Kunst zu machen ist eine Veranlagung, die jeden Aspekt des Lebens einbezieht". Gespräch mit Cesare Biratoni

Cesare Biratoni, 1969 in Barcelona (Spanien) geboren, lebt und arbeitet in Busto Arsizio. In seinem Werk gibt es weder eine Unterscheidung zwischen Collage und Malerei, noch zwischen Zeichnung und manipulierter und neu zusammengesetzter Fotografie. Biratoni zeichnet sich durch seine spannungsgeladenen Bildwerke aus, in denen er verschiedene Materialien einsetzt und die auf die tägliche Sedimentierung und Wiederholung des Blicks auf der Oberfläche des Werks abzielen. Biratoni zufolge scheint das Konzept des “Werks” mit der Möglichkeit verbunden zu sein, dass das Gemälde von anderen beobachtet wird, von Blicken, die das Gefühl der Zerstörung, das zu Beginn des kreativen Prozesses herrscht, nicht verstehen. Um diese Unterbrechung zu kompensieren, verwendet der Künstler historische Sujets wie den Maler und das Modell, die Badenden oder den Maler allein und versucht, sie auf Oberflächen zu platzieren, die so gelöst, flach und ausgeschnitten wie möglich sind, obwohl sie das unfertige Ergebnis einer Reihe von Kollisionen sind, die unter der Oberfläche des Werks nachhallen. In diesem Gespräch mit Gabriele Landi spricht Biratoni über seine Kunst.

GL. Cesare, wenn ich Interviews mit Künstlern führe und selbst Künstler bin, ist mir klar geworden, dass man, wenn man über ein Werk in die Tiefe gehen will, eine Vorbemerkung machen muss, indem man den Befragten bittet, zum Beispiel zu erzählen, ob er in seiner Kindheit unbewusst die ersten ’Symptome’ seiner Veranlagung zur Kunst erlebt hat...

CB. Gabriele, es gefällt mir, dass du sie “Symptome” nennst, denn du scheinst ihnen eine klinische Bedeutung zu geben. In der Tat war es ein bisschen so; als Kind wurde ich von Bildern angezogen. Ich habe meine Augen auf die Illustrationen in Büchern geheftet und versucht zu erkennen, ob etwas dahinter steckt; ich sah eine Tiefe, eine materielle Schwingung. Es waren Bilder, Formen und Farben, die mich zu etwas anderem als ihnen zurückführten. Wenn ich also entscheiden müsste, was die ersten Symptome dieser Veranlagung oder Besessenheit waren, dann würde ich antworten, dass es eine Veranlagung zur Fixierung des Blicks war, zum Versuch des Sehens, den Bildern, die mich am meisten faszinierten, Leben und Körper zurückzugeben.

Die Kunst hat also eine “magische” Kraft für Sie?

Ich weiß nicht, ich benutze dieses Wort sehr wenig. Wenn Sie mit “magisch” etwas meinen, das sich in etwas anderes verwandelt, dann könnte man wohl sagen, ja, zum Teil. Aber wenn ich an die Fixierungen zurückdenke, von denen ich Ihnen erzählt habe, dann ist das vielleicht eher eine Frage des Verlangens.

Welche Art von Begehren meinen Sie- erotisches?

Das Verlangen, Bilder zu besitzen, zu verstehen und sich mit ihnen zu beschäftigen. Das Bedürfnis, sie anzuschauen, auf ihnen zu zeichnen, sie zu kopieren, zu verstehen, wie sie gemacht werden.

Welche Studien haben Sie absolviert und welche wichtigen Begegnungen hatten Sie in Ihren prägenden Jahren?

