Welche Trends gibt es heute in der jungen zeitgenössischen Malerei? Ein kurzer Überblick

Wer es gewohnt ist, in Kunstmagazinen zu blättern, weiß, dass Kunstmagazine ihrem Publikum gerne Einblicke und Analysen in Form von Rankings bieten. Die zehn besten Stände auf der Messe, die zwanzig Künstler, die man im Auge behalten sollte, die dreißig Ausstellungen des Jahres, die hundert einflussreichsten Persönlichkeiten in der Kunstwelt und so weiter. Ranglisten haben den unbestreitbaren Vorteil, dass sie unmittelbar, leicht verständlich und publikumswirksam sind, lange und oft hitzige Diskussionen auslösen können und für den Autor auch relativ leicht zu erstellen sind, da sie viel weniger Zeit in Anspruch nehmen als eine umfassende Analyse. Seit einigen Jahren stößt man in Kunstmagazinen, vor allem im angelsächsischen Raum (aber auch in der kunstinteressierten Publikumspresse), immer häufiger auf Listen der Werke, die nach Meinung ihrer Verfasser die Kunst des 21. Jahrhunderts am besten repräsentieren . Es ist schwierig, Ranglisten zu finden, die in Bezug auf Namen, Werke und Positionen übereinstimmen, obwohl einige Künstler immer wieder auftauchen und es eigentlich ein Element gibt, auf das sich alle einigen können: die geringe Präsenz der Malerei. In der Bestenliste von Artnet News (September 2017) erscheint nur ein einziges Gemälde von etwa 20 genannten Werken. In The Guardian (2019) wurden zwei Maler von 25 Künstlern genannt. Und in der aktuellen Artnews Top 100 (März 2025) finden sich unter den ersten vierzig Werken nur drei Gemälde. Das bedeutet jedoch nicht, dass die Malerei nicht immer noch eine lebendige, pulsierende, überraschende und überall gesprochene Sprache ist, auch wenn sie, gelinde gesagt, als ein hoffnungslos veraltetes Medium erscheinen mag (und wahrscheinlich auch ist). Ein Maler ist heute ähnlich wie ein Dichter. Das heißt, eine Figur, die eine Sprache praktiziert, die weit von der Sensibilität der meisten entfernt ist. Und doch lebendig.

Und eine lebendige Sprache ist sie aus vielen Gründen. Erstens, weil sie eine lange Geschichte hat und Maler schließlich Hüter einer Tradition sind, die sich durch die Jahrhunderte zieht. Zum anderen, so schrieb Jonathan Jones vor einigen Jahren im Guardian , weil Malerei “überall funktioniert: von der Nationalgalerie über eine Eiszeithöhle bis hin zur Wand einer Pizzeria ist sie einfach Farbe, die von einem Menschen benutzt wird, um bedeutungsvolle Zeichen zu hinterlassen. Das ist der Grund, warum die Malerei überall ist, warum sie überall hingehen kann und trotzdem eine Art von Kunst ist”. Auch hier wird die Malerei als Mittel zur Reflexion über die Gegenwart und die Zukunft weit verbreitet, denn sie ist eines der unmittelbarsten Werkzeuge , die dem Menschen zur Verfügung stehen, wenn er seinen Mitmenschen einen Gedankengang anbieten will, der über die phänomenale Realität hinausgeht und das Fantastische, das Unbekannte, den Traum, das Surreale, das Ungreifbare erforschen will. Und dann, ganz banal, weil es einfacher ist, ein Gemälde in unser Wohnzimmer zu hängen als eine Installation aus Rohren und Schutt oder ein Umweltvideo: Die Malerei ist unmittelbarer, weil sie transversaler ist. Folglich schätzt der Markt die Malerei, und die von zeitgenössischen Künstlern geschaffenen Bilder werden immer noch zu hohen Preisen verkauft. Natürlich ist die Malerei heute nur noch eines von vielen Instrumenten, die der Kunst zur Verfügung stehen, weshalb sie angesichts der Vielzahl von Ausdrucksmitteln an Bedeutung verloren zu haben scheint. Und in gewisser Weise ist dies auch der Fall: Die bildenden Künste sind nicht mehr die dominierenden Künste unserer Zeit, und die Malerei ist, wie die oben erwähnten Ranglisten zeigen, unter den bildenden Künsten nicht dominant. Dennoch ist die Malerei nach wie vor ein Instrument, das von Künstlern auf der ganzen Welt genutzt wird. Sie ist also kein starres Ausdrucksmittel. Ganz im Gegenteil: Die Erkundung der Malereiszene an der Wende zum letzten Vierteljahrhundert ist nützlich, um zu verstehen, was mit der Malerei geschieht, welche Veränderungen dieses Medium durchläuft, welche Trends die junge zeitgenössische Malerei durchläuft. Zugegeben, das ist