Zehn Dinge, die man über Tracey Emin wissen sollte

Tracey Emin ist zweifellos eine der einflussreichsten und umstrittensten Künstlerinnen der zeitgenössischen Szene, die ihr Leben mit einer rohen, direkten und zutiefst emotionalen Sprache in Kunst verwandelt. Die 1963 in Croydon, England, geborene und in der Küstenstadt Margate aufgewachsene Künstlerin hat es verstanden, ihre persönlichen - oft schmerzhaften - Erfahrungen in Werke aus den Bereichen Malerei, Skulptur, Installation, Video und Neon zu verarbeiten. Viele dieser Werke sind in der Ausstellung Tracey Emin. Sex and solitude, die vom 16. März bis zum 20. Juli 2025 im Palazzo Strozzi in Florenz zu sehen ist, der größten Ausstellung, die jemals in Italien über die Künstlerin gezeigt wurde.

Ihre künstlerische Praxis ist durch und durch autobiografisch: Themen wie Körper, Sexualität, Liebe, Einsamkeit und Trauma tauchen in all ihren Werken auf. Emin stellt nicht einfach bestimmte Ereignisse in ihrem Leben dar, sondern verwandelt universelle Gefühle wie Leidenschaft und Melancholie in kraftvolle visuelle Metaphern. Die Karriere von Tracey Emin ist gespickt mit berühmten Werken, die die Kunst der letzten Jahre geprägt haben. Von intimen Stickereien über die Verwendung von Neonfarben für Sätze, die ihre Handschrift imitieren, bis hin zu monumentalen Bronzeskulpturen erzählt jedes Werk eine persönliche Geschichte, die universell wird. Emin war auch eine zentrale Figur in der Bewegung der Young British Artists (YBA), die sich durch ihren innovativen und provokativen Ansatz auszeichnet. In einem ständigen Dialog zwischen Verletzlichkeit und Stärke lotet ihre Kunst die Grenzen von Figuration und Abstraktion aus und bezieht sich dabei auf Meister wie Edvard Munch und Egon Schiele.

Hier sind zehn Dinge, die man über Tracey Emin wissen sollte, um ihr künstlerisches Universum besser zu verstehen.

1. Tracey Emin hatte eine turbulente Kindheit

Tracey Karima Emin wurde am 13. Juli 1963 in Croydon als Sohn eines türkisch-zypriotischen Vaters und einer englischen Mutter geboren, die aus der Gruppe der Roma stammte, die seit dem 16. Jahrhundert im Vereinigten Königreich siedelten. Er wuchs in Margate, einer Küstenstadt in Kent, auf, wo er eine von wirtschaftlicher Not und persönlichen Traumata geprägte Kindheit erlebte . Margate mit seinen windgepeitschten Stränden und seinem dekadenten Charme hinterließ einen unauslöschlichen Eindruck auf die Phantasie des Künstlers. Im Alter von dreizehn Jahren machte er eine Erfahrung sexueller Gewalt, die seine Kunst tiefgreifend beeinflussen sollte. Dieses traumatische Ereignis wird zu einem der interpretativen Schlüssel für ihr künstlerisches Schaffen: Der verletzte, aber unverwüstliche weibliche Körper taucht als zentrales Thema in ihren Werken auf.

Im Alter von fünfzehn Jahren lief Tracey von zu Hause weg und begann ein Leben, das von Rebellion und Selbstbestimmung geprägt war. Das Weglaufen bedeutet nicht nur einen Bruch mit dem familiären Umfeld , sondern auch einen ersten Schritt zum Aufbau einer eigenen künstlerischen Identität. Dennoch bleibt Margate für Emin ein symbolträchtiger Ort: Jahre später kehrte er dorthin zurück, um die TKE Studios zu eröffnen, einen Raum, der aufstrebenden Künstlern gewidmet ist. Diese tiefe Verbundenheit mit seinen Wurzeln zeigt, dass seine turbulente Kindheit nicht nur eine Quelle des Leids, sondern auch der kreativen Inspiration war.

2. Ihre künstlerische Ausbildung war sehr reichhaltig

Tracey Emins künstlerische Ausbildung ist durch einen nicht-linearen, aber äußerst reichen Erfahrungsweg gekennzeichnet. Nachdem sie zunächst am Medway College of Design Mode studiert hatte, verließ sie diesen Bereich, um sich an der Sir John Cass School of Art der bildenden Kunst zu widmen. 1989 spezialisierte sie sich mit einer ihrem Idol Edvard Munch gewidmeten Arbeit auf die Malerei und setzte ihr Studium am renommierten Royal College of Art in London fort.

