Judith von Artemisia Gentileschi: eine Neuinterpretation des Themas im kunsthistorischen Kontext des frühen 17.

In der kollektiven Vorstellung lässt sich die blutige Darstellung bestimmter Szenen in den Werken von Artemisia Gentileschi (Rom, 1593 - Neapel, 1653) auf eine Episode im Leben der Künstlerin zurückführen: den Überfall und die Vergewaltigung durch Agostino Tassi (Rom, 1578 - 1644). Dieser war ein Maler, ein Kollege von Artemisias Vater Orazio Gentileschi (Pisa, 1563 - London, 1639), der regelmäßig im Haus der Künstler zu Gast war und an einem Tag im Mai 1611 in Artemisias Zimmer eindrang, die Abwesenheit von Orazio ausnutzte und sie vergewaltigte, während sie an ihrer Staffelei malte. Es folgten mehrere Prozesse. Artemisia, die damals erst siebzehn Jahre alt war, hatte ihre Aussage gemacht: Der Überfall und der damit verbundene Verlust ihrer Jungfräulichkeit sowie der Angriff auf die Ehre ihrer Familie hatten sie sicherlich tief gezeichnet. Im Frühjahr 1612 schrieb Orazio ein Gesuch an den päpstlichen Hof, in dem er Tassi beschuldigte, seine Tochter vergewaltigt zu haben. Dieser hatte Artemisia versprochen, sie zu seiner Frau zu machen, aber er war bereits verheiratet, so dass die Heirat nicht möglich war. Der Vorfall führte dazu, dass Agostino zu einer Verbannung verurteilt wurde, die er jedoch nie wirklich verbüßte: Der Richter hatte ihn vor die Wahl gestellt, entweder fünf Jahre harte Arbeit zu leisten oder aus Rom verbannt zu werden; er entschied sich für die Verbannung, blieb aber bis April 1613 in Rom, wo es ihm gelang, die Aufhebung des Urteils zu erreichen.

Die schreckliche Vergewaltigung war die Ursache für vereinfachende Schemata , die sich auf die gesamte künstlerische Tätigkeit der Malerin auswirkten: Ihre Kunst galt als vollständig von ihrer Biografie durchdrungen, d.h. was Artemisia in gewaltvollen Szenen darstellte, wurde zu einer Art Autobiografie. Und wieder: In den 1970er Jahren wurde Artemisia zum Sinnbild feministischer Forderungen, denn obwohl sie nicht nur das unmittelbare Leid und die Tragik der Tat, sondern auch alle Konsequenzen in Form von Prozessen und Angriffen auf ihre Ehre ertragen musste, setzte sie sich künstlerisch durch, Sie wurde zu einer der berühmtesten Künstlerinnen aller Zeiten (zu Artemisias Lebzeiten waren die meisten etablierten Künstler Männer) und machte sich nicht nur als Frau, sondern auch als Tochter unabhängig, da ihr Erfolg allein auf ihren künstlerischen Fähigkeiten und ihrer thematischen und malerischen Wahl beruhte. Sie folgte ihren Ideen und distanzierte sich von ihrem Vater, der bereits ein berühmter Maler war, insbesondere durch ihren Umzug nach Florenz.

Jüngste Studien, die in der Ausstellung Artemisia Gentileschi und ihre Zeit im Palazzo Braschi in Rom gipfelten, haben das Augenmerk auf den Kontext und die Zeit der Malerin sowie auf das Vorherrschen von Themen, die von Künstlern ihrer Zeitgenossen dargestellt wurden, gelenkt und die Abweichung von der üblichen Interpretation der Kunst von Artemisia hervorgehoben. Das Prinzip, auf dem die oben erwähnte Ausstellung in Rom basierte, war der Versuch, die Vorurteile im Zusammenhang mit der von Tassi begangenen Vergewaltigung und den darauf folgenden autobiografischen und feministischen Theorien zu beseitigen, indem gezeigt wurde, dass Artemisia selbst in der Lage war, die mit der erlittenen Gewalt verbundenen Schicksalsschläge mit einer gewissen Schnelligkeit zu überwinden, und dass die Gewaltszenen, die Anlass zu solchen Theorien gegeben hatten, Themen und Sujets darstellten, die in den Werken von Künstlern ihrer Zeit sehr häufig vorkamen und die daher in den kunsthistorischen Kontext fielen, in dem Artemisia arbeitete.

