Mode und Kunst. Eine noch offene Debatte?

Im 20. Jahrhundert bestand eines der großen Verdienste der Mode (und der Modefotografie) darin, dass sie eine Schlüsselrolle bei der Popularisierung der Kunst spielte und dazu beitrug, künstlerische Motive in sozialen Gruppen zu verbreiten, mit denen man nur schwer in Kontakt kommen konnte.

Viele Modehäuser der Haute Couture, z. B. Dior, Chanel, Jean Paul Gaultier, Louis Vuitton, arbeiten heute nicht nur bei der Herstellung ihrer Kleidungsstücke mit Künstlern zusammen, sondern auch bei der Durchführung von Fotokampagnen, der Gestaltung von Modenschauen und der Förderung von Kollektionen. Der Fall von Dior ist vielleicht der emblematischste. Christian Dior, Gründer des Modehauses, das seinen Namen trägt, war ein Bewunderer der Kunst, ein Freund vieler bedeutender Namen der Avantgarde des frühen 20. Jahrhunderts: Salvador Dalí, Pablo Picasso, Juan Miró, Max Ernst, Giorgio De Chirico. Die Verbindung von Kunst und Mode war in der Geschichte des Modehauses immer präsent, von Marc Bohan, der 1984 eine Kollektion auf der Grundlage der Werke von Jackson Pollock entwarf, über Gianfranco Ferré, den Kreativdirektor von Dior in den frühen 1990er Jahren, dessen Kollektionen offen von Tizian, Rembrandt, Cétanne, über John Galliano, der 2008 Gustav Klimt neu interpretierte, bis hin zu den Kreativdirektoren der letzten zehn Jahre, Raf Simons und Maria Grazia Chiuri, die mit Künstlern wie Sterling Ruby, Pietro Ruffo, Marinella Senatore, Sharon Eyal, Paola Mattioli, Matteo Garrone zusammengearbeitet haben.

Die von Jackson Pollock inspirierten Kleider von Marc Bohan (1984)

Die von Gustav Klimt inspirierten Kleider von John Galliano (2008)

Es stimmt zwar, dass die Mode fast immer versucht hat, Kanäle der Konfrontation mit der Kunst zu schaffen, aber für letztere hat die Mode einen Grund für eine kritische Debatte dargestellt, die oft dazu geführt hat, ihre andere Rolle zu betonen, vor allem im Hinblick auf die Kommerzialisierung.

Die Debatte zwischen Kunst und Mode, die für die künstlerischen Bewegungen des 20. Jahrhunderts von grundlegender Bedeutung war, fand ihren ersten Ausdruck 1863, als Charles Baudelaire in seinem Essay Le peintre de la vie moderne, in dem er erstmals die Idee desCharles Baudelaire spricht in seinem Essay Le peintre de la vie moderne, in dem er zum ersten Mal die Idee des Flaneurs entwickelt, von der “Schwerkraft im Frivolen” (“gravité dans le frivole”) und deutet damit ein neues Bewusstsein für die Mode als künstliches Paradies an, mit dem man sich in der Moderne kleidet. Mode als moderne Haltung: als eine Art zu denken, zu fühlen und zu handeln in der Moderne, mit einer offensichtlichen Anspielung auf die Arbeit von Charles Frederick Worth, der 1858 als erster ein Couture-Modenhaus in Paris gründete. Baudelaire war sich bewusst, dass das Phänomen der Mode schon bald die Arbeit der Künstler in gewisser Weise popularisieren und kommerzialisieren würde.

Die historischen Avantgarden und kulturellen Bewegungen des frühen 20. Jahrhunderts haben sich oft und gerne mit der Haute Couture auseinandergesetzt, auch wenn dieser Dialog in der Kunstgeschichte und der Kunstkritik stets am Rande geblieben ist. Es wird nicht immer daran erinnert, dass die Futuristen zwei Manifeste zu diesem Thema verfasst hatten: Il vestito antineutrale (1914) und Il manifesto della moda femminile futurista (1920), zu dem Giacomo Balla selbst einen wichtigen Beitrag geleistet hatte.

Ein weiteres Experiment, Kunst und Mode zu verbinden, unternahm die Malerin Sonia Delaunay, deren Boutique Simultané (in Zusammenarbeit mit dem Modeschöpfer Jacques Heim) in der Modeabteilung der Internationalen Ausstellung 1925 in Paris präsentiert wurde. Die Absicht der Malerin war es, ihre Gemälde in Stoffe und Kleidungsstücke zu übertragen, die den Rausch der Modernität zum Ausdruck bringen sollten. Nicht minder wichtig war Delaunays Beitrag zu den Kostümen der ersten Dada-Schau von Tristan Tzara, Le Coeur à gaz, im Jahr 1923, die etwas mehr als fünfzig Jahre später die Kleidung von David Bowie und Klaus Nomi inspirieren sollte.

Salvador Dalí, ein Vertreter des Surrealismus, hatte in den 1930er Jahren auch mit Elsa Schiaparelli zusammengearbeitet, für die er den “Schuhhut” (1937), das “Organzakleid mit Hummer” (1937) und das “Tränenkleid” (1938) entwarf.

Soziologen und Kulturkritiker wie Georg Simmel und Walter Benjamin schrieben über die Mode, dass sie eines der wichtigsten Mittel sei, mit denen sich die Moderne manifestiere und zur Konstruktion ihrer Identität und des “Zeitgeistes” beitrage.

