Stecken Wärme und Eros hinter der Op-Art? Der Fall von Marina Apollonio

Hinter dem Werk von Marina Apollonio, einer führenden Künstlerin der internationalenoptischen und kinetischen Kunst, stehen unvorstellbar heiße Triebe. Das schreibt Marianna Gelussi in ihrem Essay, mit dem sie den Katalog zur Ausstellung Marina Apollonio. Beyond the Circle (Venedig, Sammlung Peggy Guggenheim, 12. Oktober 2024 bis 3. März 2025). Hinter den Werken der triestinischen Künstlerin steht “ein Körper, eine magnetische Anziehungskraft, ein Impuls, eine Art Eros, an dem der Betrachter teilnimmt, der in eine aktive Beziehung hineingezogen wird, eine erweiterte Wahrnehmung, Augen und Sinne in Alarmbereitschaft, ein geschärftes Bewusstsein, Protagonist des Werdens des Werks”: so schreibt Gelussi und greift damit fast wörtlich eine Überlegung von Arnauld Pierre zur optischen Kunst im Allgemeinen auf.

In der Tat sind wir gewohnt, Werke deroptischen Kunst mit einer gewissen Distanz zu betrachten. Mit der Op-Art wird in der Regel eine gewisse Kälte assoziiert, die vor allem auf die Art und Weise zurückzuführen ist, wie sich die Werke der Künstler dieser Bewegung dem Betrachter präsentieren. Starre geometrische Formen und sich wiederholende Muster. Linien, Kreise, Quadrate und andere einfache Formen zur Schaffung komplexer Kompositionen. Eine Betonung von Geometrie und Symmetrie, die ein Gefühl von Ordnung und Rationalität vermitteln kann, das im Gegensatz zu der Emotionalität steht, die oft mit anderen Strömungen verbunden ist. Eine Bildsprache, die tendenziell als “kalt” wahrgenommen wird, weil sie Stabilität, Kontrolle und Präzision vermittelt. Das Fehlen von organischen Kurven und fließenden Formen. Darüber hinaus handelt es sich um Werke, die auf optischen Täuschungen und visuellen Effekten beruhen, die durch den Einsatz von Kontrasten und Wiederholungen erzeugt werden: Elemente, die uns glauben lassen, dass die so entstandene Kunst eher eine intellektuelle als eine emotionale Erfahrung ist. Der Betrachter wird eher aufgefordert, über die optischen Eigenschaften des Werks nachzudenken und sie zu erforschen, als dass er sich mit einer unmittelbaren emotionalen Erfahrung verbindet. Darüber hinaus schließen optische Kunstwerke persönliche Erzählungen und Geschichten aus und schaffen so eine weitere Distanz zwischen Künstler und Publikum.

Aber das ist noch nicht alles. Die Techniken der Op-Art können dieses Gefühl der Kälte noch verstärken. Kunst, die mit eher “industriellen” oder “mechanischen” Mitteln hergestellt wird, wenn man sie so nennen will, wird oft als weniger persönlich empfunden als Kunst, die von Hand gemacht wird. Wenn ein Werk mehr aus einem technischen Prozess als aus individuellem Ausdruck hervorzugehen scheint, kann es ein Gefühl der emotionalen Distanz erzeugen. Marina Apollonio selbst verwendet beispielsweise eine Vielzahl von Techniken, um ihre Werke zu schaffen, und diese Konzentration auf den Prozess kann als eine Distanzierung von der direkten menschlichen Erfahrung erscheinen. Praktiken, die denen der Grafik, der Werbung, des Designs ähneln. Industrieähnliche Praktiken, Kunst, die eher ein Produktionsumfeld als eine persönliche künstlerische Erfahrung widerzuspiegeln scheint.

