronunció el martes 16 de abril de 2019 en la Accademia di Belle Arti di Carrara con motivo de la concesión del título de Académico Honorario de la institución carraresa.

Es estupendo estar hoy aquí, y es emocionante porque todos estamos aquí para celebrar la vida y su devenir. Recuerdo que cuando era niño, tendría unos tres o cuatro años, tuve una experiencia: mis padres me vieron dibujando medio desnudo en el suelo, y me dijeron “qué bien, sigue así”. Tengo una hermana mayor, tres años mayor, que en aquella época era mejor en todo: saltar a la comba, contar, hablar, pronunciar bien incluso las palabras difíciles. En resumen, sabía hacerlo todo mejor que yo, y cuando dibujaba, y mis padres me felicitaban, me daba cuenta de que yo también había encontrado por fin mi camino y un ámbito en el que podía destacar. Esta experiencia nos lleva de nuevo al desarrollo del sentido del yo, y quizás cada uno de nosotros haya experimentado algo similar de una forma u otra.

Así que, gracias a mis padres, fui a clases de arte hasta el final del instituto, y así aprendí a hacer dibujos de flores, paisajes y cosas así. Pero no tenía ni idea de lo que podía ser realmente el arte. Claro, sabía que el arte tenía reglas (piensa en la perspectiva), pero ¿se podía llamar arte a esto? En mi opinión, esto no es arte, sino aprender una técnica. Fui a la Academia de Baltimore, Maryland, y uno de los primeros días de clase nos llevaron en autobús a visitar el Museo de Arte de Baltimore. Cuando vi las obras de aquella famosa colección, me di cuenta de que no sabía nada de arte. No sabía, por ejemplo, qué era el Barroco, nunca había oído hablar de Cézanne y de muchos otros artistas: aquella experiencia me abrió los ojos. Y me di cuenta de que muchos de mis compañeros no sobrevivieron a ese momento. El hecho de estar aquí significa que lo he conseguido: es decir, he logrado entender que el arte no es técnica, no es conocimiento, sino que es aquello a lo que puedes contribuir con tu creatividad, tu sentimiento, tu historia personal. Muchos aspirantes a artistas nunca aprenden a creer lo suficiente en sí mismos, no se sueltan, no se abren lo suficiente. Pero eso es lo único importante a la hora de acercarse al arte: tienes que abrirte completamente al arte, tu historia son tus cimientos. Es como los cimientos de un edificio. No puedes utilizar el bagaje cultural de otras personas, tienes que referirte al tuyo y abrirte completamente al arte para ser productivo. No hay nada más satisfactorio que encontrar una base en uno mismo. Y esta experiencia, como he dicho, me hizo darme cuenta de que realmente no sabía nada de arte. Es como cuando ves un partido de fútbol: puede que te emociones, pero no entiendes nada. Así que volví a la Academia con estos conocimientos, y recuerdo muy bien la primera clase de historia del arte de uno de mis profesores, que me abrió aún más los ojos con un cuadro de Manet, Olympia. Cuando mi profesor empezó a hablar de cómo Manet había pintado su Olympia, a hablar de la posición de la Olympia, de los pliegues, del simbolismo, de lo que había detrás del ramo de flores o del gato negro, nos hizo darnos cuenta de las referencias culturales y políticas de la Francia del siglo XIX. En realidad, el arte trasciende, nos reconecta con el resto de la humanidad, con todas las disciplinas del conocimiento humano, psicología, sociología, historia, filosofía, física... todo es arte, es algo que te permite abarcar todas las disciplinas y trascenderlas.