eine schwierige Aufgabe: Rankings sind ein beliebtes Medium, auch weil es nicht leicht ist, die Gegenwart distanziert zu betrachten. Aber es ist einen Versuch wert, ohne den Anspruch auf Vollständigkeit zu erheben. Und in dem Bewusstsein, dass der Innovationsgrad der Malerei heute rückläufig zu sein scheint. In den folgenden Zeilen, die Künstler betreffen, die ab den 1980er Jahren geboren wurden, werden Sie keine bombastischen Namen finden. Namen, die jeder kennt. Namen, die auch außerhalb des engen Kreises der Insider bekannt sind. Das liegt zum einen daran, dass die Malerei, die nicht mehr die dominierende Kunst ist, viel von ihrer subversiven Kraft, ihrer Sprengkraft, ihrer Fähigkeit, die Regeln der Moderne zu diktieren, verloren hat. Und dann ist sie aus unseren Gewohnheiten verschwunden, sie hat aufgehört, für das Leben der meisten Menschen relevant zu sein, sie ist nicht mehr Teil unseres Alltagslebens. Zumindest gehört sie nicht in dem Maße dazu, wie ein Film, ein Lied oder sogar eine öffentliche Kunstintervention dazugehören kann (weshalb der Laie heute viel mehr mit Bildhauern oder urbanen Künstlern, so genannten Straßenkünstlern, vertraut ist als mit Staffeleimalern).

Vor diesem Hintergrund könnte man von einer unbestreitbaren Tatsache ausgehen: In den letzten zehn Jahren hat sich das Szenario durch die Globalisierung und - vielleicht noch wichtiger - durch die Vernetzung durch das Internet mit all seinen jüngsten Folgen stark verändert. Vor allem die extreme Geschwindigkeit, mit der sich Informationen verbreiten, und die Leichtigkeit des Zugangs zu Inhalten: Bis Anfang der 2010er Jahre, mehr oder weniger, bevor das Internet die Dominanz vonnutzergenerierten Inhalten und die Leichtigkeit des Austauschs, die durch die sozialen Netzwerke gewährleistet wird, annahm, musste man recherchieren, gründlich studieren und reisen, um einen vertikalen Einblick in die Kunstszene eines anderen Landes zu bekommen. Heute reicht es jedoch aus, ein wenig Zeit auf Instagram, auf den Websites von Kunstmessen (alle großen Messen bieten Werkkataloge an) und in den Ausstellungsräumen von Galerien zu verbringen. Ein Bildhauer in Florenz kann sich ein Bild davon machen, was seine Kollegen in Stockholm machen, ein Maler in Nizza kann herausfinden, was in New York passiert, ohne sein Haus zu verlassen, ein Galerist in Hamburg kann sich über Künstler informieren, die auf einer Messe in Kapstadt ausstellen. Die Veränderungen des Netzes haben also die Multikulturalität, die uns die Globalisierung als Mitgift hinterlassen hat und die dazu beigetragen hat, dass sich die Künstler immer mehr von den Zwängen nationaler oder regionaler künstlerischer Traditionen gelöst haben, beschleunigt und neu gemischt: Die wichtigste Folge ist, dass ein großer Teil der Malerei des 21. Jahrhunderts sozusagen eine kosmopolitische Malerei ist. Jahrhunderts eine kosmopolitische Malerei ist. Junge Maler schöpfen aus verschiedenen Traditionen, kontaminieren und vermischen Elemente aus Kulturen, die weit von denen entfernt sind, in denen sie aufgewachsen sind, manchmal sogar unbewusst. Junge Maler neigen dazu, sich mit globalen Themen auseinanderzusetzen (Klimakrise, Wirtschaftskrisen, Menschenrechte, Bürgerrechtsansprüche, Migration, Technologie usw.). Künstler wie Salman Toor (1983), der zu den interessantesten unter den nach 1980 geborenen Malern zählt, oder Njideka Akunyili Crosby (1983) oder Jamian Juliano-Villani (1987) bewegen sich in diesem Fahrwasser. Andererseits führt das Überangebot zu einer Überfrachtung, mit der Folge, dass der durch die Zugänglichkeit der Netzwerke geförderte Multikulturalismus die Malerei des 21. Jahrhunderts zunehmend homogenisiert: Es wird immer schwieriger, die Herkunft eines Künstlers zu verstehen, auch wenn es Ausnahmen gibt. Im Gegenteil: Der Künstler, dem es gelingt, seine Malerei mit einer starken Prägung zu versehen, die seine eigene Tradition in den Vordergrund einer anderswo angesiedelten Forschung rückt, findet tendenziell mehr Beachtung, weil er sich der Homologierung und Nachahmung verweigert. So lässt sich beispielsweise die Tatsache erklären, dass die afrikanische Malerei von Kritikern und Sammlern gleichermaßen hoch geschätzt