Ich habe in Brera bei Beppe Devalle studiert, was sicherlich eine wichtige Begegnung war. In seiner Klasse haben wir viel gezeichnet, mit einem eher mentalen Ansatz im Vergleich zu anderen Schulen der Malerei, einer konzeptionellen Reflexion über das Medium. Damals konnte man an der Akademie eine Vorlesung von Fabro hören oder den Ästhetikkurs bei Leonetti besuchen, sich für Pädagogik einschreiben und dann feststellen, dass der Kurs von Sanesi geleitet wurde, der stattdessen William Blake auf Englisch las. Im Laufe der Jahre gab es dann viele wichtige Begegnungen und damit auch Anregungen: Künstlerfreunde, Schulkollegen und sogar Ausstellungen, darunter die Anthologie-Ausstellung über Seurat im Grand Palais in Paris im Jahr 1991.

Was hat Sie an Seurats Werk beeindruckt?

Vor allem die kleinen, mit Conté-Bleistift angefertigten Vorzeichnungen. Mir gefiel die Tatsache, dass vor der Komposition der Farben, die mit großer Leichtigkeit und Geduld nebeneinander gestellt wurden, das Studium des Lichts, des Volumens... aber vor allem der leuchtende Staub, der die Formen einhüllt und eine Art Nebel zwischen dem Betrachter und dem Motiv erzeugt. Ich war dann fasziniert davon, wie die Bilder trotz der Verwendung von Farbe aus einer gewissen Entfernung wie von einem perlmuttartigen Grau umhüllt erschienen. Irgendwie eine Rückkehr zu den kleinen Zeichnungen, aber mit all den Farben darin.

Cesare Biratoni, Stilleben

Cesare Biratoni,

Cesare Biratoni,

Cesare Biratoni

Cesare Biratoni, Niemand ist dümmer als ein Maler, 2013, Varese, Installationsansicht

Cesare Biratoni,

Cesare Biratoni,

Sind Ihre Arbeiten über Badende aus dieser Begegnung mit Seurats Werk entstanden?

Ich denke ja. Es ist ein wiederkehrendes Thema in meiner Arbeit.

In Ihrem Werk verwenden Sie häufig Fotografien, die Sie mit Malerei kombinieren. Sind die Fotografien von Ihnen selbst gemacht oder haben Sie sie aus anderen Quellen übernommen?

Meine Quellen sind heterogen; ich begann mit dem Ausschneiden von Bildern, die ich selbst druckte und die als Thema oder Teil eines Themas für die Malerei dienten. Dann habe ich angefangen zu fotografieren und in einigen Fällen auch selbst zu fotografieren. Die Faszination für die Fotografie lässt sich, glaube ich, an meiner Arbeitsweise ablesen. Ich sehe sie als ikonografisches Material, mit all den - meist ungewollten - Implikationen, die sie mit sich bringt... aber auch, in einigen Fällen, als Palette, Form und Zeichen. Es gibt einen Punkt, oder zumindest glaube ich, dass es einen gibt, an dem die Fotografie aufhört, “nur” Fotografie zu sein, so wie die Materie zu einem bestimmten Zeitpunkt aufhört, “nur” Materie zu sein und zu einer Form, Malerei oder etwas anderem wird.

Das Material, das Sie sammeln und in Ihrer Arbeit verwenden, sammelt sich an und schichtet sich, bis es seine Erkennbarkeit verliert und als ob Sie es einem langsamen Transformationsprozess unterziehen. Wenn du arbeitest, sind es dann die verschiedenen Teile, die du zusammensetzt und bemalst, die dir ihren Ort suggerieren, oder gehorchen sie einer bestimmten Gestaltungsabsicht?

Beides. Es gibt vage Modelle, die ich im Kopf habe, die ich mir vorher vorstelle... dann, in der intensivsten Phase der Arbeit, und ich denke, jeder, der sich mit dieser Art von Tätigkeit beschäftigt, weiß das, überlagern sich Vorschläge, Anregungen, Bilder; es ist Es ist, als ob trotz der Tatsache, dass man versucht hat zu planen, in diesem speziellen Moment, in dem die Dinge Gestalt annehmen, das, was ein fester Wille zu sein schien, verloren geht, und dass, wie Sie sagen, es Dinge sind, die Lösungen, Wege und Ergebnisse vorschlagen, die sehr unterschiedlich, wenn nicht sogar entgegengesetzt zu den ursprünglichen Prämissen sein können.