Así que quería formar parte del arte, quería adquirir un poder, y para conseguirlo empecé a desarrollar una iconografía personal, que para mí es un vocabulario que te permite controlar tus sentimientos y emociones. Siempre me han gustado el dadaísmo y el surrealismo, y cuando estaba en la universidad me dedicaba a crear imágenes que dieran libre expresión a mis sueños, en los que me inspiraba. También en aquella época me interesaba mucho el psicoanálisis de Jung y la filosofía de Nietzsche, que hablaban de un mundo interior, pero era consciente de que ese mundo no debía explorarse como tal. Ya me sentía bastante seguro de mí mismo, así que más bien quería abrirme al mundo exterior, realizar no un diálogo interior conmigo mismo, sino un diálogo con el resto del mundo. Después de la Academia de Bellas Artes me trasladé a Nueva York, y en aquella época mi única expresión artística era la pintura. También había aprendido a esculpir, pero nunca había probado la escultura. En algún momento me di cuenta de que mis cuadros empezaban a ser tan pesados y grandes que las obras que colgaban en mi estudio desafiaban las leyes de la gravedad, y al colocarlas directamente en el suelo empezaron a convertirse en obras escultóricas. Y más tarde empecé a interesarme por crear obras como conejitos y flores hinchables. Pero no hay que verlas como objetos en sí: se convierten en obras de arte en el momento en que entran en relación contigo, porque están hechas con una superficie espejada, y dependiendo de cómo te muevas tienes estímulos diferentes. Las obras estimulan, excitan, mueven un interés, y el verdadero arte reside en lo que las obras estimulan en ti. Esto es lo que me interesaba encontrar. Además, los hinchables están relacionados con la respiración humana: por tanto, están inflados con energía vital, y también me fascinaba la dicotomía con la muerte, representada por el momento en que los globos se desinflan.

Después de crear los hinchables, creé otra serie llamada Lo nuevo, una referencia a los objetos cotidianos de Duchamp ya fabricados, pero que no debían usarse, para que fueran nuevos para siempre. En este caso la primera dicotomía es entre lo orgánico y lo inorgánico: los humanos nos desgastamos, y el objeto que no se usa permanece ahí, intacto, nuevo. Por supuesto, hay muchas fuentes de inspiración (por ejemplo, yo era un enamorado del cubismo y de Picasso), además tenía la ventaja de que era muy joven. Cada edad tiene su belleza, y una de las más fantásticas es la suya. A tu edad, en torno a los 20-25 años, hay un tipo de intuición diferente, que es muy impulsiva, hay una mayor velocidad de pensamiento, hay energía, hay entusiasmo que cultivar, y cada uno de vosotros debería utilizar esta energía, porque es extraordinaria y te hace sentir vivo. Una verdadera inmersión en la vida.

Ese fue el periodo en el que cultivé esta pasión por el ready-made: trabajé hasta finales de los años 70 en hinchables y ready-mades, que representan un desafío, algo que permanece eterno, y que nos hace reflexionar sobre nuestra vulnerabilidad, sobre la fragilidad de nosotros, los seres humanos. Luego me di cuenta de que con La nueva serie había dado voz sobre todo a un mundo femenino, pero en realidad también me acerqué a algo más masculino, llegando al ciclo Equilibrio, con las pelotas de baloncesto vacías sumergidas en una especie de acuario, que permanecen perfectamente equilibradas (y esto desde mediados de los años ochenta). Además de representar una relación masculina con el objeto, Equilibrium es algo metafísico que nos recuerda una vida fetal, una vida anterior al nacimiento, un poco como el feto en el útero, que puede ser algo atemporal, que nos hace pensar en el aquí y ahora, en el momento, pero también en lo que pasa después de la muerte. Además, volviendo a la serie The New, también elegí las aspiradoras porque nos hacían pensar en los años 50, lo que también me hizo pensar porque siempre me han interesado las ventas. Cuando era niño también fui vendedor (iba de puerta en puerta vendiendo chocolate y papel de regalo), y lo que más me intrigaba era el momento en el que el vendedor llama a la puerta. Cuando llamabas a la puerta no sabías quién te iba a abrir: no sabías quién iba a estar allí, no sabías si iba a ser un hombre o una mujer, no sabías qué olores iban a salir de la puerta, cómo iba a abrir la puerta esa persona. Este contacto con la humanidad fue para mí el comienzo de la práctica de la aceptación y de la capacidad de aceptar. La vida está hecha de muchas necesidades mutuas, de los demás, no sólo existen las propias: esta toma de conciencia me llevó a la idea del Equilibrio.

