Le déjeuner sur l'herbe", das skandalöse Werk von Édouard Manet

Der Mensch ist im Laufe seines Lebens ständig auf der Suche nach etwas, in der Hoffnung, dass dieses Etwas auch nur einen unbedeutenden Kratzer in der Welt hinterlässt. Wir wollen, dass man sich an uns erinnert: Es gibt diejenigen, die den Ruhm suchen, diejenigen, die das volle und grenzenlose Glück suchen, und diejenigen, die ein so blendendes Licht und eine solche Dunkelheit suchen, dass sie Halbtöne hinterlassen. Und es waren genau diese flüchtigen Schimmer der Dunkelheit, die Édouard Manet (Paris, 1832 - 1883) verfolgte, als er sich auf der Suche nach seinem Weg gefangen sah. Der heute bekannte “Vater der Moderne” war zunächst ein einfacher Maler aus bürgerlichen Verhältnissen, der seinen Weg mit endlosen Schwierigkeiten und Komplikationen begann: Ab 1861 stellt er auf dem offiziellen Salon der Académie des Beaux-Arts in Paris aus, doch die Werke, für die er akzeptiert wird, sind hauptsächlich solche, die an Velázquez und seinen damals sehr populären spanischen Stil erinnern. Manet strebt zwar nach der Größe des offiziellen Salons, beschließt aber, sich ein kleines Fenster offen zu halten, das es ihm erlaubt, sich freier auszudrücken: das des privaten Raums.

Der Kunsthändler Martinet stellt bis 1863 Manets Gemälde aus, darunter das Spanische Ballett von 1862, aber vor allem seine Gemälde, die sich explizit dem modernen Leben widmen und bis in die 1970er Jahre nie im Salon gezeigt wurden. In seiner Biografie Souvenirs schrieb Manets Lebensgefährte Antonin Proust: “Sein kurzer Aufenthalt in sonnigen Ländern entfachte eine Auffassung, in der ihm alles mit einer Einfachheit erschien, die Thomas Couture nicht verstand... Er schaffte die Halbtöne ganz ab. Er war ständig auf der Suche nach dem unmittelbaren Übergang vom Schatten zum Licht”. Der respektlose Künstler arbeitete sechs Jahre lang im Atelier von Thomas Couture (Senlis, 1815 - Villiers-le-Bel, 1879), obwohl er die rein akademische Disziplin als unzureichend und kränkend empfand, wohl wissend, dass seine Werke von der damaligen Intelligenz hoch geschätzt wurden und vor allem in die begehrten Salons kamen.

Édouard

Édouard

Obwohl er so etwas wie das “Enfant terrible” seiner Zeit war, ein Maler, der die Tradition abzulehnen schien, indem er hastig und sogar unvollendet und nachlässig malte, wollte Manet akzeptiert werden und konkurrierte weiterhin um die offizielle Anerkennung, indem er seine Werke ständig einer Jury vorlegte, die sie fast nie für ästhetisch akzeptabel befand. Und 1863 präsentiert er unter dem Titel Le bain (“Das Bad”) eine große Leinwand, die heute als Le déjeuner sur l’herbe (“Frühstück im Gras”) bekannt ist. Es handelt sich um ein Gemälde von einer Größe, die normalerweise Werken des historischen Genres vorbehalten ist, und war als zentraler Teil eines Triptychons konzipiert, eines Flaggschiffs(tableau-drapeau, der Salonbegriff für ein Gemälde, das die Mitte einer Wand einnimmt), das an den Seiten zwei spanische Sujets zeigt: das Porträt eines jungen Mannes in der Tracht von Majo und das Porträt einer jungen Dame in spanischer Tracht, beide aus dem Jahr 1862.

Das Werk wurde abgelehnt. Da leider kein Protokoll geführt wurde, haben wir kein grundlegendes Instrument, um zu verstehen, warum dieses Werk abgelehnt wurde, aber im selben Jahr veranlasste die Vielzahl der abgelehnten Werke Napoleon III. zum ersten Mal, den Salon des Refusés zu eröffnen, in dem die im Salon abgelehnten Werke ausgestellt wurden. So wird das Werk Manets in den neuen Sälen des Industriepalastes in der Retrospektive der Schrecken (oder zumindest derjenigen, die als solche betrachtet wurden), der Abgelehnten und der ewigen Abgelehnten ausgestellt. Diese zweite Ausstellung, der Salon der Abgelehnten, zog eine Flut von Besuchern an, die von der modernen Malerei fasziniert waren, aber kaum auf das vorbereitet waren, was sie entdecken würden. Und sie hätten Gemälde wie Whistlers Symphonie in Weiß , Fantin-Latours La féerie und vor allem Manets Frühstück im Gras entdeckt.