In den 1990er Jahren kam Emins Malerkarriere jedoch aufgrund zweier traumatischer Fehlgeburten, die sein persönliches und künstlerisches Leben tief prägten, abrupt zum Stillstand. Der Künstler beschloss daraufhin, die meisten seiner früheren Gemälde zu zerstören und dieses Medium vorübergehend aufzugeben, um andere Ausdrucksformen wie Stickereien, Installationen und Videos zu erkunden. Diese Phase stellt einen entscheidenden Moment in seiner kreativen Entwicklung dar: Der Verzicht auf die Malerei ist kein endgültiger Verzicht, sondern vielmehr eine notwendige Pause, um seine künstlerische Sprache zu überarbeiten.

In dieser Zeit schuf Emin emblematische Werke wie Everyone I Have Ever Slept With (1963-1995), einen Vorhang, der mit den Namen der Menschen bestickt war, mit denen er das Bett geteilt hatte (sowohl im wörtlichen als auch im übertragenen Sinne). Dieses Werk markiert den Beginn seines internationalen Ruhms und zeigt, wie der Künstler in der Lage ist, intime Erfahrungen in kraftvolle künstlerische Aussagen zu verwandeln.

3. Sein erstes Meisterwerk ist Everyone I Have Ever Slept With 1963-1995

Everyone I Have Ever Slept With 1963-1995 ist eines der meistdiskutierten und bedeutendsten Werke von Tracey Emin, ein Werk, das ihre autobiografische Ästhetik und ihre Fähigkeit verkörpert, persönliche Intimität in Kunst zu verwandeln. Das 1995 entstandene Werk besteht aus einem blauen, in einem Militärladen gekauften Campingzelt, auf das Emin mit der Applikations-Technik die Namen aller Menschen gestickt hat, mit denen er von seiner Geburt bis zu diesem Zeitpunkt das Bett geteilt hat. Es ist wichtig, darauf hinzuweisen, dass der Titel des Werks oft missverstanden wird: “schlief mit” bezieht sich nicht ausschließlich auf sexuelle Beziehungen, sondern schließt jeden ein, der einfach mit ihr im selben Bett geschlafen hat, einschließlich Familie, Freunde und Liebhaber.

Das Zelt wurde daher zu einem symbolischen Ort, einer Art intimer Zufluchtsstätte , die die Erinnerungen und Beziehungen der Künstlerin enthielt. Die Namen wurden mit verschiedenfarbigen Fäden aufgenäht, wodurch ein visuelles Patchwork entstand, das die Komplexität und Vielfalt ihrer Erfahrungen widerspiegelt. Das Innere des Zeltes war beleuchtet und lud den Betrachter ein, den Raum physisch zu betreten und sich mit Emins persönlicher Geschichte auseinanderzusetzen. Die Arbeit warf Fragen über das Konzept der Intimität, der weiblichen Sexualität und der Beziehung zwischen Kunst und Leben auf.

Die Wahl eines Campingzelts war nicht zufällig: Das Zelt ist ein Ort der vorübergehenden Zuflucht, ein Schutz vor der äußeren Realität. In ähnlicher Weise bietet Emins Werk einen intimen Einblick in ihr Leben, der ihre Verletzlichkeit und Zerbrechlichkeit offenbart. Das Zelt evoziert auch die Idee des Nomadentums und des Reisens und suggeriert eine sich ständig weiterentwickelnde existenzielle Reise.

Leider wurde Everyone I Have Ever Slept With 1963-1995 bei einem Brand im Jahr 2004 zerstört, als ein Lagerhaus in London, in dem es gelagert war, Feuer fing. Der Verlust des Werks war ein schwerer Schlag für Emin, der das Zelt als ein grundlegendes Stück seiner persönlichen und künstlerischen Geschichte betrachtete. Trotz seiner Zerstörung und obwohl Emin wiederholt erklärt hat, dass sie nicht die Absicht hat, es neu zu gestalten, lebt das Werk in der kollektiven Vorstellung als Symbol ihrer Kunst weiter.

