Natur, Kultur und Mensch als unteilbare Wirklichkeiten in der Kunst von Giuseppe Penone

“Eine klare Trennung zwischen Mensch und Natur ist eine von der Realität erzwungene Vision”. Dies sagte Giuseppe Penone (Garessio, 1947) der Kunsthistorikerin Arabella Natalini in einem Gespräch, das im Katalog zu seiner Einzelausstellung Prospettiva vegetale im Sommer 2014 in Forte di Belvedere in Florenz veröffentlicht wurde. Seit seinen Anfängen in den späten 1960er Jahren hat Penone die Natur, die Kultur und den Menschen immer als miteinander verbundene und untrennbare Einheiten betrachtet, und die Skulptur als eine Art Medium, um diese Verbindungen zum Ausdruck zu bringen. Der Ausgangspunkt für diese Überlegungen war, wenn man so will, sehr praktisch: Das Thema der Beziehung zur Natur wurde in der Kunst des 20. Jahrhunderts nur am Rande gestreift. Und es war ein Thema, das die Avantgarde wenig oder gar nicht interessierte: “Die gesamte Kunst des 20. Jahrhunderts”, so Penone in diesem Zusammenhang, "ist eine Kunst, die im Atelier, in einem städtischen Kontext, in einer völlig urbanen Dimension entstanden ist. Und erst in den 1960er Jahren entwickelte sich die Idee einer Rückkehr zur Natur sowie eine “viel offenere Sicht der Dinge und weniger gebunden an die Idee des Fortschritts des Kunstwerks”. Diese Rückkehr setzte jedoch auch eine neue Arbeitsmethode voraus: Das Kunstwerk war nicht mehr ein von seinem Kontext losgelöstes Objekt, sondern wurde selbst Teil des Kontexts, und das Material war nicht mehr nur ein Medium, sondern der eigentliche Gegenstand der Reflexion des Künstlers. Die Beziehung zwischen Natur und Kultur ist im Übrigen nicht nur für Penone, sondern für fast alle Künstler zentral, die dieArte Povera-Bewegung, der der piemontesische Bildhauer seit ihren Anfängen angehört, belebt haben: “arm”, so der 1967 vom Kunstkritiker Germano Celant geprägte Begriff, der eine Haltung voraussetzt (verstanden nicht nur als künstlerische Praxis, sondern auch im wörtlichen Sinne einer Verhaltensweise), die “die informationelle Wesentlichkeit bevorzugt, die weder mit dem sozialen noch mit dem kulturellen System in Dialog tritt, die danach strebt, sich plötzlich, unerwartet gegenüber den konventionellen Erwartungen zu präsentieren, ein asystematisches Leben, in einer Welt, in der das System alles ist”. Da es sich bei der Arte Povera um einen unkonventionellen Ansatz handelt, müssen auch die Materialien unkonventionell sein: Sie werden also “arm”.