Der Künstler zeigt hier eine unbekleidete Frau, die dem Betrachter lässig entgegenblickt und ihr Gesicht mit einer Hand umrahmt. Das Modell ist Victorine Meurent, eine Arbeiterin in Montmartre. Neben und vor ihr stehen zwei Studentinnen, eine Medizinstudentin und eine Jurastudentin, die sich in ihren Kleidern unterhalten, während in der Ferne eine andere Frau in einem Slip ihre Beine in einem Bach badet. Eine scheinbar einfache Szene, die lediglich ein Frühstück oder vielmehr ein Mittagessen im Freien darstellt und die Laster der Bourgeoisie jener Zeit entlarvt. Doch erst 1904 wurde entdeckt, dass die Hauptgruppe nicht nur eine Kontinuität zu Tizians Landkonzert herstellt, sondern sich auch auf die akademische Übung des Kopierens durch Kupferstich bezieht: insbesondere auf Marcantonio Raimondis Druck von Raffaels Urteil von Paris (1513-1515), einem Fresko, das verloren gegangen ist. Manet nimmt die drei Hauptfiguren und erfindet sie neu. Anstelle von Flussgöttern und Nymphen stellt er moderne Pariser des 19. Jahrhunderts dar, die ein Picknick genießen. Jahrhunderts, die ein Picknick veranstalten. Es ist nicht bekannt, warum die zeitgenössischen Kritiker es nicht erwähnten, da Raimondis Werk sehr bekannt war und an der École nationale supérieure des beaux-arts zwölf Jahre in Folge als Prüfungsarbeit für Kupferstichkopien aufgenommen wurde.

Obwohl ein solcher kunsthistorischer Stammbaum sehr oft für die Kultur eines Künstlers bürgen kann, scheint er in diesem speziellen Werk die Distanz zwischen Manet und den Quellen des 16. Jahrhunderts noch mehr zu betonen. Jahrhunderts zu betonen. Die Vorstellung, zwei bekleidete Männer im Gespräch mit einer Frau zu sehen, die nicht nackt ist, sondern einfach nur unbekleidet, äußerst schelmisch und in überwältigender Weise den Blick des Betrachters suchend, war für die Zeitgenossen des Künstlers ein ziemlicher Schock. Die tiefe Beunruhigung wird noch verstärkt durch die expliziten sexuellen Anspielungen wie den fliegenden Vogel und vor allem durch dieUnerklärlichkeit der Szene: Es gibt in diesem Werk keine Erzählung, die den Kontrast zwischen der Frau und den Männern, das Desinteresse der einen und die fehlende Scham der anderen erklären könnte. Es ist das Gegenteil eines traditionellen Gemäldes, in dem die Modelle zu Aktfiguren werden, meist mythologische Figuren. Hier geht Manet von einem präzisen Referenzmodell aus (der Nymphe von Raffael) und entscheidet sich bewusst dafür, den Kanon der Aktdarstellung umzustoßen. Er nimmt eine nackte und schöne Nymphe und zieht sie nackt aus, macht sie zur Prostituierten und spielt auf ein ausschweifendes, verstecktes Leben an.

Die Figuren befinden sich in einem Wald, der von Historikern als Bois de Boulogne, bekannt für die Spaziergänge der Prostituierten, oder als Gennevilliers, einem zehn Kilometer nordwestlich von Paris gelegenen Flusshafen an der Seine, wo die Familie Manet Land besaß, identifiziert wurde.

Dennoch wurde die unheimliche Beleuchtung des Werks oft mit einer Szene verglichen, die durch Kamerablitze beleuchtet wird, die die Kontraste betonen und die Figuren im Vordergrund verflachen. Und Le déjeuner sur l’herbe wurde von den Zeitgenossen als schäbiges, unanständiges und skandalöses Werk gebrandmarkt, und die Gründe dafür sind vielfältig. Bemerkenswert sind beispielsweise das tizianeske Stillleben im Vordergrund, das unwahrscheinlich ist, weil Pfirsiche und Kirschen zu unterschiedlichen Jahreszeiten reifen, und vor allem die scharfen, leuchtenden Figuren, die sich perfekt vor dem trockenen Hintergrund abheben, der an eine fotografische Studiokulisse erinnert. Es war also nicht nur der Inhalt, der für endlose Kontroversen sorgte, sondern auch und vor allem die Technik des Künstlers und die bewusst grobe Art des Farbauftrags, der sich durch heftige Kontraste zwischen Licht und Schatten auszeichnete, die das Helldunkel aufhoben. Als Schüler von Thomas Couture war Manet mit den akademischen Methoden des Bildaufbaus und der Verwendung von Hell-Dunkel-Kontrasten vertraut, doch entschied er sich gegen die Anwendung dieser Regeln, indem er die Formen abflachte und die Oberfläche der Leinwand betonte. So schuf er Frauen, die wie Leichen aussahen, die in eine Decke aus Gips getaucht waren, Räume mit einer flachen und alles andere als traditionellen Perspektive, er begann, Tonabstufungen zu beseitigen und abrupte Gegenüberstellungen von Hell und Dunkel zu schaffen.

Édouard Manet war ein Mann, der zwischen zwei Welten hin- und hergerissen war: der Bourgeoisie, der er von Geburt an angehörte, und dem ärmeren, wahren und desillusionierten Paris. Er erfand eine neue Sprache, für die er nie wirklich akzeptiert wurde, außer von den Ausgestoßenen und den seltsamen Impressionisten, deren Ausstellungen er nie besuchte. Manet wollte groß sein, er wollte akzeptiert werden und in Erinnerung bleiben, aber wir sollten immer sehr vorsichtig sein, was wir uns wünschen, denn, wie Oscar Wilde 1895 schrieb, “wenn die Götter uns bestrafen wollen, erhören sie unsere Gebete”.

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