Lassen Sie bei Ihrer Arbeit Raum für den Zufall?

Ich bin mir ziemlich sicher, dass die Vorbereitung und die Bedingungen, die um die Arbeit herum geschaffen werden, auch dazu dienen, ein gewisses Maß an Zufall zu begünstigen. In meinem Fall ist das Zusammentreffen verschiedener Dinge - bemalte Papiere, Fotografien, Drucke oder was auch immer - meistens zufällig.

Brancusi sagte, das Schwierigste sei nicht, die Dinge zu tun, sondern sich in den Zustand zu versetzen, sie tun zu können: Wie geschieht das bei Ihnen?

Die Bereitschaft, etwas zu tun, vom Tun selbst zu trennen, ist für mich fast unmöglich. Wenn ich an Dinge denke, die zu tun sind, sie mir vorstelle, über sie nachdenke und mich darauf vorbereite, sie zu produzieren, ist es, als ob ich bereits arbeite. Es kommt vor, dass ich mich dem Werk sehr nahe fühle und mir außergewöhnliche Entwicklungen vorstelle, wenn ich das Atelier verlasse und nach Hause gehe; das ist für mich ein Moment absoluter Freiheit, befreit von dem Bedürfnis nach bedingter Erfüllung.

Cesare Biratoni,

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Cesare Biratoni,

Passiert es Ihnen, dass Sie ein Werk auch nach einiger Zeit noch verändern?

Ja, vor allem bei der Malerei, denn es gibt Dinge, die auch nach Jahren noch ungelöst im Atelier stehen.

Interessiert Sie die Idee eines prekären, provisorischen Werks, das offen ist für Möglichkeiten und Veränderungen?

Ich denke, es gibt einen Punkt, an dem das Werk definiert ist. Aber bevor wir verstehen, wie und wann... ja, das Ganze ist offen und veränderbar. Aber es ist auch wahr, dass man den Prozess irgendwann abschließen muss. Ich sehe die Unbeständigkeit nicht als Wert... die Faszination für das Ungelöste. Ich kann die Substanz bestimmter Materialien, die ich verwende, z. B. Papier, nicht mit einer Idee von Unsicherheit in Verbindung bringen. Wenn überhaupt, dann sollte das Problem, das sicherlich nicht gering ist, das der Konservierung und der Dauerhaftigkeit des Werks sein.

Ist es wegen dieses Instinkts der Konservierung, dass Sie manchmal auf Leinwand malen und mit Farbe simulieren, was Sie mit Papier machen?

Ich habe nicht den Eindruck, dass ich das tue; für mich sind es zwei völlig unterschiedliche Prozesse. Es mag Ähnlichkeiten geben, aber nur vom kompositorischen Standpunkt aus gesehen. Das Problem der Konservierung stellt sich vor allem bei Papier; wir wissen, wie wenig es hält und wie es sich im Laufe der Zeit verschlechtert, aber das stört mich nicht so sehr. Ich habe einige Collagen aus den 1970er und 1980er Jahren gesehen, bei denen zum Beispiel das Klebeband völlig vergilbt war, und das gab dem Werk eine Aura, eine Art Patina der Zeit, die mir gefiel.

Welche Bedeutung messen Sie der Zeichnung in Ihrem Werk bei?

Ich habe immer gedacht, dass Zeichnen und Ausschneiden zwei sehr ähnliche Prozesse sind. Ich denke auch, dass die Malerei etwas mit der Zeichnung zu tun hat. Ich finde es schwierig, nicht jedes Mal an die Zeichnung zu denken, wenn ich versuche, etwas zu machen; Degas sagte, dass die Zeichnung nicht die Form ist, sondern die Art und Weise, wie man die Form sieht.

Auch Matisse hatte einen ähnlichen Ansatz, er setzte Zeichnen mit Schneiden gleich, was in seinem Fall der Skulptur nahe kam. Interessieren Sie sich auch für die dritte Dimension, für einen räumlichen Ansatz?

