Hitlers Verhältnis zur Kunst, gegen moderne und "entartete" Kunst

Ich bin überzeugt, dass das Werk großer Staatsmänner und militärischer Führer immer auf dem Gebiet der Kunst liegt
Hitler, Mein Kampf

Adolf Hitler (Braunanu am Inn, 1899 - Berlin, 1945) ist einer der umstrittensten Protagonisten der Geschichte des letzten Jahrhunderts, dessen Einfluss auf die politische, wirtschaftliche und soziale Dynamik in Europa und in der ganzen Welt bis heute nachwirkt. Die Figur ist viel diskutiert und umfassend analysiert und untersucht worden, wobei den ethischen, moralischen, philosophischen und politischen Dimensionen besondere Aufmerksamkeit geschenkt wurde. Die Beziehung zwischen dem Führer und der Kunst wird jedoch in der Regel verschwiegen, da seine Leidenschaft für die Kunst, sein künstlerischer Hintergrund und seine Gedanken zur Malerei, zur Bildhauerei, zum Sammeln und zu Museen nicht angemessen berücksichtigt werden.

Zur Untermauerung dieser These rekonstruiert der Dokumentarfilm Hitler versus Picasso and the Others von Claudio Poli aus dem Jahr 2018 die Beziehung des Führers zu dieser Disziplin, indem er weder seine künstlerische Seite noch seine Auffassung von Kunst berücksichtigt, sondern sich auf die berechtigten Forderungen der Eigentümer, vor allem der Juden, konzentriert, denen das in den 1930er Jahren herrschende Regime ihre Werke geraubt hatte. Eine genauere Betrachtung seiner Sensibilität sollte dazu anregen, darüber nachzudenken, wie es ihm gelang, die Kunst seiner Ideologie zu unterwerfen und sie zu einem integralen und relevanten Bestandteil seiner politischen Propaganda zu machen.

Die schematische und starre Linie seiner Werke, die sie eher zu Architekturplänen als zu vedutistischen Werken machen, kostete ihn in jungen Jahren zwei aufeinanderfolgende Ablehnungen an derAkademie der bildenden Künste in Wien. Die wiederholten Ablehnungen brachten ihn der Politik näher: zunächst, indem er sich dem Gedankengut des “antisemitischen Bundes” von Adolf Lanz anschloss, und dann, indem er sich aktiv dem politischen Leben widmete, indem er zunächst der Deutschen Arbeiterpartei in München beitrat und bald an die Spitze aufstieg.

Adolf Hitler, Der alte Hof (1914; Aquarell; Washington, United States Army Center of Military History)

Adolf Hitler, Blumenvase (um 1912; Aquarell, 27 x 34,3 cm; Privatsammlung)

Er erkannte das emotionale Potenzial von Symbolen in Kunstwerken und machte sich diese zunutze. Er nutzte seine Erfahrung in der Kunst und seine eigenen ästhetischen Fähigkeiten, um eine angemessene politische Ikonographie zu entwickeln, und konzentrierte sich auf dieVerwendung von Farben, mit einem Ergebnis, das die Welt noch heute erschüttert. Die Veränderungen, die das Hakenkreuz zum Emblem des Nationalsozialismus schlechthin machten, gehen auf ihn zurück. Das Hakenkreuz ist ein Symbol, das bereits in der Antike bekannt war, vor allem im Osten, wo es mit religiöser Bedeutung und Glücksverheißung verbunden war. In Eurasien wurde das Hakenkreuz mit der Astrologie in Verbindung gebracht und als Symbol für die Sonne und ganz allgemein für das Universum verwendet, eine Ikonographie, die im Laufe der Jahrhunderte übernommen wurde. Im Mittelalter ist das Hakenkreuz beispielsweise auf einer Miniatur aus dem 13. Jahrhundert, die zu den Cantigas de Santa Maria von Alfons X., genannt der Weise, gehört, über dem Kopf eines Juden zu sehen, vielleicht eines Wucherers oder Händlers (aufgrund der typischen Kleidung).

Das Hakenkreuz, das in Süddeutschland bereits als repräsentatives Zeichen der Rechten in Gebrauch war, wurde nach dem Beitrag des Führers wieder nach rechts ausgerichtet, um 45 Grad im Uhrzeigersinn gedreht und in seinen ursprünglichen Farben wiederhergestellt, denen der Noch-nicht-Diktator jeweils eine bestimmte Bedeutung zuordnete: Blutrot, um die Kommunikation mit den Massen dank des ihnen am meisten zusagenden Farbtons herzustellen, Weiß als Symbol der nationalistischen Idee, Schwarz als demagogische Farbe, um die arische Rasse in einer kraftvollen und suggestiven Kombination zu verherrlichen. Der angeborene Sinn für das Theatralische (so sehr, dass man von Hitlers Theaterkratie gesprochen hat) zeigte sich im geschickten Einsatz von Licht, Musik und vielen anderen technischen Hilfsmitteln, die bei der Organisation von Kundgebungen und öffentlichen Auftritten weit verbreitet waren. Selbst Bertolt Brecht bemerkte dies und widmete ihm in den Gesammelten werken 18 drei Verse, die von bitterer Ironie geprägt sind, aber sein entscheidendes Geschick betonen: “Sein virtuoser Umgang mit dem Licht / ist nicht anders / als sein virtuoser Umgang mit dem Knüppel”.