Penones Forschung zeichnet sich sofort durch die Verwendung von Materialien aus, die einerseits in der Natur vorkommen (Holz, Wasser, Stein, Blätter, sogar die eigene Haut des Künstlers) und andererseits in der Kunst schon immer vorhanden waren (Ton, Marmor, Bronze), um zu dem zu gelangen, was das gemeinsame Ziel der Arte-Povera-Bewegung war: “reale Situationen von elementarer Energie zu schaffen, sowohl physisch-chemisch als auch emotional-philosophisch” (so Carolyn Christov-Bakargiev im Katalog zur Ausstellung Incidences of the Void). Physikalisch und philosophisch (d.h., paraphrasierend, natürlich und kulturell: Dem Adjektiv “physisch” liegt der Begriff zugrunde, mit dem die alten Griechen die Natur identifizierten, d.h. phýsis, obwohl das Wort für die Griechen eine breitere Bedeutung hatte und auch den Ursprung der Dinge bezeichnete, während “Philosophie” etymologisch “die Liebe zum Wissen” ist), denn, Für die Künstler der Arte Povera, so Christov-Bakargiev weiter, sind “Natur und Kultur wechselseitig definiert und korreliert, weil die Natur (alles, was nicht künstlich ist, nicht vom Menschen geschaffen wurde, sondern spontan entsteht) ein kultureller Begriff ist, während die Kultur nicht von der Natur befreit ist, sondern ihren Gesetzen unterliegt”. Aus diesem Grund wird die Interaktion zwischen Mensch und Natur zu einer der Grundlagen von Penones Kunst, und zwar schon in seinen frühen Werken: Einer der ersten Momente dieser Reflexion ist die Serie Alpi Marittime, Fotografien, die Penone 1968 im Alter von 21 Jahren aufnahm, um einige seiner Aktionen in den Wäldern seiner piemontesischen Region zu dokumentieren, bei denen er einen Metallabdruck seiner eigenen Hand an den Bäumen befestigte, die er auf seinen Streifzügen traf, Er symbolisiert damit die Fähigkeit des Menschen, in das Wachstum der natürlichen Elemente einzugreifen, ohne jedoch den Lauf der Dinge aufhalten zu können, da die Pflanze, abgesehen von der Stelle, an der der Künstler seine Aktion durchgeführt hat (eine Berührung, die somit quasi als Erinnerung erhalten bleibt), weiterwächst. So schreibt er in einer Zeichnung zu Alpi Marittime: “Ich spüre den Atem des Waldes, / ich höre das langsame und unaufhaltsame Wachstum des Holzes, / ich modelliere meinen Atem nach dem Atem der Pflanze, / ich spüre den Fluss des Baumes um meine Hand, / die sich auf seinen Stamm stützt, / das veränderte Verhältnis der Zeit macht das Feste flüssig und das Flüssige fest, / die Hand versinkt im Stamm des Baumes, der aufgrund der Geschwindigkeit seines Wachstums und der / Plastizität des Materials das ideale flüssige Element ist, um geformt zu werden”.

Alpi Marittime ist trotz seiner Frühreife ein Werk, das in Penones künstlerischer Laufbahn von großer Bedeutung ist, denn die Idee des Eingriffs des Menschen in die Natur wird in seinen Forschungen wiederkehren und in einigen Fällen sogar umgestoßen werden, wie in Gesti vegetali, einer Serie von Werken, die zwischen 1983 und 1986 entstanden sind. Es handelt sich um Schaufensterpuppen mit menschlichen Zügen, die mit Erde bedeckt sind und auf denen der Künstler den Abdruck seiner Hände hinterlässt (der Abdruck selbst ist ein immer wiederkehrendes Thema in Penones Werk: er ist das greifbarste Zeichen einer Passage oder eines Prozesses, so dass der Künstler Abdrücke nicht nur in seinen festen Skulpturen, sondern auch in seinen “flüssigen”, mit Wasser gefertigten Skulpturen hervorgehoben hat): sie sind aus Metall, weil Metall, wenn es den Naturelementen ausgeliefert ist, oxidiert und seine Farben denen eines Baumes ähneln. Diese Attrappen werden dann in bewaldeten Umgebungen aufgestellt, so dass sie an den natürlichen Prozessen teilnehmen und Pflanzen, Bäume und Gemüse mit ihnen eine Symbiose eingehen, da die Skulpturen mit ihrer Umgebung verschmelzen und von der Umwelt verändert werden. So kann es vorkommen, dass eine Skulptur in einem Wald auf einer neugeborenen Pflanze steht, die weiter wächst und in die Skulptur eindringt, so dass sich die Skulptur an das Wachstum der Pflanze anpassen muss. In jüngster Zeit hat Penone weitere neue Lösungen für seine Vegetable Gestures erprobt: Bei der Ausstellung in Cuneo wurden die Schaufensterpuppen in Nischen der Kirche San Francesco platziert, um Licht zu erhalten, das das Wachstum der über den Werken platzierten Pflanzen fördern kann, auch wenn keine natürliche Umgebung vorhanden ist.

