Luc Tuymans. Der Maler der Unzulänglichkeit

Eines der berühmtesten Werke von Luc Tuymans (Mortsel, 1958) ist ein riesiges Stillleben, das dreieinhalb mal fünf Meter misst. Es ist vielleicht das größte Stillleben der gesamten Kunstgeschichte. Es ist sicherlich eine der anspruchsvollsten Leistungen des flämischen Künstlers (und auch das größte Werk, das er geschaffen hat) und eine der tiefgründigsten. Wenn man es betrachtet, würde man nicht vermuten, dass diese scheinbar unbedeutenden Gegenstände - ein Stück Obst, ein paar Teller und ein Krug Wasser - tatsächlich von einem der tragischsten Ereignisse der jüngeren Geschichte herrühren. Wir schreiben das Jahr 2002, Luc Tuymans wird eingeladen, auf der Documenta 11 in Kassel auszustellen, und die Veranstaltung, die in diesem Jahr von Okwui Enwezor kuratiert wird, endet am 15. September, wenige Tage nach dem ersten Jahrestag der Massaker vom 11. September 2001: Die deutsche Ausstellung ist also von starken politischen und sozialen Konnotationen geprägt, und Publikum und Kritiker erwarten, dass Tuymans ein Werk vorstellt, das sich ganz auf diese Themen konzentriert. Stattdessen präsentierte der Maler sein gigantisches Stillleben. Es war die unmittelbarste Art und Weise, die der Künstler gefunden hatte, um auf das schreckliche Ereignis ein Jahr zuvor zu reagieren. “Meine Frau und ich waren während der Anschläge vom 11. September in den USA”, erklärte Tuymans während einer großen Einzelausstellung in der Tate Modern in London im Jahr 2004. “Natürlich waren wir schockiert. Was sollte man tun angesichts all dieser Bilder, die ständig und auf Schritt und Tritt wiedergegeben wurden? Irgendwann waren sie eklig geworden. Also hatte ich die Idee, etwas anderes zu machen. Etwas gegen diese Bilder zu tun. Ich griff auf die Idee des Idyllischen zurück. Auf die Idee dieses Stilllebens. Aber in übertriebener Größe, so dass es den Betrachter schockieren könnte [...]. Dieses Stilleben bietet dem Betrachter ein Bild, zerstört es aber gleichzeitig. Es zersetzt es in dem Maße, wie es sich mit dieser Größe präsentiert”.

Einer der Schlüsselbegriffe zum Verständnis der Poetik von Tuymans ist “Unzulänglichkeit”. Der Maler fühlte sich angesichts der Bilderflut, die in den Tagen des Anschlags und in den Wochen danach auf ihn einprasselte, unzureichend. “Die Anschläge vom 11.9. waren auch ein Angriff auf die Ästhetik”, sagte er. Daher die Notwendigkeit zu reagieren. Mit einem gewöhnlichen, vertrauten, fast banalen Gemälde. Aber in seinen Dimensionen so verändert, dass es verwirrend wird: Der Betrachter empfindet das gleiche Gefühl der Unzulänglichkeit, wenn er mit diesem Bild konfrontiert wird. Und nicht nur das: Das große Stillleben stellt einen Versuch der Sublimierung dar, einen Weg, die Gewalt bestimmter Bilder durch eine Reihe von Objekten zu ersetzen, die unterschiedliche Empfindungen hervorrufen können. Und doch wird dieses Bild selbst zu einer Art Zeichen der Gewalt, da es die Bilder der Tragödie ersetzen kann. In diesem Sinne erfüllt sich Tuymans’ Strategie, die uns mit der Art und Weise konfrontiert , wie wir uns zu Bildern verhalten: Der Künstler, so schrieb der Kritiker Ronan McKinney, “behauptet weder die Unrepräsentierbarkeit von 9/11, noch produziert er ein Bild, das das Ereignis heraufbeschwört. Im Gegenteil, Tuymans untersucht die Fähigkeit des Bildes, mehr zu repräsentieren als das, was es sichtbar macht, um das Unrepräsentierbare nicht jenseits der Repräsentation zu zeigen, sondern immer in der Repräsentation verborgen, immer die Repräsentation heimsuchend”.