4. My Bed: Tracey Emins Bett wird zum Werk ihrer Weihe

1998 präsentierte Tracey Emin mit My Bed das vielleicht berühmteste Werk ihrer Karriere. Es ist eine ungefilterte Darstellung des Bettes der Künstlerin während einer besonders schwierigen Phase ihres Lebens, die von Depressionen und Alkoholmissbrauch geprägt war . Das Werk enthält fleckige Laken, leere Flaschen, Zigarettenschachteln und persönliche Gegenstände wie schmutzige Unterwäsche - Details, die mit entwaffnender Aufrichtigkeit eine Geschichte der menschlichen Verletzlichkeit erzählen. My Bed, das 1999 in der Tate Gallery ausgestellt wurde und für den Turner Prize nominiert war, löste gemischte Reaktionen aus: Einerseits wurde es für seine emotionale Authentizität gelobt, andererseits wurde es von denjenigen kritisiert, die es nicht als “Kunst” betrachteten. Trotz der Kontroverse macht das Werk Tracey Emin zu einer der originellsten Stimmen der zeitgenössischen Kunst.

My Bed ist jedoch nicht nur ein autobiografisches Werk, sondern auch eine universelle Reflexion über den Zustand des Menschen. Das Bett wird zu einer Metapher für den Ort, an dem sich die entscheidenden Momente des Lebens - Geburt, Tod, Liebe und Leid - abspielen, und damit zu einem kraftvollen Symbol der Existenz selbst.

5. Tracey Emin verwendet in ihrer Praxis häufig Neonfarben

Eines der charakteristischen Elemente der künstlerischen Praxis von Tracey Emin ist die Verwendung von Neon, um Textarbeiten zu schaffen, die ihre Handschrift wiedergeben. Dieses Medium ermöglicht es ihr, intime Gedanken in kraftvolle und eindrucksvolle visuelle Aussagen zu verwandeln. Die Neonsätze sind oft kurz, aber mit emotionaler Bedeutung aufgeladen: I Never Stopped Loving You von 2010, das der Stadt Margate gewidmet ist, oder Those Who Suffer LOVE von 2009 sind emblematische Beispiele, ebenso wie Sex and Solitude, das für die Ausstellung in Florenz im Palazzo Strozzi (2025) geschaffen wurde.

Für Emin ist Neon ein ausdrucksstarkes Medium, das Zerbrechlichkeit und Stärke miteinander verbindet: Die hellen Lichter ziehen den Blick des Betrachters auf sich, während die Worte schmerzhafte Wahrheiten oder intime Geständnisse offenbaren. Darüber hinaus verleiht die Verwendung von Handschrift den Werken einen persönlichen Charakter, der mit der technischen Kälte des Materials kontrastiert. Die Neon-Phrasen sind niemals bloße Slogans, sondern poetische Fragmente, die den Betrachter einladen, über seine eigenen emotionalen Erfahrungen nachzudenken. In diesem Sinne wird Neon zu einem Werkzeug, das tiefe Verbindungen zwischen dem Künstler und dem Publikum schafft. “Ich bin mit Neon aufgewachsen: Es war überall in Margate zu sehen”, sagt Tracey Emin. “Heute gibt es dort nur noch wenige, aber im Rest der Welt gibt es so viele. Ich habe angefangen, sie zu machen, weil ich mehr davon sehen wollte. Und Sie wissen ja, wie das ist, man muss vorsichtig sein, was man sich wünscht. Echtes Neon enthält Gase wie Argon und Neon, die eine positive Wirkung auf die Stimmung haben, weil sie Energie ausstrahlen. Deshalb wurden sie in Kasinos, Bordellen, Bars, Clubs und so weiter verwendet. Neon ist pulsierendes Licht und Energie, es ist ein lebendiges Ding, und das gibt mir ein gutes Gefühl. Neon als Objekt ist einfach schön und gibt einem ein gutes Gefühl. Deshalb habe ich sie gemacht und mache sie auch weiterhin”.

6. Tracey Emin bewundert die Kunst von Edvard Munch und Egon Schiele

Tracey Emin hat schon immer eine tiefe Bewunderung für Künstler wie Edvard Munch und Egon Schiele bekundet, von denen sie sich sowohl technisch als auch thematisch inspirieren lässt. Wie diese erforscht Emin Themen der menschlichen Verletzlichkeit durch intensive Darstellungen des Körpers und der Gefühle.