Giuseppe Penone, Werk aus der Serie Gesti vegetali (1983-1986; Bronze; Sammlung). Ausstellungsansicht, Incidences of emptiness @ Cuneo, Kirche von San Francesco

Giuseppe Penone, Werk aus der Serie Gesti vegetali (1983-1986; Bronze; Sammlung). Ausstellungsansicht, Inzidenzen der Leere @ Cuneo, Kirche von San Francesco

Giuseppe Penone, Werk aus der Serie Gesti vegetali (1983-1986; Bronze; Sammlung). Ausstellungsansicht, Inzidenzen der Leere @ Cuneo, Kirche von San Francesco

Giuseppe Penone, Werk aus der Serie Gesti vegetali (1983-1986; Bronze; Sammlung). Ausstellungsansicht, Inzidenzen der Leere @ Cuneo, Kirche von San Francesco

Giuseppe Penone, Werk aus der Serie Gesti vegetali (1983-1986; Bronze; Sammlung)

Giuseppe Penone, Werk aus der Serie Gesti vegetali (1983-1986; Bronze; Sammlung)

Fußspuren kennzeichnen auch eines der jüngsten Werke Penones, Daphne, einen Baumstamm aus Bronze, der innen die Holzmaserung des Lorbeerbaums nachbildet und außen vom Künstler mit den Fingern modelliert wurde: Auf der Oberfläche sind daher viele kleine Rillen sichtbar, die seine Hände hinterlassen haben. Der Titel der Skulptur, Daphne, erinnert an den von Ovid in seinen Metamorphosen erzählten Mythos von der Nymphe Daphne, die, verfolgt vom Gott Apollo, der sich in sie verliebt hatte, ihren Vater Peneus zu Hilfe rief, indem er sie in eine Lorbeerpflanze verwandelte, damit sie vor dem Gott fliehen konnte, der geblendet war von seinem unbändigen Verlangen, sie zu besitzen. Penone nannte seine Skulptur nicht nur deshalb so, weil das Thema der Metamorphose (und damit der Veränderung, das für die Arte Povera so grundlegend war wie die Sensationen für die Expressionisten, die Ko-Präsenz von Standpunkten für die kubistische Avantgarde, die Bewegung für die Futuristen usw.) sowohl der ovidischen Erzählung zugrunde liegt (die den Künstler ohnehin wenig interessiert, oder vielmehr der für ihn anregendste Moment ist das Ende der Fabel) als auch den Prozessen, denen Penone eine Form geben will, aber auch wegen einer Art allegorischer Kontinuität zwischen der Nymphe und der Pflanze, die, wie der Künstler erklärt, zur Verteidigung gegen Angriffe von Insekten und anderen Tieren einen intensiven Duft verströmt, der sie vertreibt.

Einer der interessanten Aspekte des Denkens von Penone besteht darin, dass seine Position gegenüber Veränderungen und Mutationen in gewisser Weise distanziert bleibt. So ist seine Kunst nach eigenem Bekunden frei von umweltpolitischer Rhetorik, denn Penone hat mehrfach betont, dass der Mensch die Natur nicht zerstören kann, die auch ohne den Menschen ruhig ihren Lauf nehmen wird. Für Penone kann der Mensch vielmehr die Umwelt verändern, indem er Ressourcen zerstört, das Aussterben von Tieren verursacht und an bestimmten Orten radikal und wahrscheinlich endgültig eingreift (alles Handlungen, die den Menschen im Grunde dazu bringen, sich selbst zu zerstören): Der Mensch ist Teil der Natur, und aufgrund dieser Verbindung hat jede Handlung in der Natur auch Folgen für ihn, aber vom Standpunkt der Natur aus betrachtet, hat die Handlung des Menschen keine bedeutenden Umwälzungen zur Folge. Mit anderen Worten: Der Mensch ist es, der sich um seine Handlungen sorgen muss, da sie auf ihn zurückschlagen können, während die Natur auch dann noch existiert, wenn der Mensch nicht mehr existiert. Der Mensch existiert schließlich insofern, als er in der Natur lebt, und Penone hat oft versucht, diese Idee der Kontinuität in seinen Werken zu verwirklichen.