Bereits Caravaggio (Mailand, 1571 - Porto Ercole, 1610) hatte um 1602 Judith dargestellt, wie sie Holofernes den Kopf abschlägt, ein Gemälde, das sich heute in der Galleria Nazionale d’Arte Antica im Palazzo Barberini in Rom befindet. Michelangelo Merisi erreicht hier einen außergewöhnlichen Realismus, der den Betrachter beeindruckt. In der Tat kann der Betrachter nicht umhin, die Rohheit der dargestellten Szene zu bemerken, deren Mittelpunkt der Schnitt Judiths an Holofernes’ Kehle ist, aus dem unweigerlich eine heftige Blutspur hervorquillt, die das weiße Laken befleckt, auf dem der Mann liegt. Und der Zuschauer hört auch den nun vergeblichen Schrei des Holofernes, der mit weit aufgerissenen Augen und zurückgeworfenem Kopf in den Tod stürzt. Das Schwert, das Judith kraftvoll in der rechten Hand hält, scheint nun grausam in der Kehle zu stecken, die das Mädchen verursacht hat, das mit der linken Hand Holofernes’ Haare ergreift und zu sich zieht. Der Blick des Mädchens scheint sich auf den blutigen Akt zu konzentrieren und scheint fast mit der Szene zu kollidieren: In der Tat scheint es widersinnig, dass ein so schönes Mädchen diese Bluttat vollbringen konnte. Das strömende Blut wird auch chromatisch in dem weichen Faltenwurf eingefangen, der in der Szene von oben direkt über dem Mann herabzufallen scheint. Die dargestellte groteske Szene steht in völliger Harmonie mit dem Profil der alten Frau, derMagd Abra, die neben dem Mädchen steht: ein groteskes, stirnrunzelndes Profil, das die Szene vorwegnimmt, die wie in einer Geschichte auf der linken Seite des Gemäldes weitergeht. Aufgrund der besonderen kompositorischen Wahl kann das Bild horizontal von rechts nach links gelesen werden, vom grotesken Blick der alten Frau bis zum letzten Schrei, den Holofernes ausstößt, bevor er stirbt; in der Mitte ist die Heldin Judith zu sehen, die die vorsätzliche Entscheidung trifft.

Caravaggio, Judith und Holofernes (1602; Öl auf Leinwand, 145 x 195 cm; Rom, Gallerie Nazionali d’Arte Antica di Roma, Palazzo Barberini; Foto von Mauro Coen)

Die Geschichte von Judith und Holofernes ist sehr bekannt und wird in der Bibel erzählt: Während der Herrschaft von Nebukadnezar beschließt Judith, eine schöne, reiche Jungfrau und Witwe, Bewohnerin von Bethulia, der Stadt, die lange Zeit vom assyrischen Feldherrn Holofernes belagert wurde, ihre Stadt zu retten, bevor sie sich völlig unterwirft. Eines Nachts zieht das Mädchen elegant gekleidet und in Begleitung eines alten Dienstmädchens durch das feindliche Gebiet und gibt vor, ihre Mitbürger zu verraten. Holofernes tappt in die Falle und heißt sie willkommen, auch in der Überzeugung, dass er sie besitzen kann. Er lädt sie zu einem Festmahl ein und betrinkt sich mit Wein: Judith schleicht sich dann mit der Magd in sein Zelt und schlägt ihm mit zwei Schwerthieben tapfer den Kopf ab. Anschließend wickelt sie ihn in ein Tuch und zeigt ihn ihrem Volk. Dieses, getröstet durch den Erfolg der Geste, besiegt die Assyrer, die über den Tod ihres Feldherrn schockiert sind.