Adolf Hitler trägt die Hakenkreuzschärpe

Die Flagge des nationalsozialistischen Deutschlands

Hitler behauptete, dass die Kunstder Moderne, d. h. der Avantgarde, die Gesellschaft korrumpiere. Jeder, der diese Kunst unterstütze, in diesem Fall die jüdischen Intellektuellen, sei die Ursache für den Zusammenbruch der Gesellschaft. Daran wird besonders deutlich, dass die Kunst auch ein Instrument zur Durchsetzung der NS-Ideologie war. Für den Führer war der Modernismus unerträglich, weil er provokativ, rätselhaft, zynisch und unbequem war: Die Kunst sollte eine Flucht vor dem Schmerz sein und nicht eine Konfrontation mit ihm. Der deutsche Führer bemühte sich nachdrücklich um die Schaffung einerRegimekunst, weil er sich der Wirkung künstlerischer Ausdrucksformen auf die Massen bewusst war, eine Idee, die vom platonischen Gedankengut inspiriert war, wonach Kunst und Gesellschaft von ähnlichen Kräften bewegt werden und die erstere die Erregung der letzteren nicht nur widerspiegelt, sondern fördert.

Eines der Hauptziele Hitlers war es, diedeutsche Kultur zu erlesenen Höhen zu erheben, wozu die Kunst notwendig war. Das bedeutete, ausländische Einflüsse drastisch einzuschränken, Ausstellungen deutscher Maler und Bildhauer sowie Auftritte deutscher Orchester und Ensembles im Ausland zu fördern, um die großen Errungenschaften der germanisch-arischen Kultur für die europäische und ganz allgemein für die internationale Gemeinschaft sichtbar zu machen. Die Kunst wurde so zur Staatsangelegenheit.

1933 entließen die Parteifunktionäre die ehemaligen Museumsdirektoren und Kuratoren und ersetzten sie durch Personen, die von der Partei als geeignet für ihre politischen Ansichten und nicht für ihre künstlerischen Fähigkeiten und Kenntnisse angesehen wurden. Auf diese Weise wurde die Kontrolle über die Ausstellungen absolut und sicher, und in der Folge wurden die Sammlungen moderner Kunst beschlagnahmt. Zur Unterstützung dieser Positionen - die die Vorstellung begünstigten und unterstützten, dass die Avantgardekunst falsch sei und eliminiert werden müsse - wurden Ausstellungen wie die"Schandausstellungen“ 1933 und die Ausstellungen ”Abscheulichkeit" 1933 gefördert.Schandausstellungen’ 1933 und die’Schreckenskammer der Kunst’ 1935 in Städten wie Dresden und Stuttgart (’Mir sind schreckliche Beispiele bolschewistischer Kunst zur Kenntnis gebracht worden.Nun beabsichtige ich zu handeln. [...]. Ich möchte in Berlin eine Ausstellung über Kunst aus der Zeit der Dekadenz organisieren. Damit die Menschen sie sehen und erkennen lernen", Joseph Göbbels).

Eine wirklich beunruhigende Figur war der Propagandaminister Joseph Göbbels (Rheydt, 1897 - Berlin, 1945), der sich die Haltung seines Führers in jeder Hinsicht zu eigen gemacht hatte und der gegenüber der als entartet geltenden Kunst streng und hart vorging. Die Ausstellung "Entartete Kunst" wurde auch in München in Verbindung mit der Großen Ausstellung Deutscher Kunst im neuen Haus der Kunst organisiert, ein geschickter Schachzug, um die Zäsur zwischen Kunst und Nicht-Kunst zu zeigen. Die Eröffnung fand am 19. Juli 1937 statt, und die 650 Werke von 112 entarteten Künstlern (darunter George Grosz, Emil Nolde, Pail Klee, Gustav Klimt, Otto Dix und Egon Schiele) wurden so ausgestellt, dass sie auf drastische Weise lächerlich gemacht wurden. Die Gemälde wurden so aufgestapelt, dass die Wände, an denen sie hingen, unübersichtlich wirkten. Die Werke wurden mit Slogans beschriftet, die der verunglimpfenden Methode entsprachen, wie z. B. “Wahnsinn wird zur Methode” oder “Die Natur wird von kranken Köpfen gesehen”. Die Ausstellung war rekordverdächtig: Allein im ersten Monat wurden eine Million Besucher gezählt, in den folgenden sechs Monaten mehr als doppelt so viele, begünstigt durch den von Hitler verordneten freien Eintritt. Zwischen 1938 und 1941 besuchte sie auf ihrer Tournee durch zwölf Städte ebenso viele Menschen und ist bis heute die meistbesuchte Ausstellung der Geschichte.

