L'Aquila, importante ciclo de frescos del siglo XVI descubierto durante las obras de restauración

El pasado fin de semana, durante las Jornadas Europeas del Patrimonio 2023, se desveló un importante descubrimiento enL’Aquila: en la iglesia de Santa Maria della Misericordia, situada en el Quarto di Santa Maria, uno de los barrios de la capital delos Abruzos, cerca de la iglesia de San Silvestro, se descubrió de hecho un notable ciclo de frescos del siglo XVI. El ciclo fue desenterrado durante la restauración de la iglesia (en el segundo lote de la obra, concretamente), que comenzó en otoño de 2021, y salió a la luz bajo el aparato decorativo del barroco tardío.

Las obras de restauración se llevaron a cabo para reparar los daños sufridos por los altares de la nave. Cuando se retiraron las partes dañadas de la estructura del siglo XVIII, se descubrieron inmediatamente una serie de frescos que se habían dado por perdidos y que, en cambio, aparecieron, según los expertos de la Secretaría Regional de los Abruzos del Ministerio de Cultura, claramente legibles y muy bien conservados. Las investigaciones posteriores han permitido recuperar otras dos obras en la contrafachada, cubiertas por las puertas de madera de acceso al presbiterio. En la pared derecha, se pueden admirar ahora una Lamentación sobre Cristo muerto y un San Jerónimo penitente; en correspondencia, en los nichos de la pared opuesta, se pueden ver Jesús y la Samaritana en el pozo y un bello Matrimonio místico de Santa Catalina. En la contrafachada, en cambio, hay unaAlegoría de la Inmaculada Concepción y un San Agustín (en restauración) y un intenso San Antonio de Padua con escenas de su vida. A los pies del Santo, una fecha: MCCCCCXXXVIII (1538). Estos son los elementos que componen el ciclo pictórico que, gracias a las fuentes históricas, se atribuye a Francesco da Montereale (Montereale, 1466 o 1475 - L’Aquila, 1541) y a su taller (también es obra del pintor la Natividad de la Virgen, retablo de la Misericordia conservado en el Museo Nacional de los Abruzos).

La lectura de los frescos puede comenzar con la escena de San Agustín y laInmaculada Concepción, ambientada en campo abierto con vistas al mar (con una ciudad portuaria al fondo). Agustín muestra el libro con la inscripción “CONCEP/TA EST/ SINE M/ACVLA”, obviamente refiriéndose a Nuestra Señora, y a la derecha la Virgen arrodillada en oración. Encima debía estar la figura del Padre Eterno con ángeles, que fue destruida para dar paso a la escalera del presbiterio. La presencia de esta iconografía particular recuerda un tema cuestionado por la Reforma iniciada por Lutero con las 95 Tesis de Wittenberg en 1517. El tema iconográfico del nacimiento sin pecado de la Virgen María (en el que también mostró gran interés el emperador Carlos V para llegar a una solución a los conflictos políticos entre los católicos del Imperio y los príncipes alemanes) se acompaña aquí de la figura de San Agustín, que debía representar a la Virgen María.Agustín, que debía representar el ejemplo a seguir ya que, además de ser el primer teólogo en hablar de la naturaleza perfecta y especial de María, se convirtió en el vehículo de precisos contenidos doctrinales que tenían como finalidad refutar las tesis heterodoxas extendidas en su tiempo. San Agustín, en efecto, reafirmó repetida y claramente los conceptos de la maternidad física y al mismo tiempo divina de María, así como su virginidad, que hacen de ella el símbolo de la Iglesia, virgen en el espíritu, en la integridad y en la piedad, y madre en la caridad.

En la hornacina de la derecha, al salir de la puerta principal, se encuentra San Antonio de Padua con cuatro episodios milagrosos de su vida (el milagro del pie reimplantado, el milagro del niño que habla, el milagro del corazón del usurero y el milagro de la mula hambrienta: los relatos se refieren a los milagros más famosos atribuidos al santo y ofrecen atisbos de la vida cotidiana, así como una muestra de pecados como los celos, la avaricia y la herejía). La figura del santo está enmarcada por dos columnas clásicas sobre las que aparece la inscripción “ORA PRO NOBIS BEATE ANTONI” (“Beato Antonio, ruega por nosotros”). La fecha de 1538 es claramente visible en el pedestal de la base. La presencia del fresco con San Antonio de Padua, colgante de San Agustín con la Inmaculada Concepción, debe relacionarse con el papel del santo, afirmador del dogma de la Asunción de la Virgen, como predicador contra las herejías cátaras en Italia y albigenses en Francia, hasta el punto de que tomó el sobrenombre de “Martillo de los herejes”.