Caravaggio hatte in seinem berühmten Gemälde eine bewegende Szene dargestellt, nämlich den Moment der Tötung. Orazio Gentileschi, der Vater von Artemisia, stellte Judith mit ihrer Magd in dem Moment nach der Tötung dar, als der abgetrennte Kopf von Holofernes bereits im Korb liegt und noch mit dem weißen Tuch bedeckt werden muss, das an ihm baumelt. Das Gemälde entstand fünf Jahre nach Caravaggios Gemälde, etwa zwischen 1607 und 1608, und befindet sich heute im Nasjonalmuseet für Kunst in Oslo. Die dargestellte Szene ist in den Augen des Betrachters gewaltlos, da der blutige Akt bereits vollzogen wurde. Vor einem Hintergrund aus dunkelgrünem Faltenwurf stehen im Vordergrund die schöne Judith, die ein elegantes karminrotes, mit feinen Verzierungen versehenes Kleid trägt und in ihrer rechten Hand das Schwert hält, mit dem sie dem assyrischen Feldherrn den Kopf abschlägt, und ihre vertraute Magd Abra, die im Gegensatz zu der von Caravaggio dargestellten jung ist. Letztere hat ihr den Rücken zugewandt, trägt ein ockerfarbenes Kleid mit blauen Ärmeln, und ihr Kopf ist in einen langen weißen, rauen und ausgefransten Turban gehüllt, der ihr über den Rücken fällt; an ihrer linken Seite hält sie den Korb mit dem Kopf des Holofernes in beiden Händen. Beide jungen Frauen blicken vermutlich zum Ausgang des Zeltes, in dem die Geste stattfand, und werden von einem sanften Licht angestrahlt, das sie von ihrer Umgebung abhebt.

Orazio Gentileschi, Judith mit ihrer Magd (um 1607-1608; Öl auf Leinwand, 136 x 160 cm; Oslo, Nasjonalmuseet)

Später, um 1613, stellt Artemisia dieselbe Szene dar, die ihr Vater auf dem Osloer Gemälde gezeigt hat, jedoch mit größerer Spannung: Die beiden Mägde erscheinen viel näher beieinander und die Rahmung steht mehr im Vordergrund als zuvor; die Umgebung ist undefiniert, nur Judith und ihre Magd Abra nehmen die gesamte Szene ein. Die Bluttat ist nun vollbracht, aber die Spannung des Augenblicks ist noch immer eingefangen: Judith legt ihr Schwert als Zeichen des Sieges fest auf die Schulter, während sie mit der linken Hand die Schulter ihrer ebenfalls von hinten dargestellten Magd umklammert. Auch auf diesem Gemälde, das sich heute im Pitti-Palast in Florenz befindet, ist der Blick der beiden von dem Korb mit dem Kopf des Holofernes abgewandt. Man kann Judiths Entschlossenheit und Autorität in ihrem Gesicht, das noch von der Aufregung des Augenblicks und der Gefahr, von ihren Feinden gesehen zu werden, errötet ist, gut erkennen. Dies macht das Gemälde einnehmender als das von Horaz.

Ein bemerkenswertes Detail ist das weiße Tuch, das aus dem Korb kommt und reichlich mit Blut befleckt ist: rote Tropfen haben sogar den Weidenkorb selbst verschmutzt. Auch hier wird der Unterschied zwischen Judith und ihrer Magd Abra durch die Qualität der Kleidung hervorgehoben: die von Judith ist reicher, kunstvoller und eleganter, die von Abra ist dunkler und schlichter. Letztere trägt einen über den Kopf drapierten Turban, der weniger breit auf den Rücken fällt als bei Horaz, während Judiths Reichtum durch die kostbare Haarnadel, die eine Art Zopf in ihrem Haar bindet, und den mit dem Gesicht einer schreienden Maske verzierten Schwertgriff noch betont wird. Die beiden werden von einem Lichtstrahl angestrahlt, der sie von der gesamten Szene abhebt.

Artemisia Gentileschi, Judith und die Magd Abra (um 1613; Öl auf Leinwand, 114 x 93,5 cm; Florenz, Palazzo Pitti, Palatiner Galerie)

Die beiden Gemälde in Oslo und im Palazzo Pitti scheinen also miteinander verwandt zu sein, wobei ein Einfluss zwischen Vater und Tochter offensichtlich ist: Da das Werk in Oslo entstand, als Orazio und Artemisia gemeinsam in Rom arbeiteten, folgte der Vater wahrscheinlich dem Rat seiner Tochter, das ältere Gemälde als das im Palazzo Pitti fertigzustellen, und vielleicht war Artemisia selbst an der Ausführung des ersteren beteiligt.