wird: Dies geschieht, weil keiner der bedeutendsten afrikanischen Künstler seinen eigenen kulturellen Hintergrund verleugnet. Einige Namen: Amoako Boafo (1984), Emmanuel Taku (1986), Oluwole Omofemi (1988), Tafadzwa Tega (1985). Man könnte den Vorwurf erheben, die Exotik zu überhöhen, aber in diesem Fall würde es sich um jeden Künstler jeglicher Herkunft handeln (selbst ein Italiener ist beispielsweise für einen amerikanischen Sammler exotisch): Auf einem global gewordenen Markt belohnt der Sammler den Maler, der einerseits eine erkennbare stilistische Handschrift entwickelt hat und sich andererseits der Homologierung entziehen kann, und der Homologierung entzieht man sich nur durch die Vermittlung der Tradition. Einige Beispiele von Malern, die nach 1980 geboren wurden und die diesen Weg gut gegangen zu sein scheinen (diese Beispiele sind nicht erschöpfend, aber es muss gesagt werden, dass die Auswahlliste nicht sehr erweitert werden kann, da es schwierig ist, interessante Persönlichkeiten zu finden) in Frankreich: Claire Tabouret (1981), Djabril Boukhenaïssi (1993); in Belgien: Ben Sledsens (1991); in Italien: Francesca Banchelli (1981), Rudy Cremonini (1981), Andrea Fontanari (1996), Marco Salvetti (1983); in England, Michael Armitage (1984); in der Schweiz, Rebekka Steiger (1993); in Mexiko, Ana Segovia (1991), Felipe Baeza (1987); in Japan, Etsu Egami (1994), Ayako Rokkaku (1982).

Diese kosmopolitische Malerei, die auf traditionelle Ästhetiken zurückgreift, um auf die Gegenwart zu reagieren, zeichnet sich durch ein kulturelles Nomadentum aus, das in der Kunstgeschichte beispiellos ist: Die neuen Maler gehören keiner einzigen Tradition an, sondern beziehen ihre Referenzen aus oft weit entfernten Vergangenheiten. Salman Toor zum Beispiel schöpft aus der Geschichte der europäischen Kunst (insbesondere der impressionistischen und postimpressionistischen Kunst) und vermischt sie mit Erinnerungen an sein Heimatland Pakistan, um dem Betrachter seine eigenen Erfahrungen als Einwanderer in den Vereinigten Staaten zu vermitteln, der sich zwischen Nachtclubs bewegt, der mit anderen Asiaten am Rande der amerikanischen Metropolen abhängt, der sich in der Intimität eines Wochentags einschließt, um seinem eigenen existenziellen Unbehagen zu entgehen. Njideka Akunyili Crosby hingegen mischt westliche Ikonografien mit afrikanischen Motiven, um eine Kunst zu schaffen, die, wie er selbst zugibt, sowohl an das nigerianische Publikum (sein Heimatland) als auch an das amerikanische Publikum (wo er lebt) zu denken versucht. In Italien verbindet Andrea Fontanari eine Haltung, die dem amerikanischen zeitgenössischen Realismus verpflichtet ist, mit einem Beharren auf Objekten, das für die italienische Kunst der Nachkriegszeit typisch ist, von Guttuso bis Ferroni, von Gnoli bis zur Scuola di Piazza del Popolo. Einige der Charakteristika der zeitgenössischen kosmopolitischen Maler könnten mit dem 2009 von Nicholas Bourriaud entwickelten Konzept der “Altermoderne” in Verbindung gebracht werden, um eine Haltung zu bezeichnen, die den Relativismus der Postmoderne überwinden will, die in der Globalität operiert und gleichzeitig die Standardisierung ablehnt, die Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft mit einer neuen Linearität verbindet. Der Altermoderne nach Bourriauds Formel bevorzugt jedoch nicht-lineare und offene Erzählstrukturen und ist eher am Prozess als am Inhalt interessiert, an der Art und Weise, wie die Elemente miteinander in Beziehung stehen, als an der eigentlichen Bedeutung der einzelnen Elemente, denn das altermoderne Werk kann als Knotenpunkt in einem Netzwerk von Verbindungen gesehen werden. Die Altermoderne, so heißt es in der Präsentation einer Tate-Ausstellung, die sich 2009 ebenfalls diesem Konzept widmete (wobei es dem Publikum überlassen blieb, zu entscheiden, was “heute modern sein” bedeutet), “privilegiert dynamische Prozesse und Formen gegenüber eindimensionalen Einzelobjekten und Bahnen gegenüber statischen Massen”. In Italien versuchte das kunstkritische Kollektiv Luca Rossi, dessen “Frontmann” Enrico Morsiani (1981) ist, mit der IMG-Serie, Gemälden im Zusammenhang mit dem Projekt If you don’t understand