Seine Diplomarbeit für das Royal College of Art in London im Jahr 1990 trug den Titel My Man Munch. 1998 widmete sie Munch eine Video-Hommage mit dem Titel Homage to Edvard Munch and all my dead children, die am Osloer Fjord entstand: In dem Video hob Tracey Emin nackt und in Fötusstellung auf dem Pier in der Nähe von Munchs Haus den Kopf und stieß einen markerschütternden Schrei aus, ein Klagelied für ihre ungeborenen Kinder und eine Antwort auf MunchsSchrei . Auch 2021 schuf er die Skulptur Die Mutter für das neue Munchmuseet in Oslo, um seiner und Munchs Mutter zu huldigen. 2015 kuratierte der Künstler im Leopold Museum in Wien eine Ausstellung mit dem Titel Tracey Emin | Egon Schiele: Where I Want to Go, die einen Dialog zwischen seinen Werken und denen des österreichischen Meisters herstellte. Diese Projekte zeigen, wie sehr sich Emin als Teil einer künstlerischen Tradition versteht, die die menschliche Erfahrung in ihrer ganzen emotionalen Komplexität in den Mittelpunkt stellt.

“Als ich am Royal College of Art war”, erinnerte er sich in einem Interview mit Arturo Galansino, “fuhr ich mit dem Bus von Elephant and Castle nach Westminster und von dort mit der U-Bahn nach South Kensington. Aber manchmal blieb ich im Bus und stieg an der National Gallery aus. Sobald ich ankam, ging ich direkt nach unten und zeichnete die Ikonen oder schaute mich einfach um und machte mir Notizen. Ich glaube, ich habe das zwei Jahre lang ein paar Mal pro Woche gemacht, und dem verdanke ich mein Wissen über Malerei und Kunstgeschichte. Alles, was ich bis dahin wusste, bezog sich auf den Expressionismus und die europäische Vorkriegskunst; plötzlich wurde ich in eine andere Welt katapultiert, ich verstand die Klassiker und ihre Ideen. Es war wie eine Erweiterung des Geistes. Munch war also ein Vorläufer der Nationalgalerie, während die Malerei der Renaissance und des Klassizismus über die Nationalgalerie kam. Und ich habe sie mir selbst beigebracht, denn ich habe nie wirklich Kunstgeschichte studiert, ich habe mich einfach in die Kunst vertieft, die mir gefiel”.

7. Performance als Exorzismus

1996 schuf Tracey Emin eines ihrer bedeutendsten Werke, Exorcism of the Last Painting I Ever Made. Diese Performance stellt einen Wendepunkt in ihrer Karriere dar und markiert ihre Rückkehr zur Malerei nach Jahren der Vernachlässigung. Das Werk besteht aus einer dreieinhalbwöchigen Performance, während der die Künstlerin nackt in einem temporären, als Installation eingerichteten Atelier lebt und arbeitet. Der Raum ist für die Öffentlichkeit zugänglich, die Emin dabei beobachten kann, wie sie Zeichnungen und Gemälde schafft, die von großen männlichen Kunstfiguren wie Egon Schiele, Yves Klein und Pablo Picasso inspiriert sind.

Emins Nacktheit ist nicht nur physisch, sondern auch emotional: Der Künstler entblößt sich vollständig und macht seinen eigenen Körper zum Subjekt und Objekt des Werks. Dieser Akt untergräbt die traditionelle Rolle der Frau in der Kunst, die in der Vergangenheit als Muse oder passives Modell galt. Stattdessen wird Emin zu einer aktiven Protagonistin ihrer künstlerischen Erzählung, die persönliche Dämonen und kulturelle Konventionen, die die Darstellung von Frauen einschränken, austreibt.

Die Installation dokumentiert nicht nur den kreativen Prozess, sondern auch einen Moment der radikalen Selbstbeobachtung. Die Künstlerin nutzt die Malerei als Mittel, um sich mit sich selbst und ihrer Vergangenheit zu verbinden, und verwandelt eine intime Erfahrung in eine universelle Reflexion über die Rolle der Kunst als Mittel zur Heilung und Selbstbestätigung. Dieses Werk bleibt ein Meilenstein in ihrer Karriere und ein eindrucksvolles Beispiel für Emins Fähigkeit, Leben und Kunst untrennbar miteinander zu verbinden.

8. Malerei ist eine viszerale Sprache für Tracey Emin

Die Malerei nimmt einen zentralen Platz in Tracey Emins vielseitigem künstlerischen Schaffen ein und ist eines der Ausdrucksmittel, mit denen sie ihre Lieblingsthemen erforscht: Körper, Sexualität, Liebe, Einsamkeit und Schmerz. Obwohl Emin auch für ihre Installationen, Stickereien und Neonarbeiten bekannt ist, bleibt die Malerei ein grundlegender Anker in ihrem Schaffen, ein Ort, an dem die Künstlerin ihren Emotionen freien Lauf lassen und persönliche Erfahrungen in kraftvolle und eindrucksvolle Bilder umsetzen kann. “Für mich”, so die Künstlerin, “geht es bei der Malerei um das Wesen der Kreativität, sie ist dem Göttlichen nahe, sie ist eine Welt für sich, es ist, als würde man eine andere Dimension, einen anderen Raum betreten, etwas, das nicht menschlich ist”.

