El laberinto de Robert Morris en la Fattoria di Celle: ¿un viaje entre el arte y la vida?

¿Qué ocurre cuando uno de los artistas contemporáneos más importantes diseña un... laberinto? Para averiguar la respuesta, tenemos que ir a la Fattoria di Celle di Santomato, a las afueras de Pistoia, el lugar donde Giuliano Gori dispuso su importante colección de arte medioambiental, la Colección Gori: es aquí donde se encuentra el Laberinto de Robert Morris, una de las obras más famosas de la colección. Gori ya había empezado a coleccionar en los años 50, pero la Fattoria di Celle, el lugar donde su colección encontraría su hogar definitivo, se abrió al público el 12 de junio de 1982: el Laberinto ya formaba parte del itinerario.

Realizada en 1982, la obra de Robert Morris (Kansas City, 1931 - Kingston, 2018), uno de los pioneros, teóricos y máximos representantes del minimalismo, es una de las instalaciones más fascinantes y simbólicas de la Colección Gori, que vincula la experiencia física del visitante con un profundo significado existencial.

El laberinto, que Morris realizó tras pasar varios meses en la Toscana precisamente con la intención de afinar su obra (incluso el lugar donde se ubica la estructura, un prado de suave pendiente, fue elegido por el artista), está construido con materiales locales como mármol blanco y mármol serpentina, combinados con cemento, con una forma que recuerda a un triángulo equilátero de 15 metros de lado y 2,1 metros de altura. Exteriormente, se distingue por franjas blancas y verdes que recuerdan el estilo de las iglesias románicas toscanas. Esta elección estilística no es casual, sino que pretende conectar la obra con la arquitectura histórica de la zona, creando un diálogo visual entre pasado y presente. El laberinto de Morris, como muchas otras obras de la Colección Gori, está de hecho fuertemente vinculado al paisaje que lo acoge. La Fattoria di Celle siempre ha procurado ofrecer un contexto ideal para este tipo de obras in situ, donde el arte se convierte en parte integrante del paisaje natural y dialoga continuamente con el territorio. La obra, con sus referencias a la arquitectura local y a la naturaleza circundante, se integra así armoniosamente en el parque, creando una relación entre lo artificial y lo natural, el pasado y el presente, la interioridad humana y el mundo exterior.

Desde el punto de vista estructural, el laberinto no presenta las características típicas de los laberintos clásicos, como callejones sin salida o rutas alternativas. En su lugar, Morris ha diseñado un recorrido lineal, sin variantes, que serpentea oblicuamente, reflejando el concepto de un viaje que, a pesar de las elecciones personales, siempre conduce a un único destino final. La única variante con respecto a los laberintos clásicos es la presencia de ascensos y descensos, razón por la que Morris eligió terrenos inclinados para su obra. También éstos son símbolos de lo que uno se encuentra en la vida. Una estructura, por tanto, que pretende ser muy evocadora: el recorrido por el laberinto representa una metáfora del camino de la vida, con momentos de fácil descenso, seguidos de dificultades (simbolizadas por las subidas y los bordes afilados), pero con la conciencia de que al final uno siempre vuelve sobre sus propios pasos.

La entrada al laberinto se realiza a través de un corto pasillo que se interrumpe bruscamente, rompiendo la orientación del visitante y sumiéndolo inmediatamente en un estado de desorientación física y mental. Caminar por su interior no ofrece la posibilidad de ver toda la estructura, sino sólo una serie de paredes y rincones que se van revelando poco a poco. Éste es el núcleo de la obra de Morris: la experiencia de la obra no es sólo visual, sino que implica todo el cuerpo y los sentidos del visitante, creando una especie de inmersión fenomenológica en el espacio. El observador se ve obligado a experimentar el laberinto desde dentro, sin posibilidad de obtener una visión de conjunto desde el exterior (desde fuera sólo se ven las paredes rayadas), representando metafóricamente la idea de que el sentido de la vida sólo puede entenderse a través de la experiencia directa.