something search for it on Youtube, eineWork in Progress, das sich auf Amateurvideos bezieht, die auf Youtube hochgeladen wurden, um eine Art Ode an das Chaos der digitalen Inhalte und vor allem an die vergessenen Videos zu verfassen, die zu Beginn des sozialen Zeitalters ins Netz gestellt wurden und dann in Vergessenheit gerieten. Andererseits kann keiner der oben erwähnten kosmopolitischen Maler als altermodern bezeichnet werden, zumindest nicht im Sinne Bourriauds, denn in ihrer Praxis sind die Inhalte stark, die Prozesse sind traditionell, es gibt keinen Fokus auf dynamische Strukturen und Bahnen. Im Vergleich zur Fragmentierung und Zitierweise, die die postmoderne Malerei kennzeichneten, versuchen die zeitgenössischen kosmopolitischen Maler im Gegenteil eine kohärente Synthese und scheinen sich, obwohl sie manchmal eine gewisse Ironie beibehalten, die auch für die Postmoderne charakteristisch war, der Dekonstruktion, dem Sarkasmus und dem Eklektizismus zu widersetzen, die die Kunst früherer Generationen kennzeichneten, und im Gegenteil Sprachen und Traditionen zu mischen, um neue Narrative zu schaffen, die in der Regel mit wichtigen zeitgenössischen Themen zu tun haben: soziale Forderungen, Umweltkrisen, Migrationen, oft mit persönlichen und autobiografischen Ansätzen, aber mit dem Versuch, ein globales Publikum anzusprechen (weshalb die neuen kosmopolitischen Maler unmittelbarer, ja einfacher erscheinen als die Maler der vorherigen Generationen).

An dieser Stelle müssen wir uns mit den wichtigsten Erzählungen befassen, die die junge zeitgenössische kosmopolitische Malerei kennzeichnen, denn sie sind komplex, vielfältig und miteinander verbunden. Sie sind komplex, vielfältig und miteinander verbunden, aber sie sind auch wiederkehrend und zielen darauf ab, die Dynamik einer komplexen internationalen und globalen Situation zu reflektieren, die von großen politischen, sozialen, kulturellen und wirtschaftlichen Veränderungen geprägt ist (Postkolonialismus und die daraus resultierenden Machtverhältnisse, rassische und soziale Ungleichheiten, Digitalisierung und der zunehmende Einsatz von Technologie, Geschlechterfragen, kulturelle Verflechtung, Migration und Umweltkrisen). Der junge kosmopolitische Maler ist also tendenziell ein engagierter Künstler. Die kosmopolitische Malerei des 21. Jahrhunderts besteht indes oft auf dem Konzept der “Identität” und versucht zu verstehen, wie sich Migrationen, kulturelle Verbindungen, transnationale Bindungen und die Fluidität der zeitgenössischen Gesellschaften, vor allem der westlichen, auf Individuen und Gemeinschaften auswirken: Die bereits erwähnte Arbeit von Nijdeka Akunyili Crosby untersucht die Überschneidungen zwischen der nigerianischen und der amerikanischen Kultur. Salman Toor versucht, von der Erfahrung der Diaspora zu erzählen. Viele Maler wiederum versuchen, die Geschichten des Widerstands und des Kampfes um Selbstbestimmung von Völkern zu erzählen, die unter den Auswirkungen des Kolonialismus gelitten haben, oder von Gemeinschaften, die lange unter Rassentrennung gelitten haben. Da es heute viele Künstler gibt, die sich mit diesen Themen befassen, beschränken wir uns der Kürze halber auf eine kurze Erwähnung der amerikanischen Szene, die mit einer Malerei verbunden ist, die seit etwas weniger als einem Jahrhundert ununterbrochen die Geschichte der afrikanischen Diaspora erzählt, von Jacob Lawrence’ bahnbrechenden Erfahrungen mit seinen Migrationsszenen der 1940er Jahre bis zur Harlem Renaissance und der Kunst der afrikanischen Diaspora.Die Harlem Renaissance und die Kunst der 1970er Jahre, die im Gefolge der Kämpfe der Bürgerrechtsbewegung entstanden sind (Barkley Hendricks, Faith Ringgold), bis hin zu Basquiats Graffitikunst und den Werken von Künstlern, die zwischen den 1960er und 1970er Jahren geboren wurden und die Komplexität der afroamerikanischen Kultur wiedergeben (Kerry James Marshall, Mickalene Thomas, Kara Walker, Kehinde Wiley). Junge, kosmopolitische Künstlerinnen und Künstler, die in dieser bedeutenden Tradition stehen, sind zum Beispiel Nina Chanel Abney (1982), Tajh Rust (1989), Ambrose Rhapsody Murray (1996), Shaina McCoy (1993), Na’ye Perez (1992), Crosby selbst.