Emins Malerei zeichnet sich durch einen instinktiven und gestischen Ansatz aus. Die Künstlerin arbeitet direkt auf der Leinwand, ohne vorbereitende Zeichnungen, und lässt Formen und Figuren spontan entstehen. Die Pinselstriche sind schnell und energisch, die Farbtropfen erzeugen Effekte von Bewegung und Instabilität, die Spuren, die der malerische Gestus hinterlässt, sind Zeugen des kreativen Prozesses. Diese Herangehensweise spiegelt seinen Wunsch wider, die Unmittelbarkeit von Emotionen einzufangen und sie in visuelle Bilder zu übertragen. Seine Leinwände sind oft von einer starken Materialität geprägt: sich überlagernde Farbschichten erzeugen Dicke und Textur, die Oberflächen sind unregelmäßig und unvollkommen. Diese Vorliebe für Materialität spiegelt Emins Interesse am menschlichen Körper wider, der roh und realistisch mit all seinen Unvollkommenheiten und Verletzlichkeiten dargestellt wird.

Figuration und Abstraktion verschmelzen in seinen Werken und schaffen ein dynamisches Gleichgewicht zwischen Darstellung und Andeutung. Manchmal treten die Figuren deutlich aus der Leinwand hervor, ein anderes Mal lösen sie sich in einem Farbwirbel auf. Auf diese Weise gelingt es dem Künstler, komplexe und mehrdeutige Emotionen hervorzurufen und dem Betrachter die Freiheit zu lassen, das Werk zu interpretieren. Auch die Farben spielen in der Malerei von Emin eine wesentliche Rolle. Die Künstlerin verwendet kräftige und kontrastreiche Farben und schafft damit intensive und lebendige Atmosphären. Rot, Schwarz, Blau und Weiß sind die vorherrschenden Farben in seinen Gemälden, mit denen er oft Leidenschaft, Schmerz, Wut und Melancholie ausdrückt. Zu den bedeutendsten Werken seiner Bildproduktion gehören Hurt Heart (2015), It was all too Much (2018), It - didnt stop (2019), There was blood (2022), Not Fuckable (2024) und I waited so Long (2022). Diese Gemälde zeugen von Emins Fähigkeit, eine kraftvolle und persönliche Bildsprache zu schaffen, die in der Lage ist, die tiefsten Saiten der menschlichen Seele zu berühren.

9. Liebe ist ein zentrales Thema in der Kunst von Tracey Emin

Die Liebe ist eines der am häufigsten wiederkehrenden Themen im Werk von Tracey Emin, das sie in ihren vielen Facetten erforscht: Begehren, Romantik, Verlust, Trauer, Sexualität. Bei Emin wird dieLiebe nie idealisiert dargestellt, sondern immer in ihrer emotionalen Komplexität, die oft mit schmerzhaften persönlichen Erfahrungen verwoben ist. Werke wie I Want My Time With You (2017), das im Londoner Bahnhof St Pancras International installiert wurde, setzen die emotionale Intensität der Liebe in kraftvolle visuelle Aussagen um. Diese Neonskulptur steht an einem symbolischen Ort für alltägliche Begegnungen und Verabschiedungen und verstärkt die universelle Bedeutung der Botschaft.

Auch Emins Stickereien behandeln das Thema Liebe mit einer Zartheit, die im Kontrast zur Intensität der dargestellten Gefühle steht. In Werken wie No Distance (2016) werden Materialien verwendet, die traditionell mit der Handwerkskunst von Frauen in Verbindung gebracht werden, um zutiefst persönliche Gefühle zu erkunden. Auf diese Weise untergräbt die Künstlerin die mit den Geschlechterrollen verbundenen kulturellen Konventionen und verwandelt “häusliche” Techniken in kraftvolle Ausdrucksmittel.

Die Liebe kommt auch in den monumentalen Bronzeskulpturen zum Ausdruck, die Emin in den letzten Jahren geschaffen hat. In diesen Werken verbinden sich Verletzlichkeit und Erotik, um den menschlichen Körper als Ort der emotionalen und physischen Verbindung zu erkunden. Durch diese verschiedenen Ausdrucksformen gelingt es Emin, das Wesen der Liebe in ihren vielen Widersprüchen zu erfassen: Freude und Leid, Intimität und Distanz.

