Superculto. Pietro Zampetti sobre Gentile da Fabriano

La Adoración de los Magos, única obra que ha llegado intacta hasta nosotros, fue encargada al pintor por el hombre más rico de Florencia, Palla Strozzi, para su propia capilla de Santa Trinita en Florencia -cuya ejecución arquitectónica había sido confiada a Ghiberti- y se expone actualmente en la Galería de los Uffizi. Firmado en 1425, este fabuloso montaje -tema caro al gusto “cortesano” que tenía por costumbre ampliar el relato con invenciones y fábulas- es un conjunto de hipérboles fantasiosas, el non plus ultra de la cultura pictórica cortesana, donde amanecer y crepúsculo, fábulas e invenciones, sagrado y profano se entrelazan con verdades verificables, dulzura y melancolía, violencia y muerte, donde todo es transposición figurativa de un mundo que se disolvía. La cabalgata de los Magos se ve en un solo espacio pero en momentos sucesivos: desde la aparición de la estrella a los Magos en la colina de la izquierda, a este lado de una extensión de mar, a la larga cabalgata, al recorrido por montañas, valles, pueblos y castillos hasta el primer plano, hasta el primer plano final de esta lujosa visión escenográfica, donde llegan los reyes, después de tanto viajar y deambular entre escenas de caza, que detienen su viaje enjaezados, y desmontan de sus caballos para rendir homenaje al Niño Jesús.

Un mundo arcano y elegante, con anotaciones exóticas, que se explica también “por el esnobismo y los gustos aristocráticos del comittente”, un comerciante muy rico, pero también un hombre de cultura. Y Florencia, en aquella época, era una ciudad que miraba lejos precisamente por su comercio y sus refinados productos que llegaban a todos los rincones del mundo conocido. En ese lujoso cuadro, hecho de marcos dorados, colores, acontecimientos sagrados, mundanidad e insuperable preciosidad, está todo el universo, empezando por el Eterno y los profetas. La aglomeración en el primer plano de hombres y caballos es tal que parece la recepción de una fiesta, un torneo, un desfile, donde un mundo refinado e indiferente se exhibe, hace gala de sí mismo, como el joven rey del centro, con su preciosa túnica acolchada de oro y bordados. Tiene la apariencia de un maniquí para solemnizar la preciosidad de su vestido y la elegancia sostenida de su porte. El acontecimiento es un desfile espléndido, carente de toda solicitación del profundo significado que encierra para el cristianismo (qué diferente de la interpretación dramática y severa de ese mismo episodio evangélico que Leonardo ofrecería unas décadas más tarde en esa misma Galería florentina).

Pero si se observa más de cerca, no todo es oro y esplendor, no todo es representación exhausta y casi empalagosa, por elevada que sea. En la predela, casi en contradistinción, tres episodios: la Natividad, la Huida a Egipto y la Presentación en el Templo (de la que el original está en el Louvre aquí es una copia) proponen escenas solitarias y silenciosas, donde las presencias ostentosas desaparecen, y dominan los acontecimientos. El “nocturno” de la Natividad bajo el cielo tachonado de estrellas es una novedad absoluta por esa luz que irradia el Niño, golpea la fachada de la casita, donde duerme una niña: y parece casi la fantasía de un pintor metafísico, una visión inmersa en el misterio y la expectación de un acontecimiento temido. Esa atmósfera de expectación tiene su continuación en la Huida a Egipto, donde el sol está alto pero el silencio es profundo en la mirada de Jesús y la Virgen, con San José precediendo y las damas observando y comentando. Es una atmósfera resignada y triste, tan lejos de la indiferencia total de la escena anterior; un sentimiento de tristeza se cierne casi como en la despedida de Lucía en Los novios. Pero las elegantes damas recuerdan la realidad florentina, la más cercana, la vivida en primera persona. Y nótese lo parecidas que son, casi participantes en la misma fiesta con las “modelos” dibujadas por Pisanello, en las láminas del Museo de Bayona.

Por último, pero no menos importante, el atractivo de esta gran obra que es la Adoración, la experiencia extrema de una figuración que estaba a punto de disolverse y dar paso a un nuevo gusto, es la decoración “floral” de los pilares calados que cierran la maravillosa máquina por los lados. Allí donde composiciones similares -hasta el retablo de Pésaro de Bellini- suelen presentar figuras de santos superpuestas, Gentile ha inventado un ensamblaje de hierbas y flores, casi un homenaje y un último adiós a los prados floridos queridos por la pintura lombarda de la época. Pero esas presencias adquieren aquí un valor de nuevo cuño, el de la “naturaleza muerta”, como bien ha señalado Grassi, seguido por Bellosi, quien afirma: “no podemos sino asombrarnos de que los aficionados a este ámbito particular del arte no hayan destacado este aspecto extrañamente anticipador de la obra de Gentile”. Y en efecto, hierbas y flores, fresas y cerezas, todo lo que la naturaleza puede ofrecer a nuestra admiración, el artista lo ha reunido aquí con una precisión de ejecución que interesaría tanto al arte como a la ciencia. Y también por eso la Adoración aparece como una obra emblemática: lo era cuando se colocó en la capilla Strozzi de Santa Trinita, lo sigue siendo hoy a más de cinco siglos de distancia.

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Pietro Zampetti, Gentile e i pittori di Fabriano, Nardini, Prato, 1997, pp. 99-100

Superculto. Pietro Zampetti sobre Gentile da Fabriano

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