Sin embargo, esta relación entre horizontalidad y verticalidad tiene también otro aspecto. Morris, en 1975, había escrito un artículo titulado Alineado con Nazca, publicado en Artforum: en el artículo, el artista, reflexionando sobre los geoglifos peruanos de Nazca, se centraba en el hecho de que estas estructuras sólo podían entenderse si se observaban desde arriba. Y lo mismo ocurre con los laberintos: “Un laberinto sólo puede entenderse visto desde arriba, en planta, cuando se ha reducido a la latitud y estamos fuera de su espiral espacial. Pero tales reducciones son tan ajenas a la experiencia espacial como las fotografías de nosotros mismos lo son a nuestra experiencia de nosotros mismos”. Esta antinomia entre horizontal y vertical se convierte en objeto preciso de investigación en el Laberinto de la Colección Gori. “Si se observa desde el nivel ’horizontal’ del suelo, esta obra”, escribió la estudiosa Alessandra Acocella, “se muestra como un cuerpo cuadrangular delimitado por muros de dos metros de altura con una acentuada alternancia cromática de bandas horizontales de mármol blanco y verde, de curso estratigráfico y continuo. Esta progresiva alternancia de bandas claras y oscuras [...] aumenta, exasperándola, la sensación de desorientación que siente quien camina por el interior del estrecho y obligado pasillo articulado en pendiente y caracterizado por continuos giros en forma de ángulos agudos. La no horizontalidad del suelo, que alterna tramos de subida y de bajada, deforma perceptivamente el desarrollo continuo de las bandas dicromáticas que, de la condición de perfecta legibilidad en el exterior de la arquitectura, pasan a ser dinámicas en el interior, creando un juego ilusionista de perspectivas distorsionadas. Al salir del laberinto, se ofrece una lectura diferente de la obra en comparación con la que propone la experiencia fenomenológica ”interior“, influida y condicionada por el recorrido desorientador. Una plataforma elevada, situada cerca y oculta a la vista por los árboles, nos permite experimentar otra visión ”elevada“, que nos permite comprender cómo la forma volumétrica del laberinto no se origina a partir de un triángulo equilátero. También nos permite advertir cómo el punto de origen y la meta final del dispositivo laberíntico [...] son adyacentes y sólo están divididos por un muro. La fuerte sensación de desconcierto provocada por esta doble e inesperada revelación encuentra eco en las palabras del artista, situadas al final del breve y enigmático acompañamiento textual del laberinto de Celle: ”¿Las sensaciones dibujadas en verde y blanco que aparecen desde arriba muestran una salida? ¿Y una salida de dónde?".

El Laberinto de Robert Morris puede leerse como una reflexión sobre el viaje existencial (“La forma del laberinto”, escribió el artista en 1975, “es quizá una metáfora de la búsqueda de uno mismo, porque requiere un continuo deambular, una continua renuncia a saber dónde se está”). Su linealidad y falta de alternativas simbolizan la condición del ser humano, que transita por una vida llena de dificultades e incertidumbres (las aristas cortantes y las subidas), pero que, al final, está destinado a un único camino, carente de variaciones. Este viaje representa tanto una exploración física del mundo como un viaje interior, en busca de uno mismo. El hecho de tener que volver por el mismo camino refleja la idea de que la vida, al fin y al cabo, es un círculo cerrado, y que cada experiencia influye inevitablemente en la siguiente.

El tema del laberinto ocupa un lugar central en la producción artística de Robert Morris, que ha explorado esta forma arquitectónica en varias obras a lo largo de su carrera. Es una búsqueda que siempre le ha fascinado, desde que creó la obra Passageways en su estudio en 1961: no se trataba de un laberinto propiamente dicho, sino de un pequeño sistema de pasillos y pasadizos que podrían asemejarse a una estructura laberíntica. Sin embargo, los laberintos propiamente dichos pasarían a primer plano en su arte, que abunda en laberintos, piénsese en el Laberinto de Filadelfia de 1974, el Laberinto de Pontevedra de 1999 o el Laberinto de Cristal de 2013. También están en su producción los dibujos conocidos como Labyrinths, auténticos laberintos sobre papel, no destinados a una traducción tridimensional real, pero no por ello menos importantes dentro de su trayectoria y práctica artísticas. Morris estaba fascinado por la ambigüedad del laberinto, una estructura que puede parecer opresiva y engañosa, pero que al mismo tiempo ofrece una especie de seducción y curiosidad. Este concepto se encuentra también en su instalación en la Fattoria di Celle, donde el laberinto se convierte en una estructura engañosa que desorienta y obliga al visitante a una exploración directa y personal del espacio.

Mediante el uso del laberinto como símbolo de la vida, Morris invita al visitante a enfrentarse a las dificultades, incertidumbres y elecciones de su propia existencia, y al mismo tiempo ofrece a los visitantes de la Fattoria di Celle un espacio de meditación y reflexión inmerso en la naturaleza toscana. Y la Colección Gori, gracias a obras como ésta, se confirma como un lugar excepcional para el arte contemporáneo, donde la interacción entre arte y paisaje crea experiencias únicas y atractivas.

El laberinto de Robert Morris en la Fattoria di Celle: ¿un viaje entre el arte y la vida?

Advertencia: la traducción al español del artículo original en italiano se ha realizado mediante herramientas automáticas. Nos comprometemos a revisar todos los artículos, pero no garantizamos la ausencia total de imprecisiones en la traducción debidas al programa. Puede encontrar el original haciendo clic en el botón ITA. Si encuentra algún error, por favor contáctenos.