10. Tracey Emin ist eine wichtige weibliche Stimme der Kunstgeschichte

Tracey Emin gilt heute als eine der einflussreichsten Künstlerinnen der zeitgenössischen Szene, doch ihr Weg zum internationalen Erfolg war nicht ohne Hindernisse. Nachdem sie in den 1990er Jahren durch ihre Teilnahme an der Young British Artists (YBA)-Bewegung Bekanntheit erlangt hatte, hat sich Emin künstlerisch weiterentwickelt und sich einen prominenten Platz in der globalen Kunstwelt erarbeitet. Im Jahr 1999 wurde sein Werk My Bed für den Turner Prize nominiert: Obwohl er nicht gewann, löste das Werk eine große Mediendebatte aus, die dazu beitrug, seinen Ruf zu festigen. Im Jahr 2007 vertrat Emin Großbritannien auf der Biennale von Venedig mit der Ausstellung Borrowed Light: Dieses Ereignis markierte die offizielle Anerkennung seines Beitrags zur zeitgenössischen Kunst durch britische Institutionen. In den folgenden Jahren erhielt Emin zahlreiche Auszeichnungen und Ehrungen. Im Jahr 2011 wurde sie zur Professorin für Zeichnen an der Royal Academy of Arts ernannt und war damit die zweite Frau, die diese Position in der Geschichte der Institution innehatte. Ihre Werke wurden in einigen der renommiertesten Institutionen der Welt ausgestellt, darunter das MoMA in New York, der Louvre in Paris und das Munch Museum in Oslo. Trotz ihres weltweiten Erfolgs bleibt Emin ihren britischen Wurzeln tief verbunden und arbeitet weiterhin zwischen London und Margate.

Die britische Künstlerin steht somit als Symbolfigur für den Kampf um die Anerkennung der Frau in der zeitgenössischen Kunst. Seit Beginn ihrer Karriere hat sie die traditionellen Konventionen herausgefordert, die Künstlerinnen in eine zweitrangige oder marginalisierte Rolle drängen. Durch Werke, die Autobiografisches und persönliche Bekenntnisse miteinander verweben, wird Emin zu einer aktiven Protagonistin ihrer eigenen künstlerischen Erzählung. Sie ist auch eine engagierte Künstlerin. Im Jahr 2022 eröffnete Tracey Emin die Tracey Karima Emin Studios (TKE Studios) in Margate, ein ehrgeiziges Projekt, das ihr Engagement für die Förderung der nächsten Generation von Künstlern widerspiegelt. Die Studios bieten aufstrebenden Künstlern , die im Rahmen eines strengen Bewerbungsverfahrens ausgewählt werden , kostenlose Aufenthaltsmöglichkeiten. Dieser Raum ist nicht nur ein physischer Ort, sondern auch eine kreative Gemeinschaft, in der Künstler ihre Ideen in einem anregenden und gemeinschaftlichen Umfeld entwickeln können.

Das Projekt umfasst auch die Tracey Emin Artist Residency (TEAR), ein kostenloses Programm, das den teilnehmenden Künstlern praktische Ausbildung und professionelle Unterstützung bietet. Mit dieser Initiative zeigt Emin ihr Engagement, der Kunstwelt, die ihr so viel gegeben hat, etwas zurückzugeben. Für die Künstlerin stellen die TKE Studios eine Art Rückkehr zu ihren Wurzeln dar: Margate ist nicht nur der Ort ihrer Kindheit, sondern auch eine unerschöpfliche Quelle der Inspiration. Neben den Künstlerateliers beherbergen die TKE Studios auch Ausstellungen und Veranstaltungen, die der Öffentlichkeit zugänglich sind, und bilden so eine Brücke zwischen aufstrebenden Künstlern und der lokalen Gemeinschaft. Dieses Projekt unterstreicht die Bedeutung der Zugänglichkeit in der Kunst und spiegelt Emins Vision als sozial engagierte Künstlerin wider.

“Kunst”, so Tracey Emin, "sollte immer von dem handeln, was für einen selbst wahr ist. Sie sollte aufrichtig sein und dem echten Wunsch entspringen, die eigenen Antworten zu finden. Zumindest ist das bei mir so. Lange Zeit war meine Arbeit absolut unmodern. Aber das war mir egal, denn ich wusste, dass es das Richtige für mich war.

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