Mat Collishaw, Blumen als faszinierende Rätsel

Ein aus 15 Aufnahmen bestehendes Bild, das auf hinterleuchteten Tafeln installiert ist, konzentriert sich in einer visuellen Synekdoche auf ein von Kugeln durchlöchertes Schädelloch. Die Arbeit trägt den Titel Bullet Hole und spielt mit der Destabilisierung der Wahrnehmung. Aus der Nähe erzeugt es einen interpretatorischen Kurzschluss, der nur überbrückt und verstanden werden kann, wenn man sich von ihm entfernt. Es wurde 1988 von dem jungen Mat Collishaw (Nottingham, 1966) für die Ausstellung Freeze signiert, die in London in verlassenen ehemaligen Hafenbüros stattfand und von dem Künstler Damien Hirst kuratiert und konzipiert wurde. Ziel der Gruppenausstellung, an der sechzehn Künstler (darunter Sarah Lucas, Gary Hume, Ian Davenport, Tracey Emin) teilnahmen, war es, zu provozieren, zu schockieren, im wahrsten Sinne des Wortes “einzufrieren” und vor allem aktuelle Themen zu zeigen. Die Ende der 1980er Jahre geborene Generation britischer Künstler, die aus dem Goldsmiths College hervorging und unter dem Namen YBA (Young British Artists) zusammengefasst wurde, wurde auch dank des Publizisten und Sammlers Charles Saatchi gefördert, der 1997 die bemerkenswertesten Werke auswählte und sie in einer großen Wanderausstellung, Sensation, zusammenfasste, die zwischen Europa und den Vereinigten Staaten touren sollte.

Zu diesen eklektischen Vertretern gehörte Mat Collishaw, und sein Bullet Hole, das den legendären Freeze inspirierte, drückte den Geist der Gruppe gut aus, da es in der Lage war, sowohl den Schrecken als auch die Poesie zu synthetisieren, die durch eine zweideutig beunruhigende Schönheit ausgelöst wurde. Der Künstler selbst sagt, dass “die Poesie aus dem Kontakt zwischen Sensibilität und scheinbarer Abstoßung entsteht”. Ein Thema, auf dem Collishaw seine gesamte Poetik aufbaut, die er mit so unterschiedlichen Mitteln wie Fotografie, Video, Umweltinstallationen, Skulpturen und sogar künstlicher Intelligenz bis ins Unendliche weiterentwickelt, wobei er alles mit einer sorgfältigen Assimilation der Kunstgeschichte neu interpretiert und mit literarischen Referenzen (Ballard, Baudelaire, Genet, Huysmans) kontaminiert. Und er ist tatsächlich berühmt geworden dank einer Bildsprache mit einer starken ästhetischen und beunruhigenden Wirkung, in der Leben und Tod, Licht und Schatten in einer weitreichenden Reflexion verschmelzen und sich vermischen, die Geschichte und Wissenschaft, Natur und neue Technologien und ihre ständige Verflechtung in Frage stellt.

In diesem scheinbar märchenhaften und äußerst attraktiven Universum sind die Dinge nicht immer so, wie sie auf den ersten Blick erscheinen.

Tatsächlich scheint das berühmte Karussell All things fall auf den ersten Blick eine angenehme klassische Architektur wiederzugeben, in der kleine menschliche Skulpturen in unklaren Posen gefangen sind, die auf die wirbelnde Drehung zurückzuführen sind, der das Werk unterworfen ist. Durch optische Täuschungen wird nach und nach ein makabres Spektakel enthüllt, das Collishaw, wie er verrät, von Ippolito Scarsellas Strage degli innocenti angeregt wurde. Das Zootropium (ein viktorianisch inspirierter zylindrischer Apparat) aus Gips, Harz, Stahl und Aluminium, beleuchtet von LED-Lichtern und angetrieben von einem Elektromotor, inszeniert Bilder beispielloser Gewalt in einem eskalierenden Höhepunkt, in dem menschliches Leiden zum Spektakel wird. Eine Wahrnehmungsillusion, die Verwirrung stiftet und auch die Fotoserie Last Meal on Death Row mit ihren Caravaggio-ähnlichen Assonanzen beeinflusst (wenn auch auf andere Weise). Diese von Licht und Schatten geprägten Stillleben sind von einem Stil beeinflusst, der an bestimmte niederländische Barockstillleben erinnert, und drängen sich dem Betrachter mit einer verführerischen und geheimnisvollen Aura auf. Es handelt sich um Aufnahmen der letzten Mahlzeiten von Insassen der Todeszellen in texanischen Gefängnissen, einem Bundesstaat, der für die höchste Zahl von Hinrichtungen in den USA seit 1976 bekannt ist.