A continuación vemos la escena que representa el encuentro de Jesús con la samaritana en el pozo de Sicar, narrado en el Evangelio de Juan. La escena sagrada representada en primer plano, con Cristo, la joven y el pozo en el centro, es casi un pretexto para narrar la vida extramuros de una gran ciudad. Detrás de los protagonistas, se abre una amplia vista sobre una rica llanura con un grupo de altas cumbres montañosas al fondo. El pozo, en primer plano, es el centro de la composición y se caracteriza por una descripción detallada de los elementos decorativos, tomados del antiguo repertorio clásico, donde se intercalan festones florales con cabezas de carnero.

El mismo artista de la escena de la Samaritana en el pozo, en el lado opuesto de la nave de la iglesia, es también el responsable del fresco que representa la penitencia de San Jerónimo. La escena representa un paisaje rocoso. El santo, representado tradicionalmente bajo la apariencia de un ermitaño mientras se golpea el pecho con una piedra, está de rodillas y frente a un crucifijo fijado en el suelo yermo; a sus pies se ven sus vestiduras y su sombrero de cardenal, símbolo de su renuncia a los honores terrenales. Por encima del protagonista se abre un gran paisaje en el que, además de la escena del león (al que el santo arranca una espina de la pata y que a partir de entonces se convierte en su compañero inseparable), vemos una serie de escenas cuyo significado, según los estudiosos que han tenido ocasión de observar la obra, no está especialmente claro. A la izquierda, unos marineros desembarcan de unas barcas para encender fuego en una playa desierta, mientras que a la derecha, sobre un relieve, se ve una horca de la que cuelgan dos desgraciados, a cuyos pies unas figuras a caballo parecen hablar con un peregrino.

El fresco de la hornacina del segundo altar del siglo XVI, a la derecha de la nave, representa la Lamentación sobre Cristo muerto. El cuerpo de Jesús, depuesto de la cruz, yace sobre una roca sostenido por San Juan, con las figuras de la Virgen, María Magdalena y otras dos mujeres a su alrededor, y se ve a José de Arimatea y Nicodemo dentro del sepulcro. Una vez más, la escena tiene como telón de fondo un amplio paisaje montañoso, dominado por una gran ciudad amurallada. Gracias al acta notarial redactada por el notario Grascia de L’Aquila el 14 de marzo de 1536, sabemos que el fresco fue encargado por un tal Giovan Battista di Cristoforo al pintor Marin Pietro di Giovanni Marino Ciccarone, artista formado muy probablemente en el taller de Francesco da Montereale.

En la escena de las Bodas Místicas de Santa Catalina aparecen los tres protagonistas del tema iconográfico (la Virgen, el Niño Jesús y Santa Catalina: según un texto medieval, Catalina, tras ser bautizada, tuvo una visión de la Virgen con el Niño Jesús en su regazo, que le puso un anillo en el dedo, convirtiéndola en su esposa) flanqueados por otros santos, en este caso Santiago el Mayor con un bastón, un sombrero de peregrino y un libro abierto. Detrás de la escena principal, pesados cortinajes ocupan el lado derecho, mientras que a la izquierda aparece un exuberante paisaje dominado por una ciudad amurallada y una fortaleza con torres, en la que tiene lugar la escena del bautismo de Cristo. Particularmente bien conservado, el fresco se caracteriza por la viveza de los colores, pero sobre todo por la técnica muy depurada en la representación de las figuras, atribuible a la habilidad pictórica de Francesco da Montereale, activo en este lugar en 1538. También son interesantes y casi intactas las decoraciones grotescas que enmarcan el nicho. Este tipo particular de decoración mural tiene sus raíces en la pintura romana de época augustea y fue redescubierto y popularizado a partir de finales del siglo XV. La decoración grotesca se caracteriza por la representación de seres híbridos y monstruosos, quimeras, a menudo representados como figurillas esbeltas y caprichosas, que se funden en decoraciones geométricas y naturalistas, estructuradas de forma simétrica, sobre un fondo generalmente blanco o al menos monocromo.

L'Aquila, importante ciclo de frescos del siglo XVI descubierto durante las obras de restauración

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