Die Kostüme von Sonia Delaunay für Tristan Tzaras Le coeur à gaz (1923)

Elsa Schiaparelli und Salvador Dalí, Hummerkleid (1937)

Elsa Schiaparelli und Salvador Dalí, Lacrima-Kleid (1938)

In der Beziehung zwischen Kunst und Mode gibt es zwei Punkte, an denen es kein Zurück mehr gibt, und beide sind mit zwei Magazinen verbunden: Im ersten Fall ist es das Kunstwerk, das in einem Modemagazin abgebildet wird; im zweiten Fall ist es ein Haute-Couture-Kleidungsstück, das zum ersten Mal auf der Titelseite eines der wichtigsten zeitgenössischen Kunstmagazine der letzten fünfzig Jahre erscheint.

1951 war das Jahr, in dem der Fotograf Cecil Beaton für die Zeitschrift Vogue in der New Yorker Galerie Betty Parsons ein Fotoshooting vor zwei verschütteten Gemälden von Jackson Pollock machte, die in diesem Fall als Kulisse für die Präsentation der neuesten Damenmode dienen. Der Kunsthistoriker T.J. Clark kritisierte diesen Versuch, die Kunst mit der Kulturindustrie zu verbinden, die die Vogue und die Modewelt repräsentierten, scharf. In den frühen 1960er Jahren wurde das Nachdenken über kommerzielle Kunst und Mode, die zu Kunst wird, durch die “Pop”-Kultur und ihre Künstler vertieft, die versuchten, die Unterscheidung zwischen Hoch- und Niedrigkultur aufzuheben, indem sie sich bewusst weigerten, zwischen einem Entwurf für ein Modekleidungsstück und dem Kunstwerk selbst zu unterscheiden, wie dies bei Andy Warhol und seinem The Souper Dress (1961) der Fall war. Die Debatte drehte sich um etwas, von dem die Modeindustrie profitieren konnte und mit dem die Kunst schließlich konkurrieren musste.

1982 war das Jahr, in dem ein Kleid des japanischen Designers Issey Miyake auf dem Cover von Artforum International erschien. Der Leitartikel dieser Ausgabe trug die Unterschriften der amerikanischen Schriftstellerin Ingrid Sischy und des italienischen Kunstkritikers Germano Celant, die erklärten, dass Mode als eine neue Art von “künstlerischer Produktion betrachtet werden kann, die ihre Autonomie behält, während sie an der unscharfen Grenze zwischen Kunst und Kommerz in die Massenkultur eintritt” (Artforum International, Editorial, Februar 1982). Beide waren sich darüber im Klaren, dass es die Pop Art war, die als erste die Hierarchien zwischen “hoch und niedrig, rein und unrein” und “dem Nutzlosen und dem Nützlichen” aufgebrochen hatte.

Durch diese offizielle Anerkennung in den Seiten der Zeitschrift für zeitgenössische Kunst begannen einige Haute Couture-Stücke, die inzwischen historisch geworden waren, wie Yves Saint Laurents Stücke aus dem Jahr 1965, die auf den Werken Piet Mondrians basierten, von Museen für zeitgenössische Kunst ausgestellt und angekauft zu werden, wie im Fall des Met und der Retrospektive von Yves Saint Laurent im Jahr 1983.

Eine der Fotografien von Cecil Beaton für Vogue (1951)

Andy Warhol, The Souper Dress (1966-1967; New York, The Metropolitan Museum)

Die Titelseite von Artforum International, Februar 1982

Das Mondrian-inspirierte Kleid von Yves Saint Laurent. Foto: François Larry

Melissa Marcello, Die Kriegerin, Selbstporträt (2021)

Melissa Marcello, Natur (2020)

Melissa Marcello, Rot (2020)

Gleichzeitig erhielt die Modefotografie mit mehreren wichtigen Ausstellungen, wie der im MoMA im Jahr 2004, immer mehr Aufmerksamkeit. Diese Verzögerung im Vergleich zur “Kunstfotografie” zeigt, dass es lange dauerte, bis die Modefotografie als Kunstform angesehen wurde. Sehr oft wurde sie von großen Fotoausstellungen ausgeschlossen, weil sie als zu kommerziell angesehen wurde. Heute ist es wichtig zu sehen, dass sich die Modefotografie in dem Maße, wie sie zunehmend als Kunst akzeptiert wird, allmählich in die gleiche Richtung zu bewegen scheint.

In den letzten Jahren hat das Interesse der Modefotografen an der Welt der Kunstfotografie zugenommen, mit dem Ziel, die Unterschiede zwischen “High Photography” und “Low Photography” zu überwinden. Das Medium wird von professionellen Fotografen für Modekampagnen genutzt (wie im oben erwähnten Fall von Paola Mattioli für Dior), aber auch von aufstrebenden Fotografen für Projekte, die Bildkunst, Haute Couture und Fotografie verbinden, wie UTPICTURA der Mailänder Modefotografin Melissa Marcello. UTPICTURA vereint Kunst und Haute Couture und interpretiert die Vergangenheit auf zeitgenössische Weise neu, wobei das fotografische Porträt dekonstruiert wird, um ein neues, materielles Bild zu erhalten, das nur eine Erinnerung an die vergangene Welt enthält, ohne eine getreue Kopie davon zu sein. Eines der Ziele des Projekts von Melissa Marcello ist es, das Porträt, das aus künstlerischer Sicht immer ein elitäres Genre war, für die breite Masse zugänglich zu machen und jedem die Möglichkeit zu geben, daran teilzuhaben.

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