Zum Beispiel mit Suture, einer Skulptur aus Stahl, Plexiglas und Erde, die zwischen 1987 und 1991 entstanden ist: Es handelt sich um ein Werk, das die Verbindungen zwischen den Schädelknochen nachahmt (die in der Wissenschaft als Nähte bezeichnet werden) und von einer ipsilonartigen Struktur getragen wird, die im Gegenteil die Rippung von Blättern nachbilden soll. So kehrt die Koexistenz von Mensch und natürlichem Element zurück:"Suture", sagt Penone im Dialog mit Carolyn Christov-Bakargiev, der im Ausstellungskatalog Incidences of the Void enthalten ist, “stellt das Gehirn des Baumes dar, als ob es die Kontinuität zwischen menschlichem, natürlichem und architektonischem Körper aufzeigen soll. Die monumentale Skulptur ist der Form der menschlichen Gehirnstruktur nachempfunden, die durch Stahlklingen, die die Endpunkte der Nähte verbinden, in vier Abschnitte unterteilt ist. Die Arbeit geht von meiner Absicht aus, eine Skulptur durch eine Markierung zu schaffen, die fast mit einem Bleistift hinterlassen wurde. Eine Schraffur, die die Schädelnähte imitiert, jene festen Verbindungen zwischen den Knochen des menschlichen Schädels. Die Nähte sind, um Penones Metapher zu verwenden, wie ”Blätter des Gehirns“ und ”verändern ihr Volumen entsprechend den möglichen Verformungen des Gehirns": Außerdem hat der Künstler zwischen den Nähten und der Struktur, die sie trägt, auch Erde eingefügt, als ob er sagen wollte, dass alle Überlegungen, die der Mensch mit seinem Gehirn anstellt, von der Natur ausgehen.

Giuseppe Penone, Daphne (2014; Bronze, 273 x 100 x 100 cm; Privatsammlung). Ausstellungsansicht, Incidences of emptiness @ Cuneo, Kirche von San Francesco

Giuseppe Penone, Daphne (2014; Bronze, 273 x 100 x 100 cm; Privatsammlung). Ausstellungsansicht, Inzidenzen der Leere @ Cuneo, Kirche von San Francesco

Giuseppe Penone, Suture (1987-1991; Stahl, Plexiglas, Erde; 345 x 400 x 370 cm; Privatsammlung). Ausstellungsansicht, Incidences of emptiness @ Cuneo, Kirche San Francesco

Giuseppe Penone, Naht (1987-1991; Stahl, Plexiglas, Erde; 345 x 400 x 370 cm; Privatsammlung). Ausstellungsansicht, Incidences of emptiness @ Cuneo, Kirche San Francesco

Die Beziehung zwischen Mensch und Pflanze wird dann durch das Thema desBaumes ausgedrückt, das Penone immer wieder in seinen Werken verwendet hat. Schließlich ist der Baum eine Art Skulptur, die bereits in der Natur zu finden ist. “Bäume”, betonte der Künstler im Gespräch mit Arabella Natalini, "sind für mich eine perfekte Idee von Skulptur, wenn man bedenkt, dass der Baum ein Lebewesen ist, das seine Erfahrung in seiner Form versteinert, und dass jeder Teil, jedes einzelne Blatt, jeder einzelne Zweig aufgrund einer Notwendigkeit da ist, die mit seinem Überleben, seinem Leben zusammenhängt; es gibt nichts Zufälliges im Baum, nichts Überflüssiges oder Fehlerhaftes, seine Form ist genau das, was er zum Leben und für seine Überlebensstrategie braucht. Wir können das Wachstum eines Blattes, einer Knospe, eines Zweiges als eine Handlung bezeichnen; alle diese Handlungen sind in seiner Struktur aufgezeichnet, so dass die Suche nach der Form des Baumes innerhalb des Holzes, innerhalb des Materials Holz, meiner Meinung nach eine Tautologie der perfekten Skulptur ist. Und vielleicht ist der Baum gerade deshalb, weil er sich in seiner Form einprägt und weil er ein fließendes Wesen ist, das während seiner gesamten Existenz weiter wächst, zum erkennbarsten Element der Kunst Penones geworden, zur häufigsten Präsenz in seinen Werken, zum Thema, das sich am besten dazu eignet, die Gedanken des Künstlers auch in Form von Allegorien zu vermitteln, wie diejenige, die die Skulptur Identität belebt, eine Metapher einer Begegnung: Ein großer, dunkler und kahler Baum aus Bronze, auf den der Künstler eine Kopie aus Aluminium gesetzt hat, die im Gegensatz dazu ganz weiß ist. Die Identitäten, auf die der Titel des Werks anspielt, sind die der beiden Bäume, die sich zu spiegeln scheinen, aber in Wirklichkeit verschieden sind, und ihre Farben machen diesen Zustand noch deutlicher. Und doch gibt es trotz der größtenteils unvereinbaren Merkmale Berührungspunkte, die durch die zwischen den Ästen eingefügten Spiegel repräsentiert werden, die verschiedene Ideen einführen: der Spiegel als Symbol der Weisheit und des Wissens als Instrument der Selbsterkenntnis, der Spiegel als Reflexion über die Symmetrie in der Natur als Mittel der Anpassung und des Überlebens (d. h. die Gründe, warum der menschliche Körper und die große Mehrheit der tierischen Körper ebenfalls symmetrische Strukturen sind), der Spiegel als Schwelle zwischen Innerlichkeit und Äußerlichkeit und so weiter.

