Giorgiones Sturm, das Rätsel, das noch niemand gelöst hat

Nur wenige Gemälde in der Kunstgeschichte haben so viele Diskussionen ausgelöst wie der Sturm von Giorgione (Giorgio Barbarelli; Castelfranco Veneto, 1478 - Venedig, 1510), der in der Accademia in Venedig aufbewahrt wird, ein Kunstwerk, das ebenso geheimnisvoll ist wie sein Autor. In der Tat wissen wir nur sehr wenig über Giorgione: Sein richtiger Name wurde erst vor kurzem entdeckt, und es gibt nur wenige Dokumente, die seine Existenz belegen. Tatsächlich gibt es nur vier Dokumente, die ihn direkt betreffen: Es handelt sich um den Erhalt eines Auftrags für ein Leinwandgemälde für den Dogenpalast in Venedig aus dem Jahr 1507, eine Klage aus dem Jahr 1508 gegen die Auftraggeber der Fresken im Fondaco dei Tedeschi, ebenfalls in Venedig, das Inventar seiner Besitztümer zum Zeitpunkt seines Verschwindens und einen Brief von Taddeo Albano aus dem Jahr 1510 an Isabella d’Este, einem Agenten, der in Venedig im Auftrag der Markgräfin arbeitete und der in seinem Brief Isabella d’Este über den Tod des Malers im Alter von zweiunddreißig Jahren informiert. Dazu kommt eine Inschrift auf der Rückseite eines berühmten Gemäldes von Giorgione, der Laura, die im Kunsthistorischen Museum in Wien aufbewahrt wird.

Diese Inschrift (“1506 adj. primo zugno fo fatto questo de ma[no] de maistro zorzi da chastel fr[anco] cholega de maistro vizenzo chaena ad instanzia de mis. giac.mo”) bestätigt ihn als “Zorzi da Castelfranco”, wobei “Zorzi” offensichtlich die Verkleinerungsform von Giorgio im venezianischen Dialekt ist, und weist ihn als “Kollegen” von Vincenzo Catena aus, einem Maler im Bellini-Stil, der nach Meinung einiger ein Meister von Giorgione selbst gewesen sein könnte. Kollege" bedeutet in diesem Zusammenhang, dass der Maler keine eigene Werkstatt besaß, sondern mit Vincenzo Catena verbunden war. Ein Mangel an Informationen, der fast unglaublich ist, wenn man bedenkt, dass Giorgione einer der einflussreichsten Maler der Kunstgeschichte ist, und ein Mangel an Informationen, der uns sicherlich nicht einmal hilft, sein bekanntestes Gemälde, Der Sturm, zu erhellen. Um ihn besser zu verstehen, ist es jedoch notwendig, mit dem besonderen Umfeld zu beginnen, in dem Giorgione seine künstlerische Tätigkeit ausübte. Um sich in dieses Umfeld hineinzuversetzen, kann man sich den Lebensbeschreibungen von Giorgio Vasari zuwenden, dem ersten der Biographen, die zum Mythos Giorgione beigetragen haben. Vasari berichtet, dass Giorgione sich ständig an “Liebesdingen” erfreute, Laute spielte und sang, und zwar anscheinend so gut, dass er oft zu den Festen der venezianischen Adligen gerufen wurde (’dilettossi continovamente de le cose d’amore e piacqueli il suono del liuto admirabilmente e tanto, che egli sonava e cantava nel suo tempo tanto divinamente, che egli era spesso per quello adoperato a diverse musiche e ragunate di persone nobili’ ’).

Darüber hinaus spielt die Musik in Giorgiones Kunst eine herausragende Rolle: Auf einem Detail eines seiner wenigen sicheren Werke, dem Fries der freien und mechanischen Künste, sind gerade einige Musikinstrumente abgebildet. Aus dieser Beschreibung von Vasari können wir die Information ableiten, dass Giorgione zu dieser Zeit in den prominentesten Kreisen Venedigs verkehrte, jenen adeligen Kreisen, in denen über Kunst, Liebe und Literatur diskutiert wurde, die sich auch in der Literatur der Zeit widerspiegelten (man denke nur an Pietro Bembos Asolani ) und die ihre eigenen kulturellen Codes teilten. Vielleicht ist es also diese Aktivität, die uns auf den " Sturm" aufmerksam macht, ein Gemälde, das seit fünfhundert Jahren diskutiert wird, ohne dass man zu einem sicheren Ergebnis kommt.