Diese Mechanismen sind von Anfang an Teil der Kunst von Luc Tuymans gewesen. Besonders dicht ist ein Werk wie Ganzen aus dem Jahr 1987: scheinbar ein Kinderbild, das ein Plakat wiedergibt, das Tuymans als Kind in seinem Zimmer aufgehängt hatte, verbirgt es in Wirklichkeit ein tiefes Unbehagen, da dieses Plakat ihm Angst einflößte. Und es ist genau dieses Unbehagen, das sich in Tuymans’ Kunst niederschlägt. Es ist ein Unbehagen, das sich selbst hinter den gewöhnlichsten Gegenständen verbirgt, das sich durch den einfachsten Alltag schleicht, das sich hinter einer harmlos wirkenden Erscheinung verbirgt. Ein Gemälde, das ein gewöhnliches Bild zeigt, bestehend aus einer Schachtel, einer Art Logo (einer Tulpe oder einem Katzenkopf), einer Wiese und zwei Farbklecksen, die wie zwei Bälle aussehen, trägt den Titel Kindesmissbrauch: Der Sinn des Gemäldes ist, dass sich hinter einer scheinbar normalen Realität verstörende und schmerzhafte Geschichten verbergen können.

Luc Tuymans, Stillleben (2002; Öl auf Leinwand, 347 x 500 cm)

Luc Tuymans, Ganzen (1987; Öl auf Leinwand, 80 x 120 cm; Ostende, Mu.ZEE)

Luc Tuymans, Kindesmissbrauch (1989; Öl auf Leinwand, 55 x 60 cm)

Auf der Suche nach diesen verstörenden Geschichten musste Tuymans oft nicht einmal weit suchen. Der Künstler erzählte, wie eines Abends, als er fünf Jahre alt war, während eines Abendessens bei seinen Großeltern, bei dem die ganze Familie anwesend war, der Bruder seiner Mutter begann, in einem Fotoalbum zu blättern, aus dem er ein Bild fallen ließ, das einen Onkel väterlicherseits, der ebenfalls Luc hieß, als Jungen beim römischen Gruß zeigte. Die Mutter des Malers, eine Holländerin, war in ihrem Land Teil der Résistance gewesen und hatte geholfen, viele politisch Verfolgte zu verstecken. Sein Vater war daher gezwungen zuzugeben, dass zwei seiner Brüder der Hitler-Jugend angehörten. Diese Episode hatte erhebliche Auswirkungen auf den reibungslosen Ablauf der Ehe von Luc Tuymans’ Eltern. Und natürlich auch auf sein eigenes künstlerisches Schaffen, das sich immer wieder mit dem Thema des Zweiten Weltkriegs auseinandersetzt. Eines der berühmtesten Werke in diesem Sinne ist Gaskammer ". Es wurde 1986 von dem Künstler geschaffen, und auch hier zeigt Tuymans das Grauen, das sich hinter einem scheinbar einfachen Raum verbirgt. Ein leerer, fensterloser Raum, in dem trübe Farben dominieren, braun, beige und schwarz. An einer Wand, fast in einer Ecke, erscheint eine Tür, auf dem Boden in der Mitte des Raumes sehen wir ein Gitter und an der Decke undefinierbare braune Flecken. Liest man den Titel, wird der Bezug sofort klarer: Gaskammer. Eine Gaskammer, ein Ort des Schreckens und der Grausamkeit, an dem Tausende von Menschen, die in Konzentrationslager deportiert wurden, getötet wurden: Der Künstler hat sie aus erster Hand besucht, er war in Mauthausen, und dort entstand die Inspiration für dieses Gemälde. Was scheinbar wie ein Keller aussieht, entpuppt sich in Wirklichkeit als Ort des Todes. Die Farben selbst drücken einmal mehr das Gefühl der Unzulänglichkeit aus, das der Künstler angesichts einer gewaltigen Tragödie, der größten in der Geschichte der Menschheit, empfindet. Sie sind nicht nur düster, fast verblasst, sondern werden auch mit flackernden Pinselstrichen aufgetragen, fast so, als ob der Künstler im Moment des Malens ein Gefühl der Angst verspürte. “Es ist vielleicht das problematischste Gemälde, das ich je gemalt habe”, sagte Luc Tuymans, ebenfalls anlässlich der Ausstellung in der Tate Modern. Und das größte Problem ist in etwa das gleiche, mit dem sich der Künstler nach dem 11. September 2001 konfrontiert sah: “Der Inhalt ist entsetzlich, aber andererseits hat das Gemälde seinen eigenen ästhetischen Wert. Und das ist es, was mich interessiert: dieses Tabu zu brechen”.