Blumen, erhaben, verführerisch, anziehend, Topoi, die in der Kunstgeschichte weit verbreitet sind, sind auch in Collishaws künstlerischer Produktion weit verbreitet. Es sind Blumen, die von Sehnsucht, Erotik, Leidenschaft, Märtyrertum, Ekstase, Natur, Wunden sprechen und die zu idealen Sujets werden, um den Betrachter zu sich zu ziehen, seinen Blick zu katalysieren und ihn dann durch unerhörte, symbolische Lesarten zu anderen Bedeutungen zu begleiten. Andererseits ist es kein Zufall, dass Blumen, wie die Künstlerin sagt, “diese schönen Formen haben, die wir so gerne anschauen, aber der Grund für ihre Schönheit ist, dass sie Schmetterlinge und andere Insekten anlocken, um Pollen zu verbreiten, so dass sie durch ihre physische Attraktivität andere manipulieren. Ihre Schönheit existiert also nur aus sehr egoistischen Gründen, und das finde ich sehr faszinierend”. Blumen also nicht als Ornament um ihrer selbst willen, oder zumindest nicht für eine tiefere Lesart und nicht nur als Metaphern der Vanitas, sondern vielmehr als rätselhafter Anziehungspunkt, um verschiedene Themen zu erkunden: spirituell im weitesten Sinne, ökologisch, sozial.

Der oben beschriebene Prozess ist in mehreren Werken des Künstlers präsent, wie z. B. in Eidolon von 2023, in dem eine Iris, ein Symbol des Glaubens, der Hoffnung und der Gerechtigkeit, die mit der Figur der Jungfrau Maria assoziiert wird, von Flammen umhüllt wird, die sie nicht am Erblühen hindern, sondern vielmehr hartnäckig und unverhofft unter den Noten von in Latein gesungenen Bibelversen aus dem dritten Kapitel des Buches Daniel weitergehen. Die starke Botschaft vom Sieg des Lichts über die Finsternis trotz allem, der Verweis auf das Martyrium, auf die Kreuzigung, ist offensichtlich. Das Bild des Todes und seiner Sublimierung, die zu einem rein ästhetischen Akt wird, ist auch in Burning flowers (2014) präsent und erinnert, wie einige Kritiker betont haben, an bestimmte künstlerische Szenen des Martyriums aus dem 17.

Ausgehend von der im Künstler verwurzelten Idee, dass die Herstellung eines Bildes immer eine Gewaltanwendung bedeutet, da man am Ende die ephemere, unbeständige Natur des betreffenden Objekts leugnet und sie durch eine feste, dauerhafte Darstellung ersetzt, lenkt Collishaw mit seinen Werken gleichzeitig die Aufmerksamkeit auf den Prozess der Auflösung, der alles betrifft, was zu einem Bild wird. Preternaturalia (2010), eine heilige Blume in einem Tabernakel, die von einem Feuer verzehrt wird, das sie nährt und verzehrt, ist ein eindrucksvolles Beispiel dafür.

Von grundlegender Bedeutung für das Werk des Künstlers ist die Interaktion mit dem Publikum. Dieser allgegenwärtige Aspekt ist ein unverzichtbares Element in seiner jüngsten Operation Heterosis (2023), die mit NTF und künstlicher Intelligenz unter Verwendung einer Kombination aus genetischen Algorithmen und Blockchain-Technologie realisiert wurde; eine florale Hybridisierungserfahrung sui generis, bei der die teilnehmenden Sammler ihre eigenen animierten, von KI generierten NTF-Blumen züchten können, die sie dann mit den Arten anderer Sammler kreuzen können. Sie sind in einem virtuellen Bereich namens Green House zu sehen, der sich in einem imaginären Gewächshaus des schönen und verfallenden Metaversums in der National Gallery befindet, das von einer umhüllenden, wilden und befallenen Natur besiedelt ist, die kurz davor zu stehen scheint, die gesamte Galerie zu überwältigen. Sie werden von ihren Besitzern als Avatare besucht und tragen Namen, die an Borges’ Bibliothek von Babel angelehnt sind. Ebenfalls mit Hilfe künstlicher Intelligenz schuf Collishaw Alluvion, eine neue Serie von Ölgemälden, die von Malern des 17. Jahrhunderts wie Frederik Ruysch und Abraham Mignon inspiriert sind. Jahrhundert inspiriert wurde. Es sind eigenartige Bilder, in denen sich Blumen und Insekten vermischen und so sehr miteinander verschmelzen, dass man sie in einem einzigartigen Kuriositätenkabinett nicht voneinander unterscheiden kann. Es handelt sich um ein in der Natur vorkommendes Phänomen (die so genannte “Pouyannsche Mimikry”), bei dem Blumen Insekten nachahmen, um sie zum Pollensammeln anzulocken.