Y al crear los distintos ciclos, las distintas obras, siempre me he dejado llevar. Cuando creé el conejo hinchable, seguí mis intereses, mis deseos, pensé en lo que me producía curiosidad, lo que me entusiasmaba. Y así di con esa figura que luego se convirtió en todo un icono de mi arte: la idea era hacer algo que explotara de generosidad. La generosidad es muy importante. El arte es una actividad generosa, hay que ser generoso con uno mismo y con los demás para ser artista. No somos nada sin generosidad: es cierto que el arte satisface en primer lugar las propias necesidades de generosidad, pero luego hay un tirón, un impulso superior, que te lleva a satisfacer las necesidades de la comunidad, de los demás. Es como llevar a casa mucha comida, sabiendo que no puedes comértela toda: ¿no es mejor compartirla con los demás? El arte es generosidad. Y los objetos no son más que un vehículo, independientemente de lo que sean y del hecho de que puedan parecer triviales, como las baratijas un poco kitsch que tu abuela puede haber guardado en su mesilla de noche. No importa, mientras te inspire algo, te haga sentir algo, te haga sentir bien, te haga disfrutar, pensemos en un recuerdo de la infancia, por ejemplo cuando de niño te acercabas a la mesilla de noche de tu abuela para mirar sus baratijas. A la abuela le gustaba, y tú tienes un recuerdo agradable? Esto es arte, es la relación que estableces con los objetos y los sentimientos que esta relación despierta en ti. Esta idea también dio origen a la serie Banalidad, en la que empecé a trabajar en los años 80, cuando pasé mucho tiempo en Italia. Con esta serie quería comunicar a la gente que, sea cual sea su historia, esa historia es perfecta, siempre es buena. Lo que importa es tu cuerpo, tu mente, lo que te ocurre, entrar en contacto con tu esencia, eso es el arte. El arte es la esencia de tu potencial.

Me di cuenta de algo parecido visitando iglesias y monasterios. Era una experiencia casi dramática, sentías realmente la trascendencia, y yo quería que mis obras comunicaran de la misma manera. Pero quería que todo el mundo sintiera lo mismo, así que elegí temas populares que pudieran comunicar a todo el mundo. Para comunicar, todo vale. La propia historia, el propio pasado: tenemos que aceptar nuestra historia. Somos lo que somos por nuestro pasado y nuestra experiencia, y si hay algo que te despierta alegría o placer, está bien, porque nos reconecta con la espiritualidad y la trascendencia. Todo esto se puede encontrar, por ejemplo, en la escultura de Michael Jackson, que me recuerda a la escultura renacentista, con sus formas piramidales que recuerdan a la Piedad de Miguel Ángel, pero también a Tutankamón, por ejemplo, y sin duda habla a todo el mundo porque Michael Jackson es una figura popular. Y con estas obras quería hablar de una manera que evocara un sentimiento para todo el mundo.

Después de Banality trabajé en Made in Heaven y en Puppy, una obra que representa a un pequeño perro en forma gigante hecho de 65.000 tipos diferentes de plantas, que simbolizan las muchas decisiones que hay que tomar cuando tienes que hacer algo. Me interesaba este aspecto del control, cómo mantenerlo todo bajo control, pero también cómo soltarlo todo para que la naturaleza se haga cargo. Las plantas, una vez liberadas, son gestionadas por la naturaleza. Y aquí vuelve a aparecer el concepto de polaridad: mantener todo bajo control y luego soltarlo. Un poco como nuestro perrito cuando viene a vernos al llegar a casa, que está bajo nuestro control porque le llamamos, pero que sigue ejerciendo su voluntad y es libre de no venir a vernos si quiere.

También está ligada a este razonamiento la idea de que el arte no es sólo lo creado por el artista, sino también lo creado por el espectador de la obra de arte. Corresponde al espectador completar lo que hay detrás de una obra. Como artista, tienes la oportunidad de crear un contexto y llevar a alguien hacia un determinado punto de vista, pero tienes que hacerlo de manera que ese punto de vista despierte algo en el espectador, que complete la obra según su potencial. Todo esto nos lleva de nuevo a los aspectos del control. El control no es algo totalmente negativo: si no actuáramos sobre nosotros mismos con control y disciplina, no podríamos hacer nada. El control es una polaridad, y siempre hay un ámbito en el que el control no es posible: este ámbito son las relaciones humanas. Y el arte es también la capacidad de reflexionar sobre las relaciones humanas.