Diese scheinbare Einfachheit verdeutlicht auf tiefgründige Weise die alltägliche “Gewohnheit”, wehrlosen und unschuldigen Menschen mit einer unvorstellbaren Kälte den Tod zuzufügen. In der Ausstellung 2004 wurde diese Alltäglichkeit der Tragödie durch die Ausstellung von Plates unterstrichen, einem Gemälde aus dem Jahr 1993, das fünf Porzellanteller zeigt, die denen ähneln, die Tuymans selbst später in der gleichnamigen Serie von 2011 malen wird, die sich heute im MuHKA, dem Museum für zeitgenössische Kunst in Antwerpen, befindet. Die Serie zeigt fünf Porzellanteller aus der persönlichen Sammlung des Künstlers: Es handelt sich um Produkte der kroatischen Keramikindustrie, die in der kommunistischen Zeit hergestellt wurden, als diese Produktion noch Nationalstolz bedeutete. Die Serie wurde für ein Wandbild anlässlich der Ausstellung “Allo” verwendet, die 2012 in der Rotunde des Meštrovic-Pavillons in Kroatien stattfand. Diese Ausstellung wurde vom Institut für die Erforschung der Avantgarde und der HDLU in Zagreb in Zusammenarbeit mit der Galerie David Zwirner in Köln organisiert, mit der Luc Tuymans seit einiger Zeit zusammenarbeitet. Eine Ausstellung, in der die Tafeln von 2011 dieselbe Funktion erfüllen wie die von 1993: ein bürgerliches, einfaches, alltägliches Interieur zu evozieren, um dem Betrachter erneut vor Augen zu führen, dass sich hinter der Banalität oft grausame Geheimnisse verbergen. Die Nazis, die sich des größten Verbrechens gegen die Menschlichkeit in der Geschichte schuldig gemacht haben, waren schließlich keine Ungeheuer von irgendwoher. Sie waren ganz normale Menschen, die außerhalb der Vernichtungslager ein ruhiges, bürgerliches Leben führten. Tuymans’ Gemälde werden im Grunde zu einer fast ikonographischen Umsetzung der Thesen von Hannah Arendt.