Es gibt auch eine Forschung zu Gender und Queerness , die von Künstlern durchgeführt wird, die kontinuierlich sexuelle Identitäten, Geschlechterrollen und Körperdarstellungen selbst hinterfragen, wobei die Malerei als Mittel zum Ausdruck persönlicher und kollektiver Erfahrungen genutzt wird, die die Entwicklung der Queer-Kultur und den öffentlichen Raum der Selbstdarstellung der eigenen Geschlechtsidentität reflektieren. Künstler wie Salman Toor, Tschabalala Self (1990), Jonathan Lyndon Chase (1989), Frieda Toranzo Jaeger (1988) und Anthony Cudahy (1989) können in diesen Kontext gestellt werden. Andererseits beschäftigen sich Maler wie Madjeen Isaac (1996), Claire Sherman (1981), Zaria Forman (1982) und Ranny MacDonald (1994) mit dem Klimawandel, während die Gruppe der Künstler, die sich für Gesellschaftskritik (an Kapitalismus, Wirtschaftssystemen, Machtsystemen, der Macht der Technologie usw.) interessieren, Jamian Juliano-Villani, Chloe Wise (1990), Vladimir Kartashov (1997) umfassen könnte. Dann gibt es Künstlerinnen und Künstler, die sich mit dem weiblichen Körper und der Weiblichkeit auseinandersetzen und oft über den Körper als Territorium der Behauptung, wenn nicht gar als Raum schlechthin nachdenken. Hier sind Künstlerinnen wie Christina Quarles (1985), Sahara Longe (1994) und Alejandra Hernández (1989) zu nennen, während für Italien Romina Bassu (1982), Chiara Enzo (1989) und Giuditta Branconi (1998) zu nennen sind.

Außerhalb der engagierten Kunst gibt es eine andere, nicht weniger interessante (ja, oft viel origineller, innovativer und sogar besser geeignet, die Gegenwart zu beschreiben), die durch eine ausgeprägte Tendenz zum Intimismus gekennzeichnet ist, eine Zuflucht in das Alltägliche, die im Mittelpunkt der Praxis vieler junger zeitgenössischer Maler steht. Dieser Rückzug ins Alltägliche ist eine Antwort, die viele den Herausforderungen der heutigen Welt entgegensetzen: Es entsteht eine Malerei, die in der häuslichen Dimension, in den Zärtlichkeiten, im Alltag Trost findet und die Erinnerung, die Zeit, die Liebe, die Freundschaft als Räume des Widerstands, der Kontemplation und der Neudefinition der Wirklichkeit betrachtet. Eine Kunst, die von intimen, menschlichen Verbindungen spricht, eine Kunst, die die politische Instanz (oder zumindest die aktive politische Haltung) ablehnt, aber nicht weniger politisch ist als die direkteren. Eine Kunst, die oft auch in Träumen Zuflucht findet und dann traumhafte Konnotationen annimmt. Künstler wie Jordan Casteel (1989), Caroline Walker (1982) und Andrea Fontanari sind vielleicht die besten Beispiele für diese Art von Kunst. Einige Beispiele für Künstler, die an einer Untersuchung interessiert sind, die über das Rationale hinausgeht und in die Bereiche des Traums, des Unbewussten und des Unterschwelligen vordringt, sind die Werke von Francesca Banchelli, die in ihrer jüngsten Forschung einen visionären, traumhaften Expressionismus erforscht, der die Tradition der Transavantgarde erneuert, oder die von Alessandro Fogo (1992).