Der britische Künstler schenkt auch dem ökologischen Thema besondere Aufmerksamkeit, wie einige seiner jüngsten Werke zeigen. So zum Beispiel die über 5 Meter hohe und 3 Meter breite Umweltinstallation Equinox, die sich der “Zootropium”-Technologie bedient und anlässlich der Expo 2020 in Dubai im Pavillon für Nachhaltigkeit ausgestellt wurde: eine riesige rotierende Lotusblume, deren Blütenblätter sich öffnen, um Insekten aufzunehmen, die sie anfliegen und bestäuben, begleitet von poetischen Versen, die die Heiligkeit der Natur feiern. Eine Reflexion über die moderne Gesellschaft, die sich durch das Aufkommen neuer Technologien und genetischer Manipulationen verändert hat, zusammen mit Verführung und Abstoßung, Dekadenz und verlorener Unschuld, findet sich in den beunruhigenden Abdrücken von Orchideen mit verführerischen Blütenblättern, die jedoch von Wunden, Narben und Auswüchsen gezeichnet sind, die durch ein aus dermatologischen Handbüchern entliehenes Transplantat simuliert und dann durch den Computer auf die Werke von Venal Muse (2012) übertragen werden. Der suggestive Titel ist eine Hommage an Baudelaires Les Fleurs du Mal, in dem Dekadenz und Erotik gleichermaßen präsent sind, und an den Text À rebours von Huysmans, dessen Protagonist, ein Aristokrat in freiwilliger Einsiedelei in seiner Villa, eine Obsession für das Sammeln entwickelt, darunter seltene Blumenarten, die von tropischen Krankheiten befallen zu sein scheinen.

Der Kurzfilm Even to the End (2023) beschäftigt sich ebenfalls mit Fragen des Ökosystems. Darin werden der menschliche Einfallsreichtum und seine Zerstörungswut hervorgehoben: Er beginnt mit einer Parade von Blumen in Vitrinen, die über das Meer zu einer blühenden Insel gelangen, die sich allmählich in einen unwirtlichen Ort verwandelt, an dem die Verwüstung regiert. Der Film bezieht sich auf die Wardianische Kiste, die im viktorianischen Zeitalter den Transport seltener Pflanzenarten zwischen den Kontinenten ermöglichte, was sowohl positive (ihre Erhaltung) als auch negative (die Bedrohung des Ökosystems des Planeten) Auswirkungen hatte. Die visuelle Erzählung wird durch Samuel Barbers Adagio für Streicher unterstrichen, das von dem virgilischen Gedicht The Georgics inspiriert ist, einem antiken Text, der jedoch eine sehr aktuelle Botschaft enthält.

Wie ein geschickter Zauberer oder Demiurg erschafft Collishaw andere natürliche Realitäten, verwandelt sie, belebt sie (die auf Video übertragenen botanischen Illustrationen von Dürers sich im Wind wiegenden Grashalmen sind beschwörend, fast hypnotisch) und wenn es dazu dient, die Menschheit neu zu dimensionieren und zu desorientieren, macht er sie geisterhaft. Dies ist der Fall bei Albion von 2017, einem animierten Oligramm der großen Eiche von Sherwood Forest, die seit jeher mit der Legende von Robin Hood in Verbindung gebracht wird. Der Subtext, der sich durch die gesamte Produktion des britischen Künstlers zieht, ist bewusst zweideutig und keineswegs beruhigend, als wolle er sagen, dass sich die Natur, die gewaltig, instabil, absolut und rätselhaft ist, trotz allem jeder Kontrolle entzieht und dass die Kunst, wie das Leben selbst, einen Sinn hat, wenn sie Fragen aufwirft, den Geist öffnet und keine Antworten liefert.

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