DieIdentität greift das Thema der Dualität auf, das bereits in Matrice, einem Werk aus dem Jahr 2015, angesprochen wurde: Es handelt sich um eine große, dreißig Meter lange Bronzetanne, die horizontal geteilt wurde, um zwei Teile zu erhalten, und dann entlang der konzentrischen Ringe des Stammes ausgehöhlt wurde, um eine Art Rille zu erhalten, die sich durch das Holz des Baumes zieht. Der erste “Doppelgänger”, dem man in der Matrix begegnet, ist derjenige, der sich aus dem Aufeinandertreffen von Vergangenheit und Gegenwart ergibt: Die Leere in der Mitte des Baumes entstand durch eine Einwirkung auf die Ringe des Baumes und damit auf seine Geschichte, denn wie wir alle aus unserer Kindheit wissen, zeigen die Ringe des Baumstammes sein Alter an. Die Gegenwart wirkt also auf die Vergangenheit ein oder gräbt sie aus, um sie an die Oberfläche zu bringen: Penones Aktion ist hier auch ein Symbol für das Vergehen der Zeit. An einer Stelle des ausgehöhlten Stammes hat Penone einen Bronzeabguss eingesetzt, der die Form des Baumes nachzeichnet, aber “anthropomorphe Züge” beibehält, wie der Künstler selbst erklärt, um die Beziehung zwischen Mensch und Natur zu verdeutlichen. Wiederum durch den Abdruck des Menschen. “Es war meine Absicht”, so Penone, “deutlich zu machen, dass die neu zusammengesetzten Längsschnitte und die Bronzeskulptur eine einzige Identität bilden; die Verkohlung des Holzes in dem entsprechenden Baumabschnitt ist ein Zeichen dafür. Jedes der Teile, die die Einheit des Werks bilden, trägt die Spuren des Prozesses”. Matrice stellt auch Überlegungen zum Wesen der Skulptur an, und zwar nicht nur, weil es sich um einen Baum handelt, der, wie wir gesehen haben, nach Penone die “perfekte Skulptur” ist: Die verschiedenen Teile, aus denen Matrice zusammengesetzt ist, ihre Form, die Behandlungen, die sie erfahren hat, vermitteln dem Betrachter eine unmittelbare Vorstellung von den komplizierten Prozessen, die der Entstehung einer jeden Skulptur zugrunde liegen, die eine längere und komplexere Ausarbeitung erfordert als die von Werken, die mit anderen Medien geschaffen wurden (Malerei zum Beispiel, zumindest nach Penones Ansicht: seine Vision des “Bildhauers” tritt bei Matrice vielleicht deutlicher hervor als bei jedem anderen Werk). Mit dieser Idee ist wiederum in einem fast zirkulären Sinn das Thema des Doppelgängers verbunden: zum einen, weil eine Skulptur technisch gesehen perfekt nach einem Modell reproduzierbar ist, und zum anderen, weil die Bildhauerei im Wesentlichen eine Kunst der Körper und der Leere ist.