Kehren wir stattdessen auf die rein formale Ebene zurück und entfernen uns immer von den politisch engagierten Erzählungen, so können wir den Überblick mit den Untersuchungen der Abstraktionisten beenden, die im Rahmen der jungen kosmopolitischen Malerei arbeiten: Es ist schwierig, hier originelle Untersuchungen zu finden, in einem Bereich, in dem es wirklich schwer ist, innovativ zu sein, aber es gibt einige, die es versuchen. So gibt es beispielsweise diejenigen, die den Weg der Arbeit mit Materialien gehen, wie Julia Bland (1986), und diejenigen, die den modernen Abstraktionismus neu interpretieren, indem sie den Raum betrachten, wie der Italiener Erik Saglia (1989). Emma McIntyre (1990), die sich mehr oder weniger bewusst auf Richter und den abstrakten Expressionismus, insbesondere auf Helen Frankenthaler, beruft, und Jadé Fadojutimi (1993), bei der man unweigerlich an Julie Mehretu denken muss. Der Kritiker und Künstler Julien Delagrange, Direktor des belgischen Magazins Contemporary Art Issue, wollte einen Trend in der zeitgenössischen Abstraktion ausmachen, nämlich das Interesse am Farbverlauf, ein Motiv, das seiner Meinung nach in der heutigen visuellen Kultur allgegenwärtig ist, vom Grafikdesign bis zum Webdesign, von der Druckgrafik über die Inneneinrichtung bis hin zu Künstlern als Künstler.bis hin zu Künstlern von Instagram, die von Algorithmusfiltern vorgeschlagen werden, nicht selten Abstrakte, die sich mit Hilfe des Farbverlaufs ausdrücken und denen es, so Delagrange, durch dieses Medium oft gelingt, viral zu gehen, weil der Farbverlauf beliebt ist und das Publikum ihn zu schätzen scheint. Seiner Meinung nach beruht dieses Interesse auf einer besonderen sensorischen Reaktion, “einer physischen und psychologischen Erfahrung, die angenehme und entspannende Empfindungen als Reaktion auf den Anblick eines Gradienten kombiniert”. Für Delagrange ist das eine Art visuelles ASMR. Das ist nichts Neues, denn die großen Abstrakteure des 20. Jahrhunderts wie Judy Chicago, James Turrell und Lee Ufan haben sich bereits mit dem Farbverlauf beschäftigt, aber heute gibt es eine Fülle von Künstlern, die versuchen, diese Forschungsrichtung zu erkunden: zum Beispiel Loie Hollowell (1983), Maximilian Rödel (1984), Aron Barath (1980), Ruben Benjamin (1994), Alejandro Javaloyas (1987).

Eines der Merkmale dieser neuen Malerei ist ihre individuelle Konnotation. Junge Künstler bilden kaum Gruppen, sie schließen sich nicht zu Bewegungen zusammen. Wenn wir die jüngsten Bewegungen in der Kunstgeschichte identifizieren wollen, müssen wir bis zum Ende des letzten Jahrhunderts zurückgehen, mit der neuen europäischen Malerei auf der einen Seite und dem zeitgenössischen Realismus in den Vereinigten Staaten auf der anderen (Alex Katz, Eric Fischl, Philip Pearlstein...).... ): In Europa, was die Malerei betrifft, waren die letzten Erfahrungen, die wir als Gruppen bezeichnen können, zum Beispiel die der Young British Artists (Tracey Emin, Ian Davenport, Fiona Rae... ), der Neuen Leipziger Schule (Neo Rauch, Hans Aichinger, Isabelle Dutoit... ), der neuen italienischen Figuration (Daniele Galliano, Marco Cingolani, Andrea Chiesi... ), aus denen Gruppen wie die Officina Milanese (Giovanni Frangi, Marco Petrus, Luca Pignatelli, Velasco) oder die Nuova Scuola Palermitana (Andrea Di Marco, Alessandro Bazan, Francesco De Grandi, Francesco Lauretta, Fulvio Di Piazza) hervorgingen, um schließlich dieDie letzte italienische Gruppe, die einzige, die in den 2000er Jahren entstand, ist die italienische Newbrow (Giuseppe Veneziano, Giuliano Sale, Vanni Cuoghi, Silvia Argiolas, Michael Rotondi, Laurina Paperina, Fulvia Mendini und andere). Künstler, die fast alle noch aktiv sind (schließlich sprechen wir von Künstlern in den 50er und 60er Jahren und für die italienische Newbrow auch von 30-Jährigen) und deren Ergebnisse oft viel interessanter und qualitativ besser sind als die ihrer jüngeren Kollegen, die nur selten in Gruppen arbeiten oder Ideen austauschen. Das liegt zum Teil an den bereits erwähnten Veränderungen: Der digitale Kosmopolitismus erleichtert die Verbindungen, führt aber paradoxerweise dazu, dass man allein arbeitet (wir alle erleben das schließlich: Wir haben ein Werkzeug in der Tasche, das uns mit jedem in der Welt verbinden kann, aber wir fühlen uns viel einsamer, weil wir den Eindruck haben, dass digitale Verbindungen nicht so authentisch, spontan und reichhaltig sind wie physische). Ein wenig, weil die Entwicklungen in der Kunst in den letzten fünfzig Jahren die bis zum 20. Jahrhundert gültigen historiografischen Modelle hinweggefegt haben: Bei einem so großen und vielfältigen Panorama scheint es immer weniger Sinn zu machen, zu bestimmen, wer etwas als Erster gemacht hat, ohne zu bedenken, dass es immer schwieriger wird, tiefgreifend zu innovieren, dass es immer schwieriger wird, sich selbst als bahnbrechenden Künstler zu bezeichnen, als einen Künstler (oder eine Bewegung), der einen Wendepunkt zwischen verschiedenen Epochen markiert. Das liegt zum Teil auch an praktischen Erwägungen: “Künstler sind heute zu sehr damit beschäftigt, für Ausstellungen, Messen und Auktionen Inventur zu machen, um über Kunstbewegungen nachzudenken”, schrieb Scott Reyburn in The Art Newspaper. Das mag wie eine zynische Bemerkung klingen, aber so ist die Situation.