Die Einzigartigkeit der Werke von Tuymans besteht gerade in seiner Fähigkeit, Tatsachen und Ereignisse aus der kollektiven Geschichte, die oft tragisch sind, darzustellen, indem er sich auf überflüssige Details, undefinierte Farbflecken konzentriert, die auf den ersten Blick nicht auf die eigentliche Bedeutung des Werks verweisen. Nicht darstellbare Themen wie Holocaust, Fremdenfeindlichkeit, Kolonialismus und viele andere werden in Tuymans’ Meisterwerken durch unerkennbare Details wiedergegeben, die auf den ersten Blick die wahre Bedeutung des Werks nicht erkennen lassen. In diesem Sinne wird das gesamte künstlerische Schaffen von Luc Tuymans zu einer Allegorie des zeitgenössischen Gedächtnisses, in dem private Erinnerung und kollektive Bedeutung, Bild und Zeit weit voneinander entfernt erscheinen und nur schwer in Beziehung gesetzt werden können. In einem Interview erklärte der Künstler, dass “der Titel selbst das Herz des Bildes ist und niemals gemalt werden kann: Er ist das abwesende Bild”. Die Beziehung zwischen Tuymans und der Geschichte wird durch diese Aussage gut dargestellt, die uns von der Unfähigkeit und Unmöglichkeit der Darstellung des kollektiven Gedächtnisses erzählt, das jedoch nur durch den Titel des Bildes verstanden werden kann. Ein weiteres Thema des nicht darstellbaren kollektiven Gedächtnisses ist der belgische Imperialismus im Kongo, ein Thema, mit dem sich der Künstler auf der Biennale von Venedig 2001 gemessen hat, indem er die Serie Mwana Kitoko in die Lagune brachte. Schöner weißer Mann. Auf dem bekanntesten Bild der Serie sehen wir einen Mann in weißer Uniform, distinguiert, mit Sonnenbrille, der wahrscheinlich gerade aus einem Flugzeug gestiegen ist, das hinter ihm zu sehen ist. Bei dem Mann handelt es sich um den belgischen König Baudouin, der 1955 im Alter von fünfundzwanzig Jahren zu einem offiziellen Besuch in den Kongo reiste. Mwana kitoko“ war der Spitzname, den die Kongolesen dem jungen Herrscher in spöttischer Absicht gegeben hatten: ”mwana kitoko“ bedeutet eigentlich ”hübscher Junge“. Die belgischen Behörden, die diese offensichtliche Beleidigung nicht hinnehmen konnten, nutzten die Gelegenheit und änderten den Spitznamen in ”bwana kitoko“, ”schöner Mann“, aber auch ”Mann von edlem Aussehen". Tuymans wollte mit dem Titel des Werks die Sichtweise der Kolonisierten wiedergeben.

Die Idee, dieses Werk auf die Biennale 2001 zu bringen, geht auf ein konkretes Ereignis zurück: Damals hatte gerade eine Kommission begonnen, die mögliche Beteiligung Belgiens an der Ermordung des Gründers der Nationalen Bewegung des Kongo, Patrice Lumumba, im Jahr 1961 zu untersuchen. Tuymans hielt es für wichtig, dem Publikum eine Reihe von Werken zu zeigen, die sich auf die Geschichte des Landes und insbesondere auf die imperialistische Vergangenheit Belgiens bezogen. Wie er es gewohnt war, tat er dies jedoch nicht direkt, sondern versuchte, indirekt Bilder zu zeigen, die mit dem belgischen Kolonialismus in Verbindung gebracht wurden. Ein Thema aus der Vergangenheit, das auf jeden Fall Auswirkungen auf die Gegenwart hatte. Ziel des Werkes war es also, einen historischen Moment, eine bestimmte Situation zu evozieren und dem Besucher mehrere Denkansätze zu bieten.

Luc Tuymans, Gaskammer (1986; Öl auf Leinwand, 50 x 70 cm; Privatsammlung)

Luc Tuymans, Tafeln (1993; Öl auf Leinwand; Privatsammlung)

Luc Tuymans, Tafeln (2011; Lithografien, je 70 x 50; Antwerpen, MuHKA)

Luc Tuymans, Mwana Kitoko (2000; Öl auf Leinwand, 208 x 90 cm; Gent, SMAK - Stedelijk Museum voor Actuele Kunst)

