El Louvre restaura la obra maestra de Leonardo, Andrea Solario. ¿Será el turno de la Mona Lisa?

Importante restauración en el Louvre: la obra de uno de los pintores de Leonardo, Andrea Solario (Milán, c. 1470 - 1524), la Virgen con el Niño, también conocida como la Virgen del Cojín Verde, vuelve a ser visible al público tras su restauración. Ahora se presenta con sus colores originales, devuelta a la vista de todos gracias a una operación de limpieza que ha eliminado la pátina del tiempo que había amarilleado la superficie de la obra. Una obra que se encontraba en un estado similar al de la Gioconda, realizada en la misma época, y que presenta una superficie parecida a aquella con la que también se presentaba hasta hace unas semanas la Virgen con el Niño de Andrea Solario: ¿se trata, pues, del preludio de algún tipo de operación sobre la obra más famosa del mundo? Por el momento, parece poco probable, pero los resultados de la operación sobre la obra de Solario no dejarán ciertamente de dar que hablar.

Solario aborda el tema de la Madonna lactans, la Virgen amamantando al Niño, una de las más antiguas y veneradas de la iconografía cristiana. El modelo es la Madonna Litta del Hermitage, una composición probablemente concebida por Leonardo da Vinci y atribuida a él durante mucho tiempo, pero pintada por uno de sus alumnos, posiblemente Marco d’Oggiono, a principios de la década de 1590. La Virgen se presenta casi de perfil y el niño gesticula en un giro contradictorio entre los miembros inferiores y superiores. El artista sitúa a los protagonistas, según la iconografía recurrente, en un interior con una ventana abierta a un paisaje. Solario ha elegido una paradójica puesta en escena que combina un parapeto de mármol en primer plano, propio de una escena interior, con un fondo de paisaje que implica un exterior. Podríamos encontrar coherencia en esta composición suponiendo que la Virgen se detuvo ante una ventana abierta o ante un bloque de mármol, tal vez los restos de una antigua ruina. La imagen podría evocar así el episodio del descanso de la Sagrada Familia durante la huida a Egipto. De hecho, el hombre que camina delante de un jinete, al fondo a la izquierda, recuerda a José conduciendo a la Virgen y al Niño. Pero no hay que buscar demasiada lógica narrativa en esta composición, que deriva de una tipología que se hizo convencional a principios del siglo XVI. La almohada remite al sueño, una alusión a la futura muerte de Jesús: sus imponentes proporciones, que dan nombre al cuadro, recuerdan también las grandes almohadas que sostienen los restos de Cristo en algunas plañideras.

La figura del Niño, gesticulando y agarrando su pie con la mano derecha, siempre ha fascinado a los admiradores por su naturalidad. Esta pose espontánea y familiar acentúa la idea de la encarnación de Dios como un niño humilde, e invita a meditar sobre la futura crucifixión de Cristo por el énfasis puesto en el pie que será clavado, al igual que la mano derecha de la Virgen acaricia el costado del Niño que será herido. Solario no es el inventor de esta postura del Niño, de la que conocemos varios ejemplos a partir de la segunda mitad del siglo XIV, a menudo en imágenes de la Virgen amamantando a Jesús.

Obra considerada maestra de Solario

La presencia del cuadro en Francia a principios del siglo XVII convenció a la mayoría de los críticos de que Solario lo pintó entre 1507 y 1510, durante el periodo en que trabajó en Francia, o poco antes. Sin embargo, el uso del álamo, más común en Italia que en el norte de Francia, llevó a varios historiadores a suponer que fue ejecutado en Milán, antes o después de Francia. La firma “Andreas de Solario fa”, sin referencia al origen milanés del artista, que encontramos en otras obras, como la Lamentación sobre Cristo muerto del Louvre, pintada sin duda en Francia, ha convencido a algunos de que el cuadro fue pintado en Milán, siguiendo una lógica según la cual el pintor sólo especificaba la procedencia de las obras pintadas o destinadas a ser pintadas fuera de la ciudad.

La Virgen de la Almohada Verde ha sido considerada a menudo la obra maestra de Andrea Solario o, al menos, su obra más famosa. La primera señal de su éxito es el considerable número de copias y grabados: en 1987, David Alan Brown identificó quince copias pintadas a las que se añaden otras veintinueve copias que figuran en el archivo de obras conservado en el departamento de pinturas del Louvre. Estas copias, en su mayoría anónimas, datan de los siglos XVI al XIX, y al menos una versión tiene las cualidades de una obra de taller, con una variante interesante, la Virgen y el Niño colocados en un interior con San José serrando un panel. También hay una quincena de grabados, el más antiguo de los cuales, invertido y sobre fondo liso, fue publicado por Augustin Quesnel en 1636. Como las demás obras maestras del museo, la Virgen del Almohadón Verde fue copiada a menudo por jóvenes artistas amantes del Renacimiento italiano. Prueba de ello son los bocetos de Fleury Richard, Hippolyte Flandrin y Edgar Degas. El excepcional número de reproducciones atestigua la creciente apreciación del cuadro, expuesto en el Louvre desde 1798. La obra, que sigue expuesta hoy en día, se colocó en el Salón Carrée en 1798, y después se trasladó a la Gran Galería, donde permanece en la actualidad. Este estatus de obra maestra se forjó durante el siglo XIX bajo la pluma de historiadores del arte que alabaron sus cualidades técnicas y estilísticas: la delicadeza del modelado, la preciosidad de la ejecución o el color brillante que confiere al cuadro un carácter esmaltado, la belleza de los rostros, la gracia y la veracidad de los movimientos.

La restauración

Los archivos de los Museos Nacionales y del Centre de Recherche et de Restauration des musées de France (C2RMF, Centro de Investigación y Restauración de los Museos Franceses) registran al menos tres restauraciones en 1813, 1892 y 1940, así como una decena de intervenciones localizadas y pequeñas reparaciones de barniz en 1945 y 1985. En 2024, el cuadro fue sometido a nuevos exámenes de laboratorio con vistas a su restauración, ya que se encontraba bajo gruesas capas de barniz muy amarillento y presentaba manchas causadas por antiguos retoques aplicados en el pasado para reparar pequeñas lagunas. Los trabajos se llevaron a cabo en el C2RMF y la restauración se confió a la restauradora italiana Cinzia Pasquali, de la “escuela” del Instituto Central de Restauración.

La intervención consistió en aclarar el barniz, eliminar los repintes y retocar las escasas pérdidas. El estado de conservación era globalmente muy bueno, aparte de micromanchas y desgastes en el azul del manto de la Virgen debidos a una limpieza abrasiva anterior. Se ha restablecido así el equilibrio de la composición, en particular con el redescubrimiento del follaje verde, perfectamente conservado, del bosquecillo situado detrás de la Virgen, que se hace eco del cojín sobre el que descansa Jesús y contrasta con el rojo lacado de la túnica de María y el azul de su manto. El paisaje se ha liberado de numerosos añadidos de ramas y hojas que pesaban y oscurecían el trazado original, y los árboles han recuperado su forma compacta. Las tez ha recobrado su blancura teñida de rosa, el velo su claridad azulada. Liberado de repintes discordantes, el material ha recobrado su aspecto liso y fundido, un volumen escultórico. Encontramos el brillo de los colores, la claridad del dibujo, la emoción sencilla y natural, el tierno movimiento de las figuras que han seducido a generaciones de aficionados.

El Louvre restaura la obra maestra de Leonardo, Andrea Solario. ¿Será el turno de la Mona Lisa?

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