Die einzige Szene, die einer Bewegung ähneln kann (die jedoch alles andere als homogen ist und in diesem Fall immer noch Persönlichkeiten umfassen würde, die getrennt voneinander arbeiten, aber durch viele Gemeinsamkeiten verbunden sein können), in deren Mittelpunkt eine Malerei steht, die vielleicht innovativer ist als das, was wir bisher gesehen haben (zumindest in technischer Hinsicht, manchmal weniger in Bezug auf den Inhalt, der in der Tat manchmal noch an postmoderne Ideen gebunden zu sein scheint), und die an der Grenze zwischen analog und digital arbeitet: eine postdigitale Malerei, könnte man es nennen, ein störendes Adjektiv, das heute zwar etwas veraltet, aber dennoch nützlich ist, um eine Kunstform zu bezeichnen, die mit der Dominanz der Informationstechnologie geboren wurde. Es handelt sich um eine Produktion, die das Ergebnis einer Kombination aus digitaler Zeichnung oder Design(Grafikbearbeitungssoftware, Virtual-Reality-Programme usw.) und der Anwendung traditioneller Techniken ist. Vorreiter auf diesem Gebiet waren die Arbeiten des Deutschen Albert Oehlen, der bereits in den 1990er Jahren seine “computerisierten” Gemälde schuf, oder die des Texaners Jeff Elrod, der die so genannte friktionslose Malerei entwickelte: Seine Werke entstehen also in einem virtuellen Raum und erzeugen ein Rendering , das dann mit einer Technik auf die Leinwand übertragen wird, die Digitaldruck und manuelle Anwendung kombiniert. Neben Elrod ist mindestens ein weiterer amerikanischer Maler zu nennen, nämlich Wade Guyton, Autor von Gemälden, die an der Grenze zwischen figurativ und abstrakt angesiedelt sind und aus Screenshots von Webseiten, Scans, Ausdrucken von Word-Blättern, auf die einfache Formen oder Buchstaben aufgedruckt sind, entstehen, woraufhin dieselbe Leinwand durch eine digitale Druckmaschine geführt wird. Danach wird dieselbe Leinwand durch einen Tintenstrahldrucker geschickt, um die Konditionierung, die die digitalen Werkzeuge auf unser Leben ausüben, deutlich, ja sogar überdeutlich hervorzuheben. Elrod und Guyton gebührt daher das Verdienst, diesen Weg eröffnet zu haben, der heute von mehreren 20-30 Jahre alten Malern beschritten wird. Diesen Künstlern ist gemeinsam, dass sie die Grenzen der Malerei mit Hilfe digitaler Medien ausloten wollen, wobei sie sich oft mehr auf die Technik als auf den Inhalt konzentrieren. So erstellt die New Yorkerin Avery Singer (1987) ihre Gemälde mit einer 3D-Modellierungssoftware für Ingenieure, mit der sie Modelle erstellt, die sie dann mit einer ebenfalls maschinengesteuerten Airbrush auf die Leinwand überträgt (manchmal ändern sich jedoch ihre Verfahren). Sein Zeitgenosse Jonathan Chapline (1987) ist dagegen einem einzigartigen Figurativismus verbunden, der von in der virtuellen Realität modellierten Umgebungen ausgeht, die dann auf die Leinwand übertragen werden, wo Landschaften und Innenräume zum Leben erwachen, wobei Realität und Fantasie mit einer Ästhetik verschmelzen, die stark mit der amerikanischen Figuration des letzten Jahrhunderts verbunden ist. Die Anglo-Amerikanerin Emma Webster (1989) wiederum ist die Autorin einer Landschaftsmalerei mit traumhaftem und visionärem Charakter, die von Skizzen ausgeht, die in der virtuellen Realität auf dem Bildschirm gezeichnet und dann mit theatralischer Beleuchtung angereichert wurden: Das Ergebnis sind Landschaften, die natürlich oder zumindest direkt von der Natur inspiriert zu sein scheinen, in Wirklichkeit aber das Ergebnis digitaler Bearbeitung sind.Man kann auch die Kalifornierin Petra Cortright (1986) dazu zählen, die Gemälde auf der Grundlage digitaler Bilder (die sie oft auf verschiedene Weise aus dem Internet fischt) herstellt, wobei sie echte “digitale Pinselstriche” hinzufügt, die dann mit Hilfe industrieller Verfahren auf Leinwand gedruckt werden.