1617 kehrte Artemisia zum Thema Judith und Holofernes zurück, und zwar mit einem ausgesprochen groben und gewalttätigen Gemälde: Nicht mehr der Moment nach der Ermordung des Feldherrn ist dargestellt, sondern die Tat selbst, im Zelt. Der Betrachter erkennt sofort denkarawaggesken Einfluss, der durch den Schwung unterstrichen wird, der diesmal nicht nur von Judith, sondern auch von ihrer Magd ausgeht; letztere nimmt nämlich mit großer Kraft, Mut und Entschlossenheit aktiv an der Enthauptung teil, indem sie die mächtigen Arme von Holofernes festhält, der sich mit letzter Kraft zu befreien versucht: Der linke Arm des Feldherrn wird von der Magd festgehalten, während er mit dem rechten Arm den Kragen des Kleides des Feldherrn ergreift, aber Judiths Schwert übernimmt und schlägt ihm den Kopf ab. Die Magd ist somit ein aktiver Teil der Geste und nicht mehr nur Zuschauerin. Das Gemälde, das sich heute im Museum von Capodimonte in Neapel befindet, zeichnet sich vor allem durch die große Kraft und Entschlossenheit der beiden Mägde aus, die zu Heldinnen ihres Volkes werden. Die körperliche Anstrengung wird durch das Kreuzen der nackten Arme, das im Zentrum der Szene steht, gut hervorgehoben: Die beiden Mädchen, die die Ärmel ihrer Kleider hochgekrempelt haben, setzen ihre ganze Kraft gegen Holofernes ein, während dieser bis zum letzten Moment seines Lebens vergeblich versucht, sich zu befreien.

Die gewalttätige Szene wird noch blutiger durch das reichliche Blut, das aus dem Kopf des Mannes fließt und das weiße Laken, auf dem er liegt, tränkt. Die Gesichter beider Frauen sind auf das Schwert gerichtet, das Instrument, mit dem Judith die Enthauptung vornimmt, während der Kopf von Holofernes nach hinten gerichtet ist und von dessen kräftiger Hand, die sein Haar umklammert, unbeweglich gehalten wird; die Augen des Feldherrn befinden sich in einem Vakuum und sein Mund ist halb geöffnet. Auch hier wird der Unterschied in der sozialen Stellung der Mägde durch die Qualität ihrer Kleidung hervorgehoben: Die blaue Kleidung von Judith wirkt eleganter und kunstvoller, die rote Kleidung der Mägde ist schlichter. Mit diesem Gemälde hat sich Artemisia deutlich vom Stil ihres Vaters Orazio entfernt und verfolgt eine dramatischere und leidenschaftlichere Linie. Sie ist nun eine unabhängige Frau, die nicht mehr mit ihrem Vater zusammenarbeitet, da dieser Rom bereits vor einigen Jahren verlassen hat. Wahrscheinlich spürte sie den florentinischen Einfluss, den lebhaften Chromatismus, der für Cristofano Allori (Florenz, 1577 - 1621), einen Freund des Malers, charakteristisch war.

Drei Jahre später wiederholte er das Gemälde in einer Version, die sich heute in den Uffizien befindet, wobei er jedoch eine größere Theatralik und Detailgenauigkeit bei der Kleidung, den Ornamenten und den Stoffen zeigte: eine Verschiebung des Stils hin zu florentinischen Malern wie Cristofano Allori und Giovanni Bilivert ist somit bestätigt. (Florenz, 1585 - 1644). Artemisia fügte der Judith eine aufwändigere und raffiniertere Frisur, einen Armreif für ihren linken Arm und ein weiches rotes Tuch über dem Körper von Holofernes hinzu. Außerdem ist der assyrische Feldherr fast vollständig dargestellt, im Gegensatz zu dem Gemälde von Capodimonte, auf dem seine Beine nicht abgebildet sind: Hier scheinen sie stattdessen fest mit dem Bett verbunden zu sein, auf dem der Mann liegt. Das Schwert, der Dreh- und Angelpunkt der Komposition, ist vom Griff bis zur Spitze vollständig zu sehen, und das Blut spritzt ungestüm in Richtung Judith, hat aber bereits an mehreren Stellen die prächtigen Laken und Decken befleckt, auf denen Holofernes liegt. Dieses Werk war für Cosimo II. de’ Medici bestimmt, der den Maler erst nach den guten Worten Galileis großzügig belohnte, wie aus einem Brief hervorgeht, den Artemisia 1635 in Neapel an Galilei schrieb: die beiden hatten in Florenz gute Beziehungen unterhalten.

