Ein schnelles Gift und ein langsamer Balsam". Kunst für Santiago Sierra

Santiago Sierra (Madrid, 1966) spricht nicht gerne über sein Werk, da er jede Form der Erklärung fast als Verrat an derKunst betrachtet. Seine Werke haben die Aufgabe, seine harte Sicht auf die Welt und auf die Kunst selbst zu offenbaren. Letztere definiert er lapidar und unerwartet: ein schnelles Gift und ein langsamer Balsam. Die künstlerische Intervention ist also in der Lage, mit ihrer starken Sprache sofort zuzuschlagen, den Betrachter zu schockieren und dann auf lange Sicht als Heilmittel für eine verzerrte, von unmenschlichen Dynamiken durchdrungene Gesellschaft zu wirken. In Sierras Werk gibt es keine Spur von ästhetischer Selbstgefälligkeit, sondern vielmehr eine kalte Beobachtung der Realität, die, wie wir sehen werden, schon bei den Titeln vieler seiner Werke beginnt.

Sierra, der sein Studium der Bildenden Künste in Madrid absolvierte und seine Ausbildung in Hamburg fortsetzte, arbeitet international und hauptsächlich zwischen Spanien, Mexiko (1995-2006) und Italien (2007-2010). Die Themen, mit denen er sich befasst, sind eindeutig und explizit mit den wirtschaftlichen und sozialen Mechanismen und der Politik der Ausbeutung und Marginalisierung auf globaler Ebene verbunden. Andererseits verweist die von Sierra verwendete Sprache zwischen Aktionen und deren Dokumentation eindeutig auf bestimmte Tendenzen der 1960er und 1970er Jahre, sowohl im minimalistischen Aspekt bestimmter Werke