Zum Abschluss dieses raschen und notwendigerweise unvollständigen Überblicks sei noch ein besonderes Phänomen erwähnt, das nicht neu ist, sich aber in diesem ersten Viertel des Jahrhunderts erheblich verstärkt hat und das man als “Neo-Mannerismus” bezeichnen könnte: Das breite Spektrum von Künstlern, die die Ästhetik bestimmter Momente der Kunstgeschichte mit Formen der Wiederbelebung überarbeiten, die mehr oder weniger der ursprünglichen Sprache entsprechen, unabhängig von ihrem Inhalt, hat sich somit erweitert. Das Panorama ist breit gefächert. Nachfolgend einige Beispiele der meistzitierten, berühmtesten oder in letzter Zeit am meisten diskutierten jungen Künstler: der Neobarock (Jesse Mockrin), das Neorokoko (Flora Yukhnovich, Michaela Yearwood-Dan, Mia Chaplin), Neo-Impressionisten (Lucas Arruda), Neo-Surrealisten (Rae Klein, Sarah Slappey), Neo-Fauves (Tunji Adeniyi Jones), Neo-Expressionisten (Doron Langberg, Jennifer Packer, Antonia Showering, Yukimasa Ida), Neo-Kubisten (Louis Fratino, Danielle Orchard, Leon Löwentraut), der Neo-Pop (Szabolcs Bozó), die Neo-Graffiti-Künstler (Aboudia) sowie generische Derivate, die an leicht identifizierbare Vorbilder erinnern, z. B. (mit dem berühmten Vorgänger in Klammern) Anna Weyant (John Currin), George Rouy (Francis Bacon), Roby Dwi Antono (Margaret Keane), Cristina Banban (Jenny Saville), ganz zu schweigen von Künstlern, die immer noch mit der postmodernen Malerei verbunden zu sein scheinen (Allison Zuckerman, Sarah Cwynar).

Natürlich handelt es sich bei dem bisher Gesagten um eine Momentaufnahme einer gegenwärtigen, lebendigen und im Entstehen begriffenen Situation, und die in die Übersicht einbezogenen Künstler sind in ständigem Wandel begriffen, weshalb sich das Bild schnell ändern kann (ein Künstler kann einen Forschungsstrang aufgeben und sich einem anderen zuwenden, ein Neo-Mannerist kann eine andere und interessantere Synthese anstreben, eine neue, vielleicht sogar störende Bewegung kann übermorgen geboren werden usw.). Das ist der Hauptgrund, warum es nicht einfach ist, die Gegenwart zu umreißen, vor allem, wenn einige neue Elemente diese Aufgabe noch schwieriger machen: die enorme Anzahl von Künstlern, die heute in der Welt tätig sind (vielleicht hat die Menschheit noch nie eine so große Anzahl von Künstlern gekannt, die auf dem gesamten Planeten aktiv sind) und die daraus resultierende Schwierigkeit (Ich schließe daher nicht aus, dass ich angesichts der Unvollständigkeit dieses kurzen Überblicks einige Namen übersehen oder ausgelassen habe, wenn auch nicht störend, denn im Zeitalter der globalen Vernetzung ist es Im Zeitalter der globalen Vernetzung ist es schwierig, etwas wirklich Störendes zu übersehen, zumindest aber etwas Wichtiges), die große Zahl von Ereignissen, die von Woche zu Woche aufeinander folgen (Biennalen, Messen, Veranstaltungen, Ausstellungen, Diskussionen), die Struktur des Marktes selbst, auf dem immer mehr professionalisierte Künstler für ein immer größeres Publikum von Käufern und Sammlern arbeiten, und der daher von den Künstlern verlangt, dass sie ständig in Arbeit sind und ständig neue Werke produzieren können. Wir hoffen jedoch, dass wir zumindest einige Einblicke geben konnten.

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