Ist das alles? Ist die optische Kunst also wirklich so eisig? Sind Op-Art-Künstler schließlich Wissenschaftler, die sich der Kunst verschrieben haben? Ist es möglich, auch hinter solch rationalen, kalkulierten, mathematischen Werken Wärme zu finden? Um Antworten auf diese Fragen zu finden, ist es notwendig, die ganze Komplexität dieser Werke zu betrachten, sie in der Tiefe zu betrachten, nicht nur die Oberfläche, die visuellen Effekte. In der Zwischenzeit sind die Werke von Marina Apollonio von einer tiefen Ordnungsliebe beseelt, die ihre plastische Forschung auf der Grundlage einer genauen, präzisen, ständigen Untersuchung der Möglichkeiten der Form antreibt. “Die elementare Form”, schrieb die Künstlerin 1966 anlässlich ihrer ersten Einzelausstellung im Centro Arte Viva Feltrinelli in Triest, “hat in sich selbst die totale Abstraktion, da sie durch ein mathematisches Programm gebildet wird. Auf dieser Grundlage findet die Aktion mit absoluter Strenge in einer direkten Beziehung zwischen Intuition und Überprüfung statt: Intuition auf optischer Ebene und Überprüfung auf einem mathematischen System. Nachdem ich eine primäre Form, wie zum Beispiel den Kreis, gewählt habe, untersuche ich ihre strukturellen Möglichkeiten, um sie aktiv zu machen, indem ich das maximale Ergebnis mit maximaler Sparsamkeit anstrebe”. Marina Apollonios Haltung war schon immer auf die geometrische Forschung ausgerichtet, aber hinter ihrer geometrischen Forschung, die unabhängig und ohne sich einer Gruppe anzuschließen begann, pulsiert eine intensive Vitalität, eine tiefe emotionale Bedeutung verbirgt sich, die mit dem Wunsch verbunden ist, die Natur zu verstehen und die Realität zu erforschen, in die wir eingetaucht sind.

Von Anfang an konzentrierte sich seine Forschung auf das Problem derInteraktion zwischen dem Werk und dem Betrachter. Die Dinamiche circolari, Marina Apollonios erste wichtige Serie, die 1963 begann, besteht aus Objekten, die, wie der Name der Serie schon sagt, kreisförmig sind und darauf abzielen, die Strukturen und Aktivierungsmöglichkeiten einer der elementarsten und zugleich faszinierendsten Formen zu erforschen: des Kreises. Nicht nur: In Circular Dynamics ist der Raum stets nach Mustern konzentrischer Kreise unterschiedlicher Dicke und Größe strukturiert, die beim Betrachter fast ein Gefühl der Verfremdung hervorrufen. Seit ihrer Jugend beschäftigt sich Marina Apollonio mit der Position des Betrachters, der zur aktiven Interaktion mit ihrem Werk aufgefordert wird. Wenn der Betrachter ein Werk von Marina Apollonio vor sich hat, verändern sich die visuellen Effekte und es entsteht ein visueller und sensorischer Dialog, der vital, involvierend und aktivierend ist. Und dieser Dialog wird auch dann aktiviert, wenn die Objekte statisch sind (die Circular Dynamics können in der Tat sowohl statisch als auch dynamisch sein), da sie es schaffen, auf das Publikum einzuwirken, indem sie einfach ihre Struktur ausnutzen und so wie die dynamischen Werke zu lebendigen Objekten werden. Gerade durch die Wirkung, die sie auf den Betrachter ausüben, “sind die kreisförmigen Verbindungen dieser Werke, die auf einem streng programmierten und mathematisch gesteuerten Ansatz beruhen”, bemerkt der bereits erwähnte Arnauld Pierre, “Teil einer barocken Art der visuellen Forschung, die sich der demonstrativen Trockenheit psychologischer Tests entzieht. Mit ihnen betritt man ein Universum formaler Verfeinerungen, die keine Theorie vorhergesehen hat und die die besondere Rolle der Künstler und der plastischen Forschung bei der Aufwertung des visuellen Universums hervorheben - eine Aufgabe, die sich die Wissenschaftler a priori nicht zuschreiben, wahrscheinlich, weil sie es nicht nötig haben, auch wenn sie von den Problemen beeindruckt sind, die die neuen visuellen Gleichungen der Künstler aufwerfen”.

