Vanessa Beecroft. Die Antinomien des Begehrens

Im Geburtsjahr von Vanessa Beecroft, 1969, formulierte der amerikanische Künstler Sol LeWitt einen grundlegenden Gedanken für die Dynamik des Zeitgenössischen: “Keine Form ist einer anderen von Natur aus überlegen, erfolgreiche Kunst verändert unser Verständnis von Konventionen, indem sie unsere Wahrnehmung verändert”. Auch wenn dies heute ein anerzogenes Konzept zu sein scheint, war es für die damalige Generation revolutionär, eine Hybridisierung zwischen den Künsten zu konzipieren und die synergetische und mehrkanalige Konformation von Werken zu eröffnen. Um als einer der Begründer der Konzeptkunst zu gelten, entschied sich LeWitt, eine ganze Weile in Italien zu arbeiten, während Beecroft an den Akademien von Genua und Mailand ausgebildet wurde, um ein Innovator der theoretisch-konzeptionellen Performance-Kunst zu werden und nach ihrem Erfolg in die Vereinigten Staaten zu ziehen. Die beiden Künstler, die beide von dieser kulturellen und öffentlichen Mischung begünstigt wurden, sind in ihren “Epochen”, Praktiken und Absichten sicherlich weit voneinander entfernt. Aber Beecrofts Werk kann mit dem von LeWitt verglichen werden, weil es bestimmte geschickte Intuitionen und Feldwahlen aufweist: die Anlehnung an die Renaissance, die Geometrisierung der Vision, die zentrale Rolle des Modells in der Forschung, die Serialität der Produktion sowie die Bestätigung ihrer Rolle als Künstlerin, als Schöpferin von Chorprojekten, als Leiterin eines Unternehmens in ihrem Namen, das zu einem kontinuierlichen und profitablen multidisziplinären Austausch fähig ist.

Beecroft gehört zu den bahnbrechenden Künstlerinnen der 1990er Jahre, die das neue Jahrtausend durch einschneidende Erfahrungen sowohl für die Kunstwelt als auch für das Massenpublikum für eine neue Weiblichkeit öffneten. Künstlerinnen, die sich der historischen und zeitgenössischen Sprachen, der Macht der Frauen und der Darstellungsmacht der Medien bewusst waren, die in der Lage waren, ihre Faszination zu nutzen und ihre Kritikpunkte herauszuarbeiten. Als punktgenaue Interpretin ihrer Zeit, die die Kunstgeschichte und die Entwicklung des Wissens in der Konstruktion des Bildes ehrfürchtig verfolgt, fand sie sofort einen natürlichen Schwerpunkt in der Darstellung des Körpers, der pluralen Identität, des entfremdeten Begehrens und ihrer eigenen Form des überzeugenden Ausdrucks, indem sie in der Nähe von Mode und Showbiz arbeitete.

In den 1990er Jahren konsolidierte sich die Modeindustrie und die großen Marken traten als Subjekt sowohl in den künstlerischen Betrieb als auch in die Organisation und Förderung der Kunst ein und trugen zum Phänomen der Hybridisierung zwischen dem Wert des Einzelstücks und des Multiples, der Kunst- und der Modekollektion bei. Beecrofts Bilder sind seit ihrer ersten Ausstellung im Jahr 1993 störend, kritisch und kritisiert worden, aber nach mehr als fünfundzwanzig Jahren ihres Einflusses reagiert sie weiterhin auf die Überzeugung, dass es notwendig ist, sich der Muster zu bedienen und sie umzustoßen, um sich von ihnen zu befreien.

Sein New Yorker Galerist der ersten Stunde, Jeffrey Deitch, schreibt, dass sie mit ihrer performativen Installation “eine konzeptuelle Umkehrung schuf, indem sie Muster in Kunst verwandelte [...], die erste, die diese Intuition in ein ästhetisches System verwandelte und in einem ununterbrochenen Werk artikulierte”. In der Tat erwies sie sich als sehr produktiv und wiederholte dasselbe visuelle Motiv in bis heute etwa hundert Performances, die mit ihren Initialen VB betitelt und nach einer fortlaufenden Nummerierung als ein einziger kohärenter Diskurs konzipiert sind.