Giuseppe Penone, Identity (2003; Bronze, Stahl, Ölfarbe, 63 x 25 x 27 cm; Privatsammlung). Ausstellungsansicht, Incidences of emptiness @ Cuneo, Kirche von San Francesc

Giuseppe Penone, Identität (2017; Bronze, Stahl, 1257 x 730 x 610 cm; Privatsammlung). Ausstellungsansicht, Incidences of emptiness @ Castello di Rivoli

Giuseppe Penone, Identität (2017; Bronze, Stahl, 1257 x 730 x 610 cm; Privatsammlung). Ausstellungsansicht, Anzeichen von Leere @ Castello di Rivoli

Giuseppe Penone, Matrix (2015; Tannenholz und Bronze, 110 x 250 x 3000 cm; Privatsammlung). Ausstellungsansicht, Inzidenzen der Leere @ Cuneo, Kirche von San Francesco

Giuseppe Penone, Matrice (2015; Tannenholz und Bronze, 110 x 250 x 3000 cm; Privatsammlung). Ausstellungsansicht, Inzidenzen der Leere @ Cuneo, Kirche von San Francesco

Giuseppe Penone, Matrice (2015; Tannenholz und Bronze, 110 x 250 x 3000 cm; Privatsammlung). Ausstellungsansicht, Inzidenzen der Leere @ Cuneo, Kirche von San Francesco

Giuseppe Penone, Matrice (2015; Tannenholz und Bronze, 110 x 250 x 3000 cm; Privatsammlung). Ausstellungsansicht, Inzidenzen der Leere @ Cuneo, Kirche von San Francesco

Die Anwesenheit der Abwesenheit, die Rolle der Leere sind Schlüsselelemente in Penones Kunst, angefangen bei Alpi Marittime, wo die Leere, die der Künstler hinterlässt, der Schlüssel zum Verständnis der Bedeutung des Werks ist, über Gesti vegetali, wo die Leere der Raum ist, in dem Kunst und Natur miteinander in Dialog treten, bis hin zu Identità und Matrice: in ersterem ist die Leere der Ort der Begegnung, in letzterem ist es die Abwesenheit, die die Geschichte der Pflanze hervorbringt. Die Beziehung zwischen leeren und vollen Räumen ist im Grunde ein Prozess der Veränderung, eine Metapher, die auch auf das Vergehen der Zeit und die wechselnden Zyklen der Natur verweist. Das sind also die Ereignisse der Leere nach Penone in der Ausstellung, die diesem Element der Kunst des piemontesischen Bildhauers zum ersten Mal eine vertikale Vertiefung widmet: Die Leere ist ein Datum, das trotz seiner Immaterialität Präsenzen empfängt, Geschichten erzählt, mit der “Fülle” in Dialog tritt und folglich die Planung des Künstlers leitet.

Und es ist kein Zufall, dass viele Kritiker auf die architektonischen Qualitäten von Penones Kunst hingewiesen haben: Schließlich muss auch ein Architekt bei der Planung seines Werks notwendigerweise Leerräume und Körper berücksichtigen. In Cuneo suchte Penone einen fruchtbaren Dialog mit der Kirche San Francesco, und als kultivierter Künstler muss er wohl die anthropometrischen Proportionen von Francesco di Giorgio Martini im Kopf gehabt haben, der Ende des 15. Jahrhunderts die Fassade einer Kirche nach den Proportionen des menschlichen Körpers entwarf. Nach Penones Vorstellung ähnelt der Grundriss der Kirche von Cuneo in gewisser Weise dem Körper eines Menschen: Die Schädelnaht entspricht der Apsis, während die lange Matrix, die entlang des Kirchenschiffs angeordnet ist, die Wirbelsäule darstellt. Die Architektur als Projektion einer Idee steht also in direkter Beziehung zum menschlichen Geist und damit zur Natur: Es besteht eine völlige Nähe zwischen diesen Realitäten. Penone ist sich der Tatsache bewusst, dass Natur und Architektur keine Gegensätze sind: denn im Grunde genommen gibt es keinen Gegensatz zwischen der Natur und dem menschlichen Wesen. Daran muss man sich einfach erinnern.

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