Patrice Lumumba selbst wurde von Tuymans im Jahr 2000 in einem Porträt dargestellt, das sich heute im MoMA in New York befindet und nach einem Foto des damaligen Premierministers der Demokratischen Republik Kongo angefertigt wurde. Dieses Gemälde wurde von der Frage inspiriert, die im Jahr 2000 aufgeworfen wurde, als Belgien, wie bereits erwähnt, beschuldigt wurde, direkt in die brutale Ermordung Lumumbas, des ersten demokratisch gewählten Premierministers in der Geschichte des Landes, verwickelt zu sein: Wie wir wissen, führten die Ereignisse, die zur Ermordung Lumumbas führten, schließlich zur Errichtung der dreißigjährigen Diktatur von Mobutu. Das Porträt sagt nichts über die Figur Lumumba oder gar die Geschichte des Kongo aus, aber es bringt die Frage seiner Ermordung ins Bewusstsein der Öffentlichkeit, und Luc Tuymans hat Lumumbas Haut auf dem Gemälde aufgehellt und auch seinen Blick verändert, indem er ihn etwas fragend macht, wahrscheinlich um den Betrachter zum Nachdenken über die verborgene Bedeutung des Porträts anzuregen: die historische Erinnerung. Eine weitere prominente Figur, die Tuymans porträtiert hat, ist Condoleezza Rice, die 2005 abgebildet wurde. In jenem Jahr wurde Rice von der Zeitschrift Forbes als die mächtigste Frau der Welt bezeichnet, da sie Colin Powell als US-Außenministerin ablöste. Das Gemälde ähnelt einer Fotografie, einer jener Fotografien, die man in Geschichtsbüchern findet und die führende Persönlichkeiten aus einer vergangenen Geschichte zeigen. Hier haben wir es jedoch mit einer Frau aus der Gegenwart zu tun. Ihr Blick ist distanziert und sie scheint sich auf etwas Unbestimmtes zu konzentrieren, was auch durch eine Grimasse des Mundes zum Ausdruck kommt. Das Porträt von Rice wurde zum Zeitpunkt seiner Entstehung von der Öffentlichkeit als Kritik des Künstlers an der Bush-Regierung interpretiert, aber Tuymans porträtierte sie als charmante, starke und intelligente Frau: und außerdem war Condoleezza Rice die erste afroamerikanische Außenministerin in der Geschichte der USA. Doch dieser nahe Schnitt, der auf den Details des Gesichts verweilt, lässt uns die Frau nicht näher erscheinen: Wir nehmen immer noch ein Gefühl der Distanz wahr.

Das Kuriose an den Porträts von Luc Tuymans ist, dass viele von ihnen, mehr als drei Viertel der Porträtierten, eine Brille tragen. So sehr, dass 2017 in der National Portrait Gallery in London eine Ausstellung mit dem Titel Glasses stattfand, die sich ganz auf die von ihm abgebildeten Brillen konzentrierte. Dazu gehören Pink Glasses von 2001, ein einfaches Brillenporträt, das uns in die Dimension eines verschwommenen, gewöhnlichen Alltags versetzt, oder Portrait von 2000 und Der Diagnostische Blick II von 1992. Das letztgenannte Porträt ist Teil einer Serie, die sich mit dem Thema der Krankheit und des kranken Körpers beschäftigt. Konkret handelt es sich um eine Serie von zehn Gemälden, die verschiedene Personen, meist Männer mittleren Alters, darstellen und von ebenso vielen medizinischen Fotografien von Personen mit Symptomen verschiedener Krankheiten abgeleitet sind. Tuymans fühlte sich von diesem Material angezogen, weil die Fotografien die Distanz des medizinischen Beobachters zum Ausdruck brachten. Er veränderte auch den Blick der Porträtierten, indem er ihn dem Betrachter gegenüber misstrauischer werden ließ: Es handelt sich also um Porträts, die nichts aussagen, weder Leid noch Schmerz, und vor allem verzichtet der Künstler, wie auch im Porträt von Condoleezza Rice zu sehen ist, auf jeden Versuch einer psychologischen Introspektion, da die Psyche des Porträtierten für Tuymans undurchdringlich ist. Das Porträt des Jahres 2000 hingegen ist einer Beerdigungsfotografie entnommen, einem Bild des Gedenkens: Das blasse und verblasste Gesicht mit seinen fast unbestimmten Konturen und der melancholische Ausdruck verweisen auf die Themen Tod und Krankheit, aber es handelt sich dennoch um ein losgelöstes Porträt, in dem der Protagonist lediglich als eine Figur in einem schwarzen Kleid und mit einer dicken schwarzen Brille erscheint.