Ausgehend von der Zeichnung und mit der Unterstützung der Fotografie handelt es sich um lebende Bilder und spätere Reproduktionen. Das für die Schaffung verwendete Material ist menschlich und wird in Anwesenheit des Publikums ausgestellt, und die Komposition ist von den Regeln der Malerei inspiriert und folgt diesen. Kollektive Porträts der idealisierten Weiblichkeit unserer Konsumgesellschaft, basierend auf der europäischen Maltradition, insbesondere aus dem 15. Jahrhundert. Harmonische Figurengruppen, die die kanonische weibliche Schönheit zelebrieren und aktualisieren, indem sie auf die jahrhundertealte Praxis der Aktzeichnung zurückgreifen. Und wie in der etablierten Sprache der Tableaux vivants ist die Figuration statisch, und die Modelle sind posiert, um die Oberflächen von Gemälden oder Skulpturen aus dem Leben zu komponieren. “Kunst, die aus der Kunst geboren wird, kontaminiert durch Gattungen und Untergattungen, die unablässig zwischen akademischer Normativität und reiner Unterhaltung oszilliert”, so die Theorie von Flaminio Gualdoni. Im Fall von Beecroft ist die Inspiration durch ästhetische Normen diachron, sie verwendet häufig Skulpturen, und ihre Figuren sind durch unverhohlene Zitate gekennzeichnet, vom Klassizismus der antiken Statuen bis hin zu supermodernen Ikonen der Massenmedien, deren Aura und Unerschütterlichkeit ähnlich sind.

Darüber hinaus nährt sich diese visuelle Suche aus den unvermeidlichen Verweisen auf seine biografischen Ereignisse, die mit der Seriosität der Kunst erzählt und selbst dargestellt werden. Es geht um mehrere Aspekte, die sich auf das ewige Erscheinen von Modellen gegenüber der menschlichen Schwäche, auf Perfektion versus Zerbrechlichkeit und somit auf das Verhältnis zwischen Nacktheit und Kleidung, Freiheit und Zwang beziehen. Es ist anzumerken, dass die von Beecroft ausgestellte Nacktheit nur künstlich und lähmend ist, weit entfernt von rein, versöhnlich und naturalistisch. Die Subjekte werden als Skulpturen “auf einen Sockel” gestellt, Modelle, bei denen es sich um gewöhnliche Mädchen, Profis oder Tänzerinnen handeln kann, die je nach Fall Schuhe tragen, die wie in der monumentalen Ikonographie eine ideale Basis bilden. Beecroft entlehnt ihrer künstlerischen Ausbildung die Übung mit Modellen, die nach dem Leben posieren, und der Modefotografie eine eisige Künstlichkeit und verwendet Körper, die nach homologen körperlichen Merkmalen ausgewählt wurden. Denn dass keine Form jemals einer anderen überlegen ist, scheint um die Jahrhundertwende nicht für alles zu gelten. Ästhetik und Gesellschaft der 1990er und frühen 2000er Jahre setzten einen Standard von ätherischer, kantiger Schlankheit durch, eine Art von Weiblichkeit, die mit den magersüchtigen Supermodels aufkam und die sich Beecroft in ihrer persönlichen Geschichte auch zu eigen macht. Die Subjekte manifestieren sich als Präsenzen, die zwischen der zeitlosen Handlung des Theaters und der Ikonizität von Film und Werbung schweben.

Vanessa Beecroft

In der Organisation der Szene ist die Beziehung zwischen menschlichen und architektonischen Geometrien konstitutiv (andererseits hat sie in Brera Bühnenbild studiert), und Farben tragen wesentlich zur Wirkung bei, selbst wenn die Komposition monochrom ist. Die Installationen beziehen sich nicht nur auf Räume, sondern auch auf die Besonderheit von Orten, indem sie mit gezielten Projektvorschlägen auf Ausstellungskontexte, Galerien, Museen und Räume in der ganzen Welt zurückgreifen. So unterscheidet sich jede Performance von der vorhergehenden und wird in ihrer relativen Einzigartigkeit dokumentiert. Sie nutzt die Fotografie, die Kurzlebigkeit des Polaroids und das Medium Video, um sicherzustellen, dass die Performance-Ereignisse weiterleben und zu eigenständigen Werken werden, die über die reine Dokumentation hinausgehen. Durch das Angebot von Blickwinkeln, die selbst das anwesende Publikum vielleicht nicht wahrgenommen hat, wird der vergängliche Wert der Aufführung hervorgehoben. Aufnahmen und Filmmaterial sind bezeichnend für die kulminierenden Momente und thematischen Knotenpunkte einer jeden Aufführung, obwohl die Stärke seiner Foto-Videografie in ihrer Autonomie von der Live-Performance liegt.