Im selben Jahr eröffnete in derselben Stadt, in derselben Straße, aber auf der gegenüberliegenden Seite, das Haus der Deutschen Kunst mit der ersten großen jährlichen deutschen Kunstausstellung, der Großen Deutschen Kunstausstellung, seine Tore. Im Gegensatz dazu sollten die ausgestellten Werke Erhabenheit, Schönheit und Wohlstand verkünden und darstellen, ohne jemals auf die als dekadent deklarierten Zeichen zurückzugreifen, denen auch der Kult des Primitiven zugeschrieben wurde, der einem Teil der modernen Kunst eigen war und nicht als Ausdruck einer naiven Seele, sondern als Projektion einer korrupten und kranken “Zukunft” bewertet wurde.

Das Publikum steht Schlange, um die Ausstellung der Entarteten Kunst in München zu betreten

Halle der Ausstellung Entartete Kunst in München

Saal der Großen Deutschen Kunstausstellung

Es ist nicht verwunderlich, dass die Genremalerei zum von der Partei akzeptierten Kanon gehörte: die Landschaft, der Bauer, der Jäger, die Mutter... eine von exemplarischen Figuren bewohnte Stoffwelt, die wieder zum grandiosen und allgemeingültigen Ausdruck des edlen und heroischen Willens des ganzen Volkes werden sollte. Alles, was den nationalsozialistischen Parametern der Menschenwürde entsprach , wurde mit einem System von Allegorien wiedergegeben, das die Landschaft mit dem Vaterland verband, den menschlichen Körper und den Akt mit der Darstellung des Lebens und der Kraft des guten Blutes, das nicht nur einen biologischen Wert erlangte, sondern sich zu einem Signal der individuellen Wiedergeburt eines ganzen Volkes und seines Geistes öffnete.

Eine Vision, die durch die Gemälde von Arno Breker gut repräsentiert wird, die durch den Kult des Körpers, die rassische Einheit und die militärische Stärke gekennzeichnet sind. Dasselbe gilt für die Werke anderer, wie Adolf Ziegler, Adolf Wissel und Hector Erler. Es sollte bis zum Ende des Dritten Reiches dauern, bis die moderne Kunst mit der von Arnold Bolde konzipierten Documenta 1 im Jahr 1955, an der 148 Künstler, darunter Max Ernst, Giacomo Balla, Jean Arp, Otto Dix und Fernard Léger, teilnahmen, vollständig rehabilitiert wurde. Ziel war es nicht so sehr, die im 20. Jahrhundert produzierte Kunst zu präsentieren, sondern die Wurzeln der zeitgenössischen Kunst in all ihren Dimensionen freizulegen und die vom nationalsozialistischen Regime verleumdete und verbotene Avantgarde wieder nach Deutschland zu bringen.

Um das Klima zu verstehen, in dem die Documenta eröffnet wurde, muss man sich vor Augen halten, dass nur einen Monat zuvor die Bundesrepublik Deutschland ihre volle Souveränität erklärt hatte und der NATO beigetreten war, während die Länder des Sowjetblocks den Warschauer Pakt unterzeichneten. Mit seinen 130.000 Besuchern in dem von den Bombenangriffen des Krieges zerstörten Museum Fridericianum in Kassel wurde die Documenta 1 zu einem Schauplatz, an dem sogar die Museumsstruktur und das Konzept der Ausstellung neu überdacht wurden, das auch heute noch relevant ist und in den verschiedenen Ausgaben der Documenta und den alle zwei Jahre stattfindenden Kunstausstellungen neu vorgeschlagen wirdKunstbiennalen, die mittlerweile in fast jeder Stadt stattfinden (“Das Museum muss die Menschen in eine besondere Welt einführen, in der die Werke der Toten mit den Blicken der Lebenden in einer dauerhaften und fruchtbaren Konfrontation in Dialog treten”, Roberto Peregalli).

Eingang zur Documenta 1 im Fridericianum

Ein Raum der Documenta 1 von 1955

Achtung: Die Übersetzung des italienischen Originalartikels ins Deutsche wurde mit Hilfe automatischer Tools erstellt. Wir verpflichten uns, alle Artikel zu überprüfen, aber wir garantieren nicht die völlige Abwesenheit von Ungenauigkeiten in der Übersetzung aufgrund des Programms. Sie können das Original finden, indem Sie auf die ITA-Schaltfläche klicken. Wenn Sie einen Fehler finden, kontaktieren Sie uns bitte.