Die jüngste Recherche des Künstlers weicht nicht von den Elementen ab, die seine Kunst seit jeher kennzeichnen. Die Doha-Serie von 2016 zum Beispiel, die für die Montreal Biennale in jenem Jahr, genau dreißig Jahre später, entstanden ist, scheint fast dasselbe Klischee zu reproduzieren wie die von Gaskammer: kahle Innenräume, leere Wände eines Museums (der Al Riwaq Galerie in Doha, Katar, die 2015 eine Einzelausstellung des Künstlers beherbergt hatte), die ein Gefühl der Melancholie hervorrufen. Ähnlich wie bei einem anderen seiner jüngsten Werke, 4 PM aus dem Jahr 2011, das im MuHKA in Antwerpen aufbewahrt wird und ebenfalls das Ergebnis einer direkten Erfahrung des Künstlers ist, als er 2009 für eine Einzelausstellung in Malmö, Schweden, weilte. Das dunkle Innere eines Raumes um vier Uhr nachmittags, in dem nur die Lichter der Stadt durchscheinen, scheint mit seinen scharfen Farbkontrasten fast eine Barriere zwischen den Menschen im Inneren des Raumes und der Außenwelt zu bilden: ein Gefühl der Entfremdung wird vermittelt.

-- lumumba. reis. rosa brille. diagnostik. porträt. doha. 16 Uhr --

Luc Tuymans, Lumumba/em> (2000; Öl auf Leinwand, 62,2 x 45,7 cm; New York, MoMA - Museum of Modern Art)

Luc Tuymans, Der Staatssekretär (2005; Öl auf Leinwand, 45,7 x 61,9 cm; New York, MoMA - Museum of Modern Art)

Luc Tuymans, Pink Glasses (2001; Öl auf Leinwand, 95 x 59 cm; San Francisco, SFMOMA)

Luc Tuymans, Der Diagnostische Blick II (1992; Öl auf Leinwand, 58,2 x 39,7 cm)

Luc Tuymans, Porträt (2000; Öl auf Leinwand, 57 x 30 cm)

Luc Tuymans, die Doha-Serie auf der Montreal Biennale 2016. Ph. Credit Daniel Roussel

Luc Tuymans, 4PM (2011; Öl auf Leinwand, 70 x 56 cm; Antwerpen, MuHKA)

Neben seiner Arbeit als Maler ist Luc Tuymans seit einiger Zeit auch erfolgreich als Kurator tätig. So zeichnete er 2016 für eine große monografische Ausstellung über James Ensor verantwortlich, einen der wichtigsten Maler der belgischen Geschichte, der zu diesem Anlass mit Tuymans’ Augen gelesen wurde. Für 2018 wurde der Künstler jedoch mit der Rolle des Kurators für die Ausstellung Sanguine | Bloedrood betraut. Luc Tuymans on Baroque, die vom 1. Juni bis 16. September 2018 im MuHKA Antwerpen zu sehen ist. Es handelt sich um eine Ausstellung, die dem Publikum eine Auswahl von Werken von Künstlern des 17. Jahrhunderts (von Caravaggio bis Rubens, von Velázquez bis van Dyck) bietet, die in einen Dialog mit zeitgenössischen flämischen und nicht-flämischen Künstlern(wie Edward und Nancy Kienholz, Michaël Borremans, Jan Fabre, Lucio Fontana) gestellt werden, immer in Übereinstimmung mit Luc Tuymans’ Vision von Kunstgeschichte und zeitgenössischer Kunst. Und das kann auch gar nicht anders sein, denn Tuymans ist Künstler und kein Kurator. Der privilegierte Blickwinkel ist folglich der der Künstler selbst, denn das erklärte Ziel der Ausstellung ist es, “alte und moderne Künstler in einem einzigen geistigen Raum zusammenzubringen: der inneren Welt der Aufmerksamkeit eines Künstlers”.