Im Gegensatz zu vielen schulischen Performance-Aktionen, bei denen die museale Grenze des ’look-not-touch’ aufgebrochen wird und der Kontakt mit dem Publikum im Vordergrund steht, gibt es bei VB keinen Kontakt und eine Distanz zu den Zuschauern ist erwünscht. Die Schaufensterpuppen-Körper der Inszenierung stehen im Zentrum der Aufmerksamkeit, so dass ihre Schönheit in erster Linie in einer Atmosphäre der Verknappung betrachtet wird, die Formen können überzeugen, auch wenn sie nicht mit der Absicht der Verführung ausgestellt sind. Als wollten sie den weiblichen, stillen, melancholischen Zauber bestimmter Gemälde, bestimmter Kino- und Modebilder vermitteln... aber in der Haltung viriler Militärstaffeln.

Und in der Tat sind die Modelle nach bestimmten Kriterien zusammengestellt und arrangiert, die ihre sinnliche Bildlichkeit und formale Ausgewogenheit verstärken; ganz und gar nicht ironisch, ohne offensichtliche Wollust, komponieren sie fragmentierte, aber einheitliche Bilder. Jeder entpersönlichte Körper gehört zu einem bisweilen homogenen Ganzen, das sich entweder um die Details der üblichen erogenen Accessoires wie Unterwäsche und Strümpfe, Schuhe, Schnürsenkel und Perücken mit fetischistischem Reiz dreht. Oder, wenn es sich um Projektpartner handelt, um Haute-Couture-Kleider der wichtigsten Marken der Welt, mit denen die Künstlerin regelmäßig zusammenarbeitet. Sie war eine der ersten, die in den letzten Jahrzehnten eine Art stabile Zusammenarbeit mit Stylisten, Designern, Musikern und Prominenten aufgebaut hat.

Sowohl in ihren Reproduktionen als auch in ihren Skulpturen zeigt Beecroft dann anatomische Details und weitere Sichtweisen auf den nackten Körper auf. 1996 schuf sie die Arbeit VB23 im Museum Ludwig in Köln, in der sie beginnt, Mädchen zu entkleiden. In der Konfrontation mit dem überbordenden Angebot an Hochglanzpornografie, die zwar nach Genres und Vorlieben strukturiert ist, aber dennoch auf dem Klischee einer rigiden und zwanghaften Körperkontrolle beruht, muss Nacktheit also interpretiert werden.

Es sind die Gesichter von Beecrofts Frauentypen, die eine Reflexion über die Sphäre des Eros, seine Darstellungen und Beugungen erzwingen: Sie erscheinen einheitlich “biblisch”, Inkarnationen des Archetyps der Heiligen, und auf denen, wenn man über die verschiedenen Physiognomien hinausschaut, die viszeralen Leidenschaften zum Schweigen gebracht zu werden scheinen. Ihre Werke beruhen auf der Wertschwelle des Vorurteils. Die Künstlerin stellt sich als eine Frau dar, die den Körper der Frauen betrachtet und die Nacktheit unverschämt provokativ einsetzt, mit einem scheinbar erotischen Reiz, der zugleich anti-erotisch und einschüchternd ist, wenn man die übersteigerte Bedeutung der Attribute einer vervielfältigten Weiblichkeit in Betracht zieht. Der Schwellenwert ist in der Tat eine Zweideutigkeit: einerseits ein Festhalten an, andererseits eine Ablehnung der Stereotypen des weiblichen Objekts, der vorherrschenden und konventionellen männlichen Macht und damit der Geschlechterfrage.

Vanessa Beecroft

Vanessa

Aus ihren Recherchen geht hervor, dass “die Modelle Regeln erhalten, die sie bis zum Ende der Performance befolgen müssen”. Das sagte sie Massimiliano Gioni in einem Interview 2017: "Die Regeln erlauben Bewegungen und das Brechen der Komposition, aber keinen Dialog oder eine Interaktion mit dem Publikum oder zwischen den Performern. Es wird ihnen gesagt: nicht reden, nicht lächeln, sich nicht theatralisch bewegen, sich nicht zu langsam bewegen, einfach sein, natürlich sein, losgelöst sein, keinen Blickkontakt herstellen, die Position halten, nicht die gleichen Bewegungen zur gleichen Zeit wie die anderen machen, zwischen einer Ruheposition und einer Position der Aufmerksamkeit wechseln, wenn man gehen muss, es leise tun, konzentriert sein, schau nicht in die Kamera, halte dich bis zum Ende des Auftritts zurück, zieh deine Schuhe nicht aus, sei nicht steif, sei groß, sei nicht sexy, tu so, als wäre niemand im Raum, breche nicht die Regeln, du bist das wesentliche Element der Komposition, dein Verhalten beeinflusst das der anderen, gegen Ende kannst du dich hinlegen, vor dem Ende stehst du gerade.