Der Grund dafür ist, dass sich uns die Bedeutung entzieht, die aber vielleicht vom Auftraggeber verstanden wurde: Das Gemälde könnte von einem Adligen namens Gabriele Vendramin in Auftrag gegeben worden sein, der das Bild 1530 besaß. Wenn Vendramin jedoch nicht der Auftraggeber war, ist es fast sicher, dass ein solches Gemälde für diejenigen, die denselben kulturellen Code wie Giorgione teilten, verständlich gewesen sein muss. Der Sturm, ein berühmtes, kraftvolles und eindrucksvolles Gemälde, das den Betrachter fassungslos zurücklässt, wurde wahrscheinlich zwischen 1502 und 1505 gemalt, und seine Spuren waren lange Zeit verloren. Im 19. Jahrhundert befand es sich im Haus der Giovannelli-Fürsten, wo der Gelehrte Angelo Conti es sah, woraufhin es 1932 von der Stadt Venedig gekauft wurde und für die Gallerie dell’Accademia bestimmt war. Das Werk beeindruckt den Betrachter vor allem durch seine unvergessliche Landschaft: Im Hintergrund ist eine Stadt zu sehen, die von einem Fluss durchquert wird, über den wiederum eine Brücke führt, und über der sich ein heftiges Gewitter ankündigt. Tatsächlich sieht man, wie sich dunkle Wolken über den Türmen zusammenziehen, und man sieht bereits Blitze durch den Himmel zucken, die die Gewalt des aufziehenden Gewitters vorwegnehmen. Gerade der Blitz ist eines der wichtigsten Elemente der Komposition, denn er zeigt, wie sehr sich Giorgione für die Darstellung von Naturphänomenen interessierte, und offenbart die Begabung und das Interesse eines Malers von großer Modernität. Im Vordergrund sind einige antike Ruinen, Felsen und Bäume zu sehen, die vom Wind bewegt werden, der den Sturm ankündigt, aber vor allem sind zwei Figuren zu erkennen: ein Mann mit einem langen Stock und eine Frau, die ein Kind stillt.

Bevor wir versuchen, die beiden Figuren zu identifizieren, müssen wir uns auf die Landschaft konzentrieren, die vielleicht der wahre Protagonist von Der Sturm ist, wie auch in anderen Werken des Malers, wie z. B. Sonnenuntergang, das in der National Gallery in London aufbewahrt wird, oder Hommage anSaturn, auch bekannt als Hommage an einen Dichter, das ebenfalls in der National Gallery in London aufbewahrt wird. In all diesen Gemälden, auch in Der Sturm , nimmt die Landschaft eine zentrale Rolle ein, die Natur spielt eine äußerst wichtige Rolle, und vor allem ist die Landschaft real, denn es ist die des Veneto, dieselbe Landschaft, die Giorgione jeden Tag sehen konnte, so sehr, dass die in Der Sturm dargestellte Stadt abwechselnd als Montagnana, in der Nähe von Padua, oder als der Geburtsort des Malers, Castelfranco Veneto, und schließlich als Padua selbst identifiziert wurde. Es handelt sich um Landschaften, die suggestive Stimmungen hervorrufen, Landschaften, die man als idyllisch bezeichnen könnte, Landschaften, die dank der Verwendung der Tonmalerei, die Giorgione aufgrund der Erfahrungen von Giovanni Bellini auf die Spitze treibt, gekonnt gezeichnet sind. Die Tonmalerei, deren Vater Giorgione nach Ansicht vieler Kunsthistoriker ist, ist die Bildsprache, die sich im Veneto der Renaissance durchsetzte: Die Tiefe der Kunstwerke wird nicht durch geometrische Gesetze, sondern durch die Farben bestimmt, d. h. durch die warmen Töne, mit denen die Elemente in der Nähe des Betrachters gemalt werden, und umgekehrt durch die kalten Töne für die Objekte in der Ferne, mit nuancierten und allmählichen Tonübergängen, ohne Konturlinien. Dies zeigt sich auch bei der Betrachtung von Der Sturm, wo die Farben mit zunehmender Entfernung der dargestellten Objekte immer mehr verschwinden.