El concepto de polaridad también surge del Balloon Dog, el globo hinchable. Sabemos que está hecho de un material que no dura mucho, no es algo hecho para durar, por ejemplo. En sí mismo tiene un valor simbólico, que me recuerda al filósofo John Dewey, que describe la vida como un organismo influido por el mundo exterior, pero no de una manera, sino de dos. El globo es un símbolo de optimismo, pero también nos representa a nosotros, tiene tantos significados y tantas referencias, que se remontan a la prehistoria, que nos hablan de descubrimiento y observación. Cada uno de nosotros tiene su propio vocabulario que tiene que encontrar y que lleva consigo y que desarrolla y realiza. A mí, por ejemplo, el conejo hinchable me recuerda a la reina Nefertiti con su perfil muy estilizado, casi regio. Lo mismo ocurre con la escultura que reproduce una plastilina gigante: no es definible, pero me recuerda un juego al que jugaba mi hijo Ludwig, al que le di una bolsa de plastilina, y un día creó un montículo bastante informe, que me recordó a una obra de arte. Esto también recuerda la idea de suspender el juicio: intenté replicar esto (casi como si fuera mi hijo el que me enseñara) haciendo algo así pero muy grande, que tiene que ver con el siglo XX, elarte abstracto y el psicoanálisis freudiano.

Otra obra que me gustaría mencionar es la serie Antigüedades, que hace referencia a mi amor por la cerámica del siglo XVIII. Lo que me gusta de esta obra de acero inoxidable es que juega con las gradaciones de tonos, que también cambian según el punto de vista, y por tanto es una obra que se activa en el momento en que la miras. Para mí también representa el tiempo, me hace pensar en cuando era niño y comía copos de maíz y cereales y me quedaba encantado mirando el envoltorio, las gradaciones de colores de la caja estimulaban mi imaginación. Un poco como la música, es como la música expresada visualmente: la música te hace olvidar el tiempo, porque en el momento en que te quedas atrapado escuchando te olvidas del tiempo, y con esta obra quiero representar eso.

Todas las obras de las que he hablado hasta ahora eran ready mades, objetos banales, cotidianos y familiares. Pero hay que ir más allá: estas obras representan el hecho de que, en mi opinión, tenemos que suspender el juicio, eliminarlo de nuestro vocabulario, suprimir las jerarquías. Esto nos permite primero aceptarnos a nosotros mismos y abrirnos a los demás, y después aceptar a los demás. El arte significa suspender el juicio para celebrar a las personas. Ese es también el papel del artista: suscitar la capacidad de abrirse a los demás. Hay gente que cree que lo hace, pero en realidad no lo hace porque tiene miedo y se burla de sí misma. En la Academia, muchos de mis compañeros, diría que el 90%, no continuaron con este tipo de estudios, porque realmente no se abrían al arte, tenían miedo. Yo, en cambio, siempre intento mirar a mi alrededor, y para no perderlo todo tengo que aceptarlo todo, a mí mismo y a los demás. Esto es el arte: la capacidad de abrirse a los demás y al mundo. El arte me permite buscar un diálogo, una implicación física, como cuando visito obras barrocas (por ejemplo, la capilla Sansevero de Nápoles, o las obras de Bernini). El arte forma parte de nosotros mismos, de nuestro ADN, es nuestra vida cultural, es un diálogo continuo. El arte también nos cambia a nivel genético, nos influye de manera profunda y total. Estas líneas culturales cambian nuestras vidas y corren a nuestro lado, convirtiéndonos en personas diferentes de las que somos. El arte celebra el pasado, el presente y el futuro, el arte nos ayuda a encontrar sentido a la vida. Yo, con mi arte, siempre he intentado ser partícipe. Y esto creo que es lo que significa ser un artista contemporáneo.

El arte es la capacidad de abrirse a los demás y al mundo". La conferencia completa de Jeff Koons en la Academia Carrara

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