Das Kuratieren ist schließlich auch eine Erweiterung der künstlerischen Tätigkeit von Luc Tuymans, auch wenn der Maler betont, dass er keine der Ausstellungen, die er kuratiert hat, aus eigenem Antrieb heraus gemacht hat, sondern einfach, weil ihn jemand darum gebeten hat. Aber er betonte in einem Interview auch, dass das Kuratieren “interessant ist, weil es mir die Möglichkeit gibt, mit Kunst zu arbeiten, die ich nicht geschaffen habe”, und dass ein Künstler, der Kurator ist, das Projekt in eine Richtung lenken kann, die ein Kurator, der selbst nie Kunst produziert hat, nicht einschlagen könnte. Für Tuymans konzentrieren sich viele Kuratoren zu sehr auf den historischen Aspekt und zu wenig auf das Visuelle. Eine interessante Beobachtung von einem Maler, der als einer der einflussreichsten der Welt gilt. Zum Teil, weil er einer der Künstler war, die das Interesse an der Malerei zu einer Zeit wecken konnten, als dieses Medium an Faszination und Bedeutung verloren hatte. Und auch, weil, wie der Kritiker Ben Eastham betont hat, “die Komplexität seiner Gemälde und ihre Kombination aus Mehrdeutigkeit und Distanzierung im Widerspruch zur vorherrschenden Verlagerung auf das Ikonische, das Grafische und das Sensationelle in der heutigen Bildproduktion steht”: Im Gegensatz zu einem Großteil der zeitgenössischen Kunst ist die Malerei von Luc Tuymans nachdenklich, still, melancholisch, dumpf und meditativ, und dennoch gelingt es ihr, beim Betrachter seiner Bilder heftige Erschütterungen hervorzurufen.

Luc Tuymans wurde 1958 in Mortsel, in der Nähe von Antwerpen, Belgien, geboren. Er studierte an der Hogeschool Sint-Lukas in Brüssel (eine der wichtigsten Kunsthochschulen des Landes), an der Ecole Nationale Supérieure des Arts Visuels de la Cambre in Brüssel und an der Königlichen Akademie der Schönen Künste in Antwerpen. Seit den 1970er Jahren aktiv, gab er die Malerei für eine kurze Zeit (zwischen 1980 und 1982) auf, um sich dem Filmemachen zu widmen. Danach nahm er das Studium der Kunstgeschichte und der Malerei wieder auf und wurde zu einem der weltweit am meisten geschätzten zeitgenössischen Künstler, der zur Wiederbelebung der Malerei beigetragen hat. Im Jahr 2000 wurde er als Künstler für den belgischen Pavillon auf der Biennale von Venedig ausgewählt. Davor, 1992, wurde er zum ersten Mal zur Documenta eingeladen. Seine Einzelausstellungen fanden in der Tate Modern in London, im Haus der Kunst in München und im San Francisco Museum of Modern Art statt; in Italien nahm er an Gruppenausstellungen im Palazzo Grassi, im Castello di Rivoli und in der Villa Manin in Codroipo teil. Seine Werke sind in den weltweit führenden Museen für zeitgenössische Kunst zu sehen, vom MoMA in New York bis zum Museum für Moderne Kunst in Frankfurt, vom Centre Pompidou in Paris bis zur National Gallery in London.

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