In einem solchen imaginären Universum ist die Grenze zwischen Öffentlichkeit und Privatheit offensichtlich, die Intimität wird nie verraten, denn vor dem Publikum herrscht eine strenge und ernste Offizialität. Die Inszenierung sieht jedoch einen Moment vor, von dem an das Modell in den Reaktionen jeder der porträtierten Frauen personalisiert wird und das Bild zum Fleisch zurückkehrt, denn im Laufe der Stunden wird die Unbeweglichkeit ermüdend, eine nach der anderen beginnt sich zu bewegen und die aufgezwungene Starrheit löst sich auf. Sie nennt das den Übergang von einem symbolischen Donald Judd zu einem Jackson Pollock, in einer Abfolge vom Figürlichen zum Abstrakten.

p>Die Spur des Zustandswechsels aktiviert einen typischen voyeuristischen Mechanismus sowie eine Reihe möglicher Reaktionen, die so vielfältig sind wie die Tabus und kulturellen Ansätze auf verschiedenen Kontinenten. Dies ist die Grundlage der Performance Art, die kodifiziertes Verhalten untergräbt, indem sie die Reaktion der Menschen herausfordert und die Identität von Orten verstärkt. Beecroft ist eine viel diskutierte Künstlerin, ihr künstlerischer Akt ist ein Instrument, das manchmal missverstanden wird und die Kritiker immer noch spaltet zwischen denen, die ihre Haltung als Anpassung an die herrschenden Trends bewerten, und denen, die ihre unterschwellige kritische Botschaft annehmen.

Dies gilt umso mehr, als der Akt im Dienste kontroverser Themen und Knotenpunkte der Gegenwart steht, ein Werkzeug, das im selben visuellen Modul die schäbige Unordnung der Welt anspricht: angefangen bei der Prostitution, der Rassenungleichheit und der Einwanderung, seit er 2001 mit VB48 schwarze Models auf dem G8-Gipfel in Genua vorstellte. Er kehrte mehrmals im Rahmen von Sonderprojekten darauf zurück und ließ sogar zwanzig afrikanische Einwanderer in VB65 auftreten, womit er sich auch dem männlichen Körper näherte (wenn auch bekleidet und mit einer anderen Bedeutung). In der Tat wird er sich mit dem Wert der Uniform im Militärkorps befassen, indem er die Grenzen des amerikanischen Institutionalismus durch die Beschäftigung von Soldaten und Offizieren der US Navy erzwingt, und mit Kriegen, dem ethnischen von Darfur im Sudan, wobei er die irrationalsten Werke produziert, in denen er sich mit dem Thema der Mutterschaft und des Verlusts befasst. Um einige von ihnen zu isolieren.

Beecroft fotografiert die Ereignisse der Sozialgeschichte mit dem Filter des Glamours, aber die Anprangerung wie auch das Zitat sind nicht direkt. Andererseits sagt sie: “Dramen können durch Eleganz sublimiert werden, um jedem vorgeschlagen zu werden [...] die Natur der Kunst ist es nicht, sich mit ihnen auseinanderzusetzen, sondern sich von ihnen inspirieren zu lassen”. Bereits 1998 schrieb die Kunstkritikerin Roberta Smith anlässlich der VB35, die im Guggenheim in New York stattfand: “Es ist Kunst; es ist Mode. Es ist gut; es ist schlecht. Es ist sexistisch; es ist es nicht. It’s Vanessa Beecroft’s Performance Art”, als ob man damit eine überwältigende Kunstpersönlichkeit beschreiben wollte, die sofort und dauerhaft internationalen Erfolg hatte.

Dieser Beitrag wurde ursprünglich in Nr. 7 unseres Printmagazins Finestre sull’Arte on paperveröffentlicht . Klicken Sie hier, um es zu abonnieren.

Achtung: Die Übersetzung des italienischen Originalartikels ins Deutsche wurde mit Hilfe automatischer Tools erstellt. Wir verpflichten uns, alle Artikel zu überprüfen, aber wir garantieren nicht die völlige Abwesenheit von Ungenauigkeiten in der Übersetzung aufgrund des Programms. Sie können das Original finden, indem Sie auf die ITA-Schaltfläche klicken. Wenn Sie einen Fehler finden, kontaktieren Sie uns bitte.