Ich interessiere mich, vor allem in letzter Zeit, sehr für die Dicke der Dinge. Ich finde, dass es eine Korrespondenz zwischen Komposition, Gewicht und Dicke gibt. Allerdings habe ich den Schichten meiner Collagen immer eine gewisse Beweglichkeit gelassen, so dass sie einen leichten Schatten auf die Fläche werfen.... ein bisschen wie die Stillleben von Fotos, die ich schon seit einiger Zeit zu malen versuche. Vielleicht bin ich also doch an der dritten Dimension interessiert. Die Dicke der Schichten hat meiner Meinung nach auch mit der Zeit zu tun; ich mag es, dass man sie “sehen” kann.

Ich möchte diese Gelegenheit nutzen, um Sie zu bitten, die Frage der Zeit zu vertiefen, die mir eine der Grundlagen Ihrer Arbeit zu sein scheint.

Das hängt davon ab, was Sie unter Zeit verstehen. Es gab eine Frage, die sich auf die Erinnerung bezog... aber ich habe diesem Thema seit Jahren keine große Bedeutung mehr beigemessen, ich betrachte es nicht im Sinne des Archivs, des Sammelns. Ich sammle gerne Zeitungsausschnitte, Fotos, Papiere, ja, aber ohne wirkliche archivarische Strenge oder gar philologische Strenge, denn ich mische Familienfotos mit gefundenen Bildern und farbigen Papieren oder Blättern, recycelten und mehr. Wenn ich Bilder male, ist meine Absicht immer und ausschließlich malerisch. Ich glaube, das erkennt man daran, dass ich sehr oft dazu neige, zu radieren, andere Farbschichten auf dem Bild zu übermalen: Mir scheint, dass etwas verloren geht, wenn das Foto oder das Thema zu gut umgesetzt, beschrieben ist. Mehr als die zeitliche Dimension (im Sinne von Erinnerung), zum Beispiel bei Stillleben, fasziniert mich das Foto selbst. Um eine schöne Definition von Fontcuberta zu zitieren: “... die Fotografie ist, bevor sie ein Dokument der Wirklichkeit ist, ein Dokument ihrer eigenen Zweideutigkeit”.

Cesare Biratoni, Stilleben

Cesare Biratoni,

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Fotografieren Sie zufällig mit der Absicht, sie für künstlerische Zwecke zu verwenden, oder sind es einfach Fotos, die zufällig ihren Platz in Ihrem Werk finden?

Der zweite Aspekt, den Sie ansprechen, überwiegt, denn ich mag und genieße die Suche nach Quellen. Ich habe auch (schlechte) Fotos gemacht, die mir gute Dienste geleistet haben, vor allem um Collagen oder Gemälde zu komponieren, in denen ich selbst das Thema bin, nicht so sehr als Porträt, sondern als Charakterbild.

In einem früheren Gespräch haben Sie mir von Ihrer Staatenlosigkeit erzählt, die meiner Meinung nach irgendwie mit der Idee einer zweideutigen Natur zusammenhängt. Sind Kunst und Leben in Ihrem Werk eng miteinander verbunden?

Ich denke, das ist es für jeden, der sich mit Kunst beschäftigt; es ist schwierig, ein “Techniker” der Kunst zu sein. Der Begriff der Professionalität liegt mir zum Beispiel sehr fern, ich versuche und versuche es immer wieder, ich mische Dinge und sehe, was passiert. Deshalb glaube ich, dass Kunst zu machen eine Veranlagung ist, die alle Aspekte des Lebens derjenigen einbezieht, die sie ausüben.

Sind Sie an der Dimension der Poesie interessiert?

Ich bin sehr daran interessiert. Für mich sind Kunst und Poesie eng miteinander verwandt; in beiden Fällen geht es nicht darum (zumindest nicht in erster Linie), was beschrieben oder erzählt wird, sondern um die Form, mit der man etwas von etwas anderem abgrenzt. Ich sehe keinen großen Unterschied zwischen einem Kurs für angehende Dichter und einem Kurs für Malerei (oder bildende Kunst) an einer Kunsthochschule.

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