Artemisia Gentileschi, Judith enthauptet Holofernes (1617; Öl auf Leinwand, 158,8 x 125,5 cm; Neapel, Museo Nazionale di Capodimonte)

Artemisia Gentileschi, Judith enthauptet Holofernes (1620-1621; Öl auf Leinwand, 146,5 x 108 cm; Florenz, Uffizien)

Cristofano Allori, Judith mit dem Haupt des Holofernes (1610-1612; Öl auf Leinwand, 139 x 116 cm; Florenz, Palazzo Pitti, Palatiner Galerie)

Cristofano Alloris charakteristische lebhafte Farbigkeit kommt in einem seiner Gemälde aus dem Jahr 1620, das in den Uffizien aufbewahrt wird, besonders deutlich zum Ausdruck. Das dargestellte Thema ist wiederum die biblische Episode von Judith und Holofernes: Die Szene zeigt das Mädchen, das gerade den Feldherrn geköpft hat und dem Betrachter stolz ihre Trophäe zeigt. Der abgetrennte Kopf des Holofernes baumelt in der Tat von der linken Hand der Heldin, die ihn nur an einem Haarbüschel in der Mitte des Kopfes festhält. Holofernes’ Augen sind geschlossen, sein Mund ist halb geöffnet und sein ganzes Gesicht ist von einem dichten Haar- und Bartschopf umgeben. Judith steht im Vordergrund, in der Mitte der Szene, und neben ihr ist das Gesicht ihrer treuen Magd Abra zu sehen, die in diesem Werk als alte Frau dargestellt ist, deren Kopf in einen großen, weichen Turban gehüllt ist. Was dem Betrachter jedoch auffällt, ist Judiths Kleid, das Allori mit viel Liebe zum Detail in der Wiedergabe der verschiedenen Stoffe und in der Wahl der Farben gemalt und verziert hat: leuchtendes Gelb für das Damastkleid, Blau und Rot für den langen Mantel, der vom Nacken ausgehend sanft über den Rücken fällt, und Weiß für die weiten Ärmel des Gewandes darunter und für die Schärpe, die fest um ihre Taille gebunden ist. Auch die Umgebung ist reich verziert: Im Hintergrund ist ein grüner Vorhang zu sehen, der dieselbe Farbe hat wie ein elegantes Kissen, das in der rechten unteren Ecke des Bildes hervorlugt.

Das biblische Thema von Judith und Holofernes wurde im 17. Jahrhundert immer wieder aufgegriffen: Viele Künstler wählten es als Thema ihrer Gemälde, wobei jeder seine eigenen kompositorischen, dekorativen und chromatischen Methoden verfolgte. Artemisia Gentileschi wurde mehr als jeder andere Künstler mit diesem Thema als Rechtfertigung der Frauen gegenüber dem Missbrauch durch die Männer konfrontiert, aber in Wirklichkeit folgte sie einer der “Moden” der Epoche, wenn man es so nennen kann, und personalisierte es jedoch mit ihrem eigenen Stil, ihrer Leidenschaft und ihrem Drama.

Referenz-Bibliographie

• Francesca Baldassari, Judith Mann, Nicola Spinosa (Hrsg.), Artemisia Gentileschi e il suo tempo, Ausstellungskatalog (Rom, Museo di Roma, vom 30. November 2016 bis 7. Mai 2017), Skira, 2016
• Tiziana Agnati, Artemisia Gentileschi, Giunti, 2016
• Keith Christiansen, Judith Mann, Orazio und Artemisia Gentileschi, Ausstellungskatalog (Rom, Palazzo Venezia, vom 15. Oktober 2001 bis 6. Januar 2002; New York, Metropolitan Museum, vom 6. Februar bis 12. Mai 2002; Saint Louis, The Saint Louis Art Museum, vom 15. Juni bis 15. September 2002), The Metropolitan Museum, 2001
• Mieke Bal, The Artemisia Files: Artemisia Gentileschi for Feminists and Other Thinking People, University of Chicago Press, 2006
• Giuliana Babini (Hrsg.), Die Bücher Tobias, Judith, Esther, Città Nuova, 2001

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