Die beiden dargestellten Figuren sind perfekt in diese Landschaft eingebettet, und man fragt sich immer, wer sie wohl sein mögen. Es ist jedoch äußerst schwierig, um nicht zu sagen unmöglich, zu bestimmen, welche Hypothese die wahrscheinlichste ist, denn wir haben nicht viele Informationen über das Gemälde, so dass jede Hypothese die richtige sein könnte, aber es ist auch möglich, dass die Lösung nicht einmal angedeutet wurde. Der Sturm ist, kurz gesagt, ein äußerst schwieriges Gemälde: “das zurückhaltendste aller zurückhaltenden Gemälde Giorgiones”, hat Augusto Gentili es definiert, für den das Werk nicht einmal den Status eines “Meisterwerks” oder eines Eckpfeilers der venezianischen Malerei des 16: “Ein Meisterwerk”, schreibt Gentili, “definiert klar sein Thema und dient ihm funktionell mit Eigenschaft und Kohärenz der Ikonographie und der Sprache, ohne den Betrachter zu Ratespielen zu zwingen; ein Meisterwerk erzeugt ein Netz von Beziehungen und Entwicklungen, von Experimenten und Überschreitungen, und nicht zwei oder drei halbanonyme Nachahmungen. Die Datierung ist auch deshalb besonders schwierig, weil die Diskontinuität der Ausführung die Parameter der ”stilistischen“ Beurteilung sprengt (die sich daher als annähernd, mutmaßlich, illusorisch erweisen). Es gibt keine Erzählungen oder Informationen, keine gestischen Hinweise oder expressiven Andeutungen und nicht einmal repertorisch erkennbare symbolische Elemente”. Dennoch haben viele versucht, das Gemälde zu interpretieren, und im Laufe der Zeit wurden Dutzende von Interpretationen formuliert, so dass es, wie Enrico Maria Dal Pozzolo kürzlich schrieb, heute jedes Jahr mindestens eine neue Interpretation von Der Sturm gibt, in einer langen Kette, die “Gegenstand einer Reihe von Interpretationen war”.Jahr, in einer langen Kette, die “mehr oder weniger plausible Lesarten mit anderen abwechselt, die unwahrscheinlich, wenn nicht gar wahnhaft sind”, mit Versuchen, die “oft gelehrt und genial, am Ende scheinen sie sich gegenseitig zu entziehen”. Zu ungewöhnlich ist also das von Giorgione gemalte Thema.

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Es lohnt sich jedoch, einige Hypothesen zu erwähnen, und zwar sowohl solche, die sich durchgesetzt haben, als auch solche, die erst in jüngerer Zeit aufgestellt wurden. Die erste und älteste besagt, dass die Frau eine Zigeunerin und der Mann ein Soldat ist. Diese Theorie wurde zum ersten Mal von Marcantonio Michiel (Venedig, 1484 - 1552), einem Kunstsammler und Zeitgenossen Giorgiones, aufgestellt: Der Hinweis auf den Sturm und seine mögliche Deutung, der übrigens der erste überlieferte Hinweis ist, findet sich in einer Notiz des Sammlers aus der Zeit um 1530. Andere Interpretationen reichen von der Allegorie bis zur Mythologie über die Religion und die Literatur. Angelo Conti vertrat in seiner 1894 erschienenen und von Gabriele d’Annunzio gelobten Studie über Giorgione die Auffassung, dass das Thema des Gemäldes die Vaterschaft ist: Der Mann ist der Vater und mit der Geburt des von seiner Gefährtin gesäugten Kindes “geht das Gedicht der Liebe zu Ende”, in dem Sinne, dass Vergnügen und Wollust der Welt ein neues Leben geschenkt haben. Eine der berühmtesten Hypothesen stammt aus dem Jahr 1978 und wurde von Salvatore Settis formuliert, demzufolge es sich bei den Figuren um Adam und Eva nach der Vertreibung aus dem irdischen Paradies handelt, wobei die Frau das Kind Kain säugt: Dem Gelehrten zufolge ist das Bild eine Anspielung auf den Zustand des Menschen nach der Vertreibung, wobei die Stadt im Hintergrund Eden und der Sturm den göttlichen Zorn symbolisiert. Nach George Martin Richter handelt es sich stattdessen um eine mythologische Episode: Die Hypothese stammt aus dem Jahr 1937 und das Kind wäre der verlassene Säugling Paris, der Mann der Hirte, der ihn fand, und die Frau die Amme, die ihn aufzog, und natürlich wäre die Stadt im Hintergrund Troja. Ebenfalls mythologischen Ursprungs ist die Interpretation von Rudolf Schrey aus dem Jahr 1915, nach der das Paar Deukalion und Pyrrha darstellt, und der Sturm ist offensichtlich die von Zeus ausgelöste Sintflut, ähnlich der biblischen Sintflut, und die beiden wären dem Mythos zufolge die einzigen Überlebenden, die vom Gott selbst auserwählt wurden, da sie nicht verdorben waren wie der Rest der Menschheit. Interessanterweise würde nach dieser Interpretation der Sturm nicht beginnen, sondern aufhören.