Die Circular Dynamics waren Schwarz-Weiß-Objekte: Mit den Gradations, “visuellen chromatischen Kreiseinheiten”, wie Apollonio sie selbst definierte, die zwischen Mitte der 1960er und Anfang der 1970er Jahre gemalt wurden, wird zum ersten Mal mit Farbe programmiert, und zwar durch allmähliche Variationen, die immer auf konzentrischen Kreisstrukturen basieren und der Lehre von Josef Albers folgen: Die Gegenüberstellung verschiedener Töne führt zu einer Veränderung der Farben und erzeugt beim Betrachter die Wahrnehmung von Farben, die in Wirklichkeit nicht vorhanden sind: Die Gegenüberstellung erzeugt ein Gefühl der Aura, das die Reaktion des Betrachters bis hin zur Erzeugung von Emotionen und Energie beeinflusst. Farbe hat bekanntlich die Fähigkeit, Empfindungen und Assoziationen auf einer unbewussten Ebene zu aktivieren, und so kann sie auch in einem Kontext von Geometrie und formaler Strenge ein Gefühl von Wärme und Dynamik vermitteln, sie kann zu visuellen Erfahrungen führen, die das Herz und die Seele berühren und eine emotionale Intensität suggerieren, die sich der wahrgenommenen Kälte der optischen Kunst widersetzt. “In der Verschiebung”, schreibt Gelussi, “verwandelt sich das monochrome Weiß des frontalen Blicks, Kreise erwachen unerwartet zum Leben und enthüllen eine minimalistische farbige Linie oder einen Regenbogen von Farben, mit einem augenblicklichen Effekt des reinen Staunens”.

Die Werke von Apollonio können auch als Reflexion über menschliche Beziehungen interpretiert werden. Obwohl die Ästhetik der Op-Art auf geometrischen und optischen Prinzipien beruht, entsteht oft ein Gefühl der Verbindung und Interaktion. Formen können als Metaphern für Beziehungsdynamik gesehen werden: sich wiederholende Muster können auf gemeinsame Lebensrhythmen, kollektive Erfahrungen und emotionale Verbindungen anspielen. Hier wird Apollonios Kunst also auch zu einer Erkundung menschlicher Erfahrungen und der Antriebe, die uns verbinden. Der Kreis, in diesem Sinne ein universelles Symbol, wird zu einer Art Brücke zwischen Abstraktion und Realität, zwischen dem Universellen und dem Besonderen, zwischen Natur und Kultur.

Es besteht ein Spannungsverhältnis zwischen der Rationalität der Geometrie und dem emotionalen Antrieb. Marina Apollonio hat oft versucht, diese Dichotomie zu erforschen und zu überwinden. Ihre Kunst ist nicht nur ein Ausdruck mathematischer Regeln, sondern auch ein Weg, die Tiefen der menschlichen Wahrnehmung und emotionalen Erfahrung zu erforschen. Auch durch mathematische Gesetze. Wenn Kunst, um eine alte Formel zu entlehnen, die Nachahmung der Natur ist, dann ist Op-Art die Nachahmung der Gesetze, die die Natur regieren. Apollonio hat nie einen Hehl daraus gemacht, dass sie sich seit ihrer Kindheit von Formen angezogen fühlte, indem sie einfach beobachtete, was sie umgab. “Das Profil einer Schnecke, die Struktur eines Blattes, die Ringe eines abgeschnittenen Baumstammes, die Struktur eines Nestes, die Spirale einer Erbsenpflanze”. In Marina Apollonios Vision hat alles eine Form. Eine Form, die man beobachten kann, die man studieren kann, eine Form, die sich als Konstante darstellt und aus der man daher eine abstrakte Formel ableiten kann, die auf mathematischen Proportionen beruht.

Apollonios Kunst lädt den Betrachter ein, nicht nur die visuellen Eigenschaften der Werke zu erforschen, sondern auch die emotionale und sinnliche Tiefe, die aus einem scheinbar abstrakten Werk hervorgehen kann. Seine Werke spiegeln eine Verbindung zwischen Kunst und Natur wider. In diesem Sinne ist es legitim, eine Form von Erotik in seinen Werken zu finden. Die Werke sind nicht nur als Elemente eines visuellen Spiels zu lesen: Sie sind auch eine Erkundung der menschlichen Erfahrung, des Verlangens und der Freiheit.

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