Zehn Dinge, die man über Helen Frankenthaler wissen sollte

Helen Frankenthaler (New York, 1928 - Darien, 2011) war eine der führenden Vertreterinnen desAbstrakten Expressionismus, einer Bewegung, die die amerikanische Kunstszene von den 1940er bis zu den 1960er Jahren beherrschte und aus der so bedeutende Persönlichkeiten wie Jackson Pollock und Willem de Kooning hervorgingen. Ihre Kunst (in Florenz, Palazzo Strozzi, vom 27. September 2024 bis zum 26. Januar 2025, die größte ihr jemals in Italien gewidmete Ausstellung: Helen Frankenthaler. Painting Without Rules, kuratiert von Douglas Dreishpoon) wird oft mit dem Subgenre des Colour Field in Verbindung gebracht, das sich durch die Verwendung großer, flacher, durchscheinender Farbflächen im Gegensatz zu den aggressiveren und stürmischen Gesten des Action Painting auszeichnet.

Einer von Frankenthalers größten Beiträgen war die Entwicklung einer innovativen Technik namens Soak-Stain (“Fleckenaufnahme”), die es ermöglichte, dass die Farbe direkt in die unvorbereitete Leinwand eindrang, wodurch flüssige, leuchtende Oberflächen entstanden. Diese Technik, die von Pollock beeinflusst war, sich aber gleichzeitig von seinem Werk distanzierte, war ein Wendepunkt, der ihr Werk prägen sollte.

Frankenthaler war eine Avantgarde-Frau, nicht nur wegen ihrer Kunst, sondern auch wegen ihrer Fähigkeit, sich in einer von Männern dominierten Kunstwelt zu behaupten. Durch ihre kontinuierliche Auseinandersetzung mit Malerei, Farbe und Emotionen erreichte sie neue Höhen und wurde zu einer der bedeutendsten Künstlerinnen des 20. Jahrhunderts. Ihre faszinierende Persönlichkeit, ihre ausgeprägte Intelligenz und ihre Fähigkeit, durch ihre Kunst eine Verbindung zu ihrem Publikum herzustellen, machen sie zu einem Thema von großem Interesse. Betrachten wir zehn Schlüsselaspekte der Kunst von Helen Frankenthaler und versuchen wir zu ergründen, was sie in der zeitgenössischen Kunst einzigartig machte.

1. Helen Frankenthaler studierte die großen europäischen Meister der Avantgarde

Helen Frankenthaler wurde am 12. Dezember 1928 in New York in eine Familie jüdischer Abstammung geboren. Ihr Vater, Alfred Frankenthaler, war Richter am Obersten Gerichtshof des Staates New York, ihre Mutter Martha Lowenstein war eine Emigrantin aus Deutschland. Der Einfluss des kulturellen und intellektuellen Hintergrunds der Familie war für Helens künstlerische Entwicklung von entscheidender Bedeutung, und sie zeigte schon in jungen Jahren ein starkes Interesse an der Kunst. Frankenthalers Ausbildung begann an der Dalton School, einer progressiven Schule in New York, wo sie bei dem Maler Rufino Tamayo studierte. Tamayo, der für seine Verschmelzung von Surrealismus, Abstraktionismus und mexikanischer Kultur bekannt ist, machte sie mit der Bedeutung von Farbe und Form vertraut. Später besuchte sie das Bennington College, wo sie ihr Studium der europäischen und modernen Kunst vertiefte und mit den Schriften von Clement Greenberg in Berührung kam, dem berühmten Kunstkritiker, der eine entscheidende Rolle in ihrer Karriere und ihrem persönlichen Leben spielen sollte.

Frankenthalers akademische Ausbildung erwies sich als entscheidend für ihre Karriere, denn sie vermittelte ihr einen technischen und theoretischen Hintergrund, der es ihr ermöglichte, einen persönlichen und unverwechselbaren Stil zu entwickeln, der Einflüsse aus der Vergangenheit mit zeitgenössischen Innovationen verband. Vor allem die europäische Kunst übte einen großen Einfluss auf Helen Frankenthaler aus. Während ihrer Ausbildung am Bennington College beschäftigte sich Frankenthaler eingehend mit den großen europäischen Meistern, darunter Paul Cézanne, Pablo Picasso und Henri Matisse, deren Lehren eine entscheidende Rolle bei der Entwicklung ihrer Bildsprache spielten. Vor allem Cézanne beeinflusste die Art und Weise, wie Frankenthaler die Landschaftsmalerei konzipierte. Obwohl sein Werk weit von der figurativen Malerei Cézannes entfernt ist, ist die Idee, natürliche Formen in Farbflächen aufzulösen, in seinen Gemälden offensichtlich. Cézanne lieferte Frankenthaler mit seinem innovativen Ansatz der Landschaftsmalerei einen Bezugspunkt für seine Erforschung der Beziehung zwischen Farbe und Raum.

“Ich glaube an die Tradition”, sagte Frankenthaler. “In meinem Fall basierte meine Ausbildung - meine Wurzeln - auf Cézanne, Picassos analytischem Kubismus und Braque, Kandinsky, Miró, Gorki, Pollock und vielen ihrer Zeitgenossen, Mentoren und Freunde. Ich habe gelernt, die Meister der Vergangenheit, des 15. Jahrhunderts, der Renaissance, zu schätzen, ebenso wie die Werke meiner Zeitgenossen. Manchmal denke ich, dass sich ästhetische Entwicklungen für einen Künstler fast ohne Vorwarnung einschleichen, mit einer subtilen Dringlichkeit, einer unbewusst geplanten Überraschung. Es gibt eine natürliche Ordnung”.

2. Helen Frankenthalers Werk ist dem abstrakten Expressionismus zuzuordnen

Helen Frankenthalers Werk ist mit dem abstrakten Expressionismus verbunden, einer Bewegung, von der sie inspiriert wurde, auch wenn sich ihre Kunst deutlich von der ihrer Zeitgenossen unterscheidet. Schon in den ersten Jahren ihrer Karriere kam Frankenthaler in Kontakt mit einigen der einflussreichsten Persönlichkeiten dieser Bewegung, wie Jackson Pollock, Willem de Kooning und Mark Rothko. Im Kontext des abstrakten Expressionismus entwickelte er sein Interesse an Farbe und nicht-figurativer Komposition.

Frankenthaler unterschied sich jedoch von seinen Kollegen durch seine Herangehensweise an die Malerei. Während die abstrakten Expressionisten ihre Emotionen oft mit heftigen und markanten Gesten auf der Leinwand zum Ausdruck brachten, bevorzugte Frankenthaler einen lyrischeren und poetischeren Ansatz, der sich in ihrer fließenden Verwendung von Farbe manifestierte. Sie wurde von Pollocks Arbeiten beeinflusst, fand aber einen Weg, ihre Tropftechnik in etwas Subtileres und weniger Aggressives zu verwandeln, das vor allem einer strengeren Kontrolle unterliegt. Die Kunst von Helen Frankenthaler ist also eine ausgewogene Kombination verschiedener Seelen: Poesie und Abstraktion, Technik und Fantasie, Kontrolle und Improvisation. Das zeigt sich deutlich in einem Werk wie Open Wall von 1953: Es war, so die Künstlerin, “ein Experiment, um eine Art Raum- und Grenzgefühl zu schaffen... Letztlich hat das Wesen des Gemäldes, das, was eine Reaktion hervorruft, wenig mit dem Thema selbst zu tun, sondern eher mit dem Zusammenspiel von Räumen und der Gegenüberstellung von Formen”.

Seine Kunst zeichnete sich durch die Fähigkeit aus, fließende, transparente Oberflächen zu schaffen, auf denen die Farbe in einer zarten Harmonie von Form und Chaos auf der Leinwand zu schweben schien. Mit dieser Herangehensweise, die spontanes Handeln mit einer raffinierten Sensibilität für Farbe und Komposition verband, reihte sie sich in die Bewegung ein, distanzierte sich aber gleichzeitig von ihr. Frankenthaler wiederholte zwar nicht Pollocks explosive Gestik, aber er nahm wichtige Anregungen von der Freiheit und dem unkonventionellen Ansatz der Malerei, die er einführte, und übernahm von Pollock die Idee der Malerei als intuitiven Prozess.

Über Pollocks Werk Number 14 , eines der inspirierendsten Werke seines Kollegen, sagte Frankenthaler: "Es war mehr als einfaches Zeichnen, Weben, Tropfen eines in Emaille getauchten Stäbchens, mehr als einfacher Rhythmus. Es schien eine solche Komplexität und Ordnung zu haben, dass es in diesem Moment eine Reaktion in mir auslöste. Etwas mehr... barocker, gezeichneter und mit einigen Elementen des abstrakten Realismus oder des Surrealismus, oder einer Reflexion davon... Es ist ein völlig abstraktes Gemälde, aber für mich hatte es diese zusätzliche Qualität.

3. Helen Frankenthaler erfand die “Soak-Stain”-Technik

Einer der berühmtesten Aspekte von Frankenthalers Werk ist die Entwicklung der " Soak-Stain“-Technik, die in den 1950er Jahren einen radikalen Wandel in der Malerei markierte. Die 1952 eingeführte Technik bestand darin, Farbe direkt auf die unvorbereitete Leinwand zu gießen oder zu verdünnen, so dass das Pigment in den Stoff eindringen und ihn ”beflecken" konnte. Diese Methode ermöglichte es ihr, transparente und fließende Effekte zu erzielen, die mit den traditionellen Methoden der Öl- oder Acrylmalerei unmöglich waren.

Das erste Werk, in dem sie diese Technik anwendet, ist Mountains and Sea (1952). Die großformatige Leinwand, die leicht wie ein Wasserspritzer ist, revolutioniert die Welt der abstrakten Kunst. Durch die Verwendung von verdünnter Ölfarbe, die auf eine unbehandelte Leinwand aufgetragen wurde, konnte die Farbe absorbiert und verteilt werden, wodurch ein ätherischer, nuancierter Effekt entstand, der Frankenthalers Markenzeichen werden sollte.

Die Technik umfasste vier Schritte. Erstens die Vorbereitung der Leinwand: Frankenthaler verwendete große Leinwände, die nicht mit Gips und Leim präpariert waren (diese Wahl ermöglichte es, dass die Farben direkt in die Fasern der Leinwand einziehen konnten). Zweitens die Verdünnung der Farben: Ölfarben wurden mit Terpentin oder anderen Lösungsmitteln verdünnt, um eine flüssige und transparente Konsistenz zu erhalten. Dieses Verfahren erleichterte die Diffusion der Farbe auf der Leinwand. Ab 1962 begann Frankenthaler auch mit Acrylfarben zu experimentieren und setzte sie später endgültig ein. Drittens derFarbauftrag: Auf die horizontal gespannte Leinwand goss, sprühte oder trug Frankenthaler die Farben auf, damit sie sich ausdehnen und in das Gewebe einziehen konnten. Der letzte Schritt war der Eingriff der Künstlerin in das Gemälde. Helen Frankenthaler benutzte eine Vielzahl von Werkzeugen, um die Farben zu manipulieren, z. B. Pinsel und Schwämme in verschiedenen Formen und Größen, Rollen, um die Farbe gleichmäßig aufzutragen, Lappen, um die Farbe zu verteilen oder zu vermischen, Hände und Finger zur direkten Kontrolle, Pipetten und Spritzen zum präzisen Auftragen, Stöcke, Spachtel und Rechen, um auf der frischen Oberfläche zu kratzen oder zu zeichnen. Ihre Kreativität brachte sie auch dazu, unkonventionelle Gegenstände wie einen Spaghetti-Löffel zu verwenden, was einen praktischen und innovativen Ansatz verdeutlicht.

4. Sie hatte eine romantische Beziehung mit Clement Greenberg

Eine zentrale Figur in Frankenthalers Leben und Karriere war Clement Greenberg, einer der einflussreichsten Kunstkritiker des 20. Greenberg war nicht nur ein Mentor und Förderer, sondern auch ein langjähriger romantischer Begleiter der Künstlerin. Ihre Beziehung, die in den frühen 1950er Jahren begann, hatte einen bedeutenden Einfluss auf Frankenthalers Karriere, da Greenberg einer der wichtigsten Förderer des Abstrakten Expressionismus und später des Farbfeldes war.

Greenberg sah in Frankenthaler eine Künstlerin, die die Grenzen der lyrischen Abstraktion erweitern konnte, und unterstützte sie dabei, eine persönliche Stimme im Kontext der abstrakten Kunst zu finden. Der Kritiker war fasziniert von ihrer Fähigkeit, eine raffinierte Bildsprache mit innovativen technischen Experimenten zu verbinden. Frankenthaler ihrerseits schätzte Greenbergs kritische Intelligenz, obwohl er versuchte, seine künstlerische Autonomie zu wahren.

Ihre Verbindung war sowohl eine intellektuelle als auch eine romantische Zusammenarbeit, und Greenberg spielte eine wichtige Rolle bei der Förderung von Frankenthalers Arbeit in Galerien und Museen. Im Laufe der Jahre gelang es dem Künstler jedoch, seine kreative Unabhängigkeit unter Beweis zu stellen, sich allmählich aus Greenbergs Schatten zu lösen und sich als einer der führenden Vertreter der amerikanischen abstrakten Malerei zu etablieren.

5. Sie heiratete einen großen Künstler: Robert Motherwell

1958 heiratete Helen Frankenthaler Robert Motherwell (Aberdeen, 1915 - Provincetown, 1991), einen der wichtigsten amerikanischen Maler und einen weiteren führenden Vertreter des abstrakten Expressionismus. Die Ehe mit Helen war seine dritte, und da sie beide aus wohlhabenden Familien stammten, wurden sie auch als “das goldene Paar” bezeichnet. Ihre Flitterwochen verbrachten sie in Europa, zwischen Spanien und Frankreich. Ihre Ehe wirkte sich positiv auf ihre Kunst aus, trotz der großen charakterlichen Unterschiede zwischen ihnen: Helen Frankenthaler war extrovertiert und sehr gesellig, während Robert Motherwell zurückhaltend und introvertiert war.

Zwei Jahre nach ihrer Heirat, im Jahr 1960, mieteten sie eine Villa in Alassio, Ligurien, wo sie Gemälde schufen, die von der Sonne und dem Meer inspiriert und von einer intensiven Lebensfreude geprägt waren. Die Erfahrung des Meeres setzte sich in ihrer Heimat fort: Das Paar verbrachte die Sommer in dem Badeort Provincetown, Massachusetts, wo sie ihre Ateliers einrichteten. Es gibt auch Werke, die diese Liebe zelebrieren: Helen Frankenthaler entwarf beispielsweise eine Valentinstagskarte für ihren Mann, und er selbst widmete seiner Geliebten Werke wie Helen’s Collage, die 1957, kurz nach ihrem Kennenlernen, entstand. Die Ehe dauerte bis 1971, als sich die beiden Künstler scheiden ließen.

6. Helen Frankenthalers Meisterwerk ist Mountains and Sea von 1952

Das Werk Mountains and Sea (1952) gilt als eines der bedeutendsten Meisterwerke Helen Frankenthalers, wenn nicht gar als ihr wichtigstes Werk, und als einer der Wendepunkte der amerikanischen abstrakten Nachkriegskunst. Das Gemälde, das die Künstlerin im Alter von nur 23 Jahren schuf, markierte den Beginn eines neuen Kapitels der Abstraktion und beeinflusste eine ganze Generation von “Colour Field”-Malern wie Morris Louis und Kenneth Noland, die das Werk nur sechs Monate nach seiner Entstehung sahen.

Das Werk wurde von einer Reise Frankenthalers nach Cape Breton, Nova Scotia, inspiriert, und der Titel selbst verweist auf die Weite der Natur und den Sinn für den offenen Raum. Mountains and Sea ist jedoch keine figurative Darstellung der Landschaft, sondern eine emotionale und abstrakte Übersetzung der Gefühle, die die Künstlerin bei der Konfrontation mit dieser Landschaft hatte. Die Innovation von Mountains and Sea liegt in der Methode, mit der es gemalt wurde: der “Soak-Stain”-Technik.

Das Gemälde stellt die Grenzen zwischen dem Figürlichen und dem Abstrakten in Frage. Es sollte Gefühle und Stimmungen hervorrufen und dem Betrachter eine visuelle Erfahrung bieten, die frei von spezifischen Interpretationen ist. Mountains and Sea wurde zu einem der meistzitierten Werke im Kontext der amerikanischen Nachkriegsmalerei und beeinflusste eine Reihe von aufstrebenden Künstlern, so sehr, dass es sogar als “Stein von Rosette des Farbfeldes” bezeichnet wurde.

7. Helen Frankenthaler trug zur Entwicklung der Farbfeld-Bewegung bei

Einer der zentralen Aspekte von Helen Frankenthalers Karriere ist ihr Beitrag zur Entwicklung des Farbfelds, einer Bewegung, die in den 1950er Jahren als Reaktion auf die dramatischeren Tendenzen des Abstrakten Expressionismus entstand. Die Künstler des Colour Field (der Begriff wurde 1955 von Clement Greenberg geprägt), deren wichtigster Vertreter Mark Rothko war, distanzierten sich von der gestischen Intensität und den expressiven Pinselstrichen, die für Künstler wie Pollock und de Kooning typisch waren, und konzentrierten sich stattdessen auf dieVerwendung großer, flächiger, einheitlicher Farben.

Frankenthaler war ein Pionier dieses Ansatzes. Sein innovativer Einsatz der “Soak-Stain”-Technik ließ die Farben leicht und durchscheinend erscheinen und schuf leuchtende Hintergründe, die frei über die Leinwand zu fließen schienen. Diese formale Einfachheit wurde zu einem Markenzeichen der Farbfeldmalerei und beeinflusste Künstler wie Morris Louis, Kenneth Noland und Jules Olitski. Insbesondere Morris Louis übernahm nach einem Besuch in Frankenthalers Atelier im Jahr 1953 dessen Technik und führte sie auf eine neue Ebene der Abstraktion.

Die Bedeutung von Frankenthalers Beitrag zum “Farbfeld” kann nicht unterschätzt werden. Seine Erforschung der Farbe als autonomes Ausdrucksmittel war eine der originellsten seiner Zeit.

8. Er benutzte Farbe als emotionale Sprache

Eines der charakteristischen Merkmale von Frankenthalers Werk ist die Art und Weise, wie sie Farbe nicht nur als visuelles Element, sondern als emotionale Sprache einsetzte. Von seinen frühesten Werken an stand die Farbe im Mittelpunkt seiner künstlerischen Forschung, und die Art, wie er sie auf seinen Leinwänden einsetzte, definierte die Rolle der Farbe in der abstrakten Kunst neu.

In Werken wie Alassio (1960), das während eines Arbeitsaufenthalts in Ligurien entstanden ist, scheinen die Farben aus der Leinwand zu fließen und ein Gefühl der Fluidität zu erzeugen, das eine unmittelbare und greifbare Emotion vermittelt. Die Gelbtöne, die tiefen Blautöne und die durchscheinenden Rottöne sind nicht nur Farbtöne, sondern Ausdrucksträger. Diese Sensibilität für Farben war nicht nur visuell, sondern auch taktil: Seine Gemälde suggerieren oft ein Gefühl von Leichtigkeit und Bewegung, als wären die Farben auf die Leinwand geblasen worden oder hätten sich auf natürliche Weise in einen unendlichen Raum ausgedehnt. In diesem Sinne gehörte Frankenthaler zu den Farbfeldkünstlern, die in der Lage waren, Farbe in eine visuelle Erfahrung zu verwandeln.

In den 1970er Jahren entwickelt sich diese Haltung weiter: Sie experimentiert mit intensiven, atmosphärischen Landschaften , die manchmal an die Monochromie grenzen. Ein Beispiel für diese Phase ist das Gemälde Ocean Drive West #1, über das sie sagte: “Am Ocean Drive West starrt man immer auf die Horizontlinie.... Es gibt unscharfe Bereiche von Long Island jenseits des Sundes, einige sind sichtbar, andere nicht. Ich habe nicht auf die Natur oder eine Meereslandschaft geschaut, sondern auf das Muster in der Natur, so wie man die Sonne oder den Mond als Kreise oder als Licht und Schatten sehen kann”.

9. Ihr Beitrag zur Welt des Grafikdesigns und der Druckgrafik

Neben der Malerei war Helen Frankenthaler auch auf dem Gebiet des Grafikdesigns und der Druckgrafik führend, wo sie die gleiche innovative Sensibilität einbrachte, die auch ihr malerisches Werk geprägt hatte. In den 1960er Jahren begann Frankenthaler, Drucktechniken wie den Holzschnitt zu erforschen, und arbeitete mit einigen der wichtigsten Druckwerkstätten in den Vereinigten Staaten zusammen, darunter Universal Limited Art Editions (ULAE) und Tyler Graphics.

Seine Herangehensweise an den Druck, die in den 1970er Jahren begann (sein erster Holzschnitt, East and Beyond, entstand 1973 bei ULAE), stand im Einklang mit seiner Malerei: Er experimentierte mit Transparenz und Farbüberlagerungen und nutzte die Druckgrafik, um neue visuelle Effekte zu erforschen, die er mit der traditionellen Malerei nicht erreichen konnte. Insbesondere spezialisierte er sich auf die Verwendung von Farbholzschnitten. Seine Holzschnitte aus den 1980er und 1990er Jahren, wie Tales of Genji III (1998), zählen zu den innovativsten Werken im Bereich der zeitgenössischen Grafik.

10. Sie liebte die Malerei auf Papier

Helen Frankenthaler experimentierte stets damit, abwechselnd auf Leinwand und auf Papier zu malen, da sie letzteres für ein handlicheres Medium hielt, das bei Bedarf leicht ersetzt werden konnte. Sie arbeitete vor allem nach ihrer Heirat mit Stephen DuBrul im Jahr 1994 auf Papier, ihre Arbeiten auf Papier scheinen einen Wendepunkt zu markieren. Diese Arbeiten drücken eine neue Vitalität aus, eine Offenheit für die Zukunft, die jedoch die Vergangenheit nicht vergisst. Selbst in diesen Momenten des neuen Optimismus bleibt in seiner Kunst ein Gefühl der Reflexion über frühere Erfahrungen erhalten. Dieses Gefühl zeigt sich in Werken wie Solar Imp und Cassis, die seinen neuen Lebensabschnitt feiern. In diesen Gemälden drückt Frankenthaler mit breiten Schwämmen Farbrechtecke auf das Papier und schafft Kompositionen, die sich durch eine klare, saubere Kalligrafie auszeichnen. In Solar Imp sind die Rechtecke unter zwei schwarzen Formen angeordnet, die an die Figuren erinnern, die in seinen früheren, während der Ehe mit Robert Motherwell entstandenen Werken dominierten. Diese Elemente zeugen nicht nur von einer Verbindung mit der Vergangenheit, sondern deuten auch auf eine stilistische und persönliche Entwicklung hin.

Frankenthaler hatte schon immer eine tiefgreifende Vision von Schönheit, ein Konzept, das er auch dann noch weiter erforschte und verteidigte, als viele seiner Zeitgenossen, vor allem die jüngeren und politisch engagierteren, dazu neigten, es im Kontext der modernen Kunst als obsolet oder wertlos zu betrachten. Für Frankenthaler war Schönheit alles andere als oberflächlich oder trivial; sie war im Gegenteil eine Darstellung der menschlichen Existenz in ihrer Gesamtheit. Seine Werke, auch die auf Papier, spiegeln die Vergänglichkeit der Existenz und das unausweichliche Vergehen der Zeit wider, wie in den Werken der letzten Jahre seiner Karriere zu sehen ist, darunter Southern Exposure, eines seiner intensivsten Gemälde auf Papier. Diese Werke vermitteln ein tiefes Bewusstsein für das Vergehen der Zeit und machen die Vergänglichkeit des Lebens spürbar.

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