Franz Wickhoff hingegen erkannte 1895 im Sturm eine Szene aus Statius’ Thebaid wieder, ein Thema also, das der klassischen Literatur entnommen ist, und die Episode würde darin bestehen, dass Adrastus, König von Theben, Ipsipile, Königin der Insel Lemno, in einem Wald entdeckt, während sie den kindlichen Helden Ophletes stillt. Eine weitere Hypothese stammt von Edgar Wind aus dem Jahr 1969, nach der das Gemälde in einem religiösen Sinne zu verstehen ist: Der Mann würde die Tugend der Tapferkeit und die Frau die der Nächstenliebe darstellen , in Übereinstimmung mit der traditionellen Ikonographie der Nächstenliebe, die diese Tugend in Form einer Frau, die ein Kind stillt, personifiziert.

Zu den erwähnenswerten neueren Interpretationen gehören die von Carlo Falciani (2009), Ugo Soragni (2010), Maria Daniela Lunghi (2015) und Sergio Alcamo (2019). Falciani hat eine vergilische Lesart vorgelegt, die mit den Ereignissen im Hause Vendramin zusammenhängt: Das Werk sollte als die Geburt von Silvio, dem Sohn von Aeneas und Lavinia und Nachfolger seines Halbbruders Ascanius als König der Latiner, gedeutet werden. Der stehende Mann wäre Silvius selbst, der seine eigene Geburt als Erwachsener betrachtet, eine Situation, die an die Passage in derAeneis erinnern würde, in der Anchises Aeneas bei dessen Übergang ins Jenseits begrüßt, indem er ihm die Geburt seines Sohnes offenbart. Nach Soragni, der seine Theorie anlässlich der Ausstellung Giorgione in Padua. The Enigma of the Chariot (Das Rätsel des Wagens ), die zwischen 2010 und 2011 in den Musei Civici agli Eremitani in Padua stattfand, formulierte, wäre der Sturm “das paradoxerweise eindeutigste und am wenigsten erforschte Zeugnis von Giorgiones Interesse an Padua, in dem sich Anspielungen und Verweise auf eine Vielzahl von paduanischen Themen neben der Darstellung einiger seiner repräsentativsten Monumente verdichten: von der Gründung der Stadt durch Antenore bis zum dramatischen Ende der Herrschaft Carrarese, von den Überschwemmungen des Landes infolge der von den Venezianern durchgeführten Arbeiten zur Sicherung der hydraulischen Stabilität der Lagune bis zur ständigen Sorge um den Ausbruch und die Ausbreitung der Pest, von der großen Leistung des Wiederaufbaus der wenige Jahre zuvor fertiggestellten Carmini-Kuppel bis zu den Holzbrücken, die an die Stelle der aus der Antike übernommenen soliden Steinkonstruktionen traten”. Bei dieser Gelegenheit wurde vorgeschlagen, dass der Wagen, der in der Nähe des Stadttors abgebildet ist, auf die Carraresi, die Herren von Padua, anspielt, und dass das Profil der Carmini-Kirche in der Stadtsilhouette unverkennbar ist: Die Frau wäre somit eine Allegorie auf die Stadt Padua, die von Venedig umsorgt wird (eine Anspielung darauf, dass die Lagunenstadt viel später gegründet wurde als die Stadt Euganea), während der Mann ein “stradioto”, ein venezianischer Söldner, wäre.

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Die Gelehrte Maria Daniela Lunghi hat den Sturm mit der Legende des heiligen Johannes Chrysostomus in Verbindung gebracht, die besagt, dass der Heilige zu einem bestimmten Zeitpunkt seines Lebens beschloss, sich in ein asketisches Leben in der syrischen Wüste zurückzuziehen. Er begegnete jedoch der jungen Tochter eines lokalen Herrschers, verliebte sich in sie, erwiderte ihre Liebe, und nachdem er sich mit ihr vereinigt hatte, überkamen ihn Gewissensbisse, weil er gegen die Grundsätze seines religiösen Glaubens verstoßen hatte. Der Heilige soll beschlossen haben, das Mädchen zu töten, indem er sie von einer Klippe stürzte, und den Rest seiner Tage als Wilder zu verbringen. Nachdem er jedoch Reue gezeigt hatte, weil er der Meinung war, dass man ein Verbrechen nicht sühnen kann, indem man es begeht, gestand er den Soldaten des Königs das Verbrechen. Diese begaben sich an den Ort des Verbrechens und fanden das Mädchen lebendig vor, das ein Kind stillte, das aus ihrer Verbindung mit Johannes Chrysostomus hervorging. Lunghi zufolge würde der ikonografische Reichtum dieses Themas unter den Künstlern der Zeit (Albrecht Dürer, Lucas Cranach, Giulio Campagnola, Andrea Zoan und andere werden genannt) die Kenntnis Giorgiones rechtfertigen. Dem Gelehrten zufolge könnte Giorgione den Stich Albrecht Dürers zu diesem Thema gekannt haben, und sei es nur, weil der Künstler zu der Zeit in Venedig war, als Giorgione an Der Sturm arbeitete. Die Figur des Johannes Chrysostomus fehlt jedoch in Giorgiones Gemälde: Lunghi zufolge wollte der Künstler seine eigene Interpretation der Legende anbieten, indem er sich auf die Figur des Mädchens und den Soldaten, der sie entdeckt, konzentrierte.

Schließlich gibt es noch die Interpretation von Sergio Alcamo, der zunächst einen kleinen Engel auf der Holzbrücke identifiziert hat (der laut Alcamo gemalt wurde, um die Figur eines Wanderers zu verdecken, die zuvor von Giorgione gemalt und dann überdeckt worden war: Die jüngsten diagnostischen Untersuchungen des Werks haben ergeben, dass es sich um eine Reue handelt), der von früheren Kritikern nicht bemerkt worden war, und der die religiöse Lesart von Salvatore Settis wiedergefunden hat, um sie zu aktualisieren. Nach Alcamo wäre der Sturm eine Allegorie der Erlösung: Der Mann wäre Adam, und der Stock, auf den er sich stützt, wäre eine Allegorie des Baumes der Erkenntnis, da er aus Holz besteht. Die Frau wäre immer noch Eva, und das Kind wäre Seth, der dritte Sohn des Paares. Die beiden Säulen sind hingegen ein sehr seltenes ikonografisches Motiv, für das Alcamo erst einige Jahre später ein Beispiel in einem Fresko in der Vatikanischen Bibliothek fand, das Giovanni Baglione zwischen 1587 und 1589 malte: Es handelte sich um die “Säulen der Söhne Seths”, auf denen wissenschaftliche und astronomische Entdeckungen eingemeißelt waren, die von den Nachkommen Seths (der, wiederum nach Alcamo, in der Gestalt des später entfernten Wanderers dargestellt worden war) auf der Grundlage der Vorhersage Adams errichtet worden waren, dass die Welt zweimal zerstört werden würde, damit das Wissen nach der Zerstörung bewahrt würde.

Dies sind nur einige der Interpretationen, aber man hat fast den Eindruck, dass die Bedeutung von Giorgiones Sturm umso unklarer wird, je mehr sich die Kritiker mit ihren Theorien abmühen: Es ist daher wahrscheinlich, dass wir nie verstehen werden, ob etwas hinter dem Gemälde steckt und wenn ja, was es ist. “Vielleicht”, schrieb Ernst Gombrich zu diesem Gemälde, "wird man eines Tages in der Lage sein, die hier dargestellte Episode zu identifizieren, die vielleicht die Geschichte der Mutter eines zukünftigen Helden ist, die mit ihrem Kind aus der Stadt in den Wald getrieben wird, wo sie von einem freundlichen jungen Hirten entdeckt wird. Dies scheint das Thema zu sein, das Giorgione darstellen wollte. Aber nicht wegen seines Themas ist das Gemälde eine der wunderbarsten Schöpfungen der Kunst. Eine Reproduktion in kleinem Maßstab wird uns nur schwerlich eine Vorstellung davon vermitteln können, doch auch sie kann dazu dienen, einen Einblick in die revolutionären Leistungen Giorgiones zu geben. Vorerst begnügen wir uns also damit, das berühmteste Werk eines der größten und zugleich geheimnisvollsten Meister der Kunstgeschichte zu bestaunen, der im Laufe der Zeit mehr zum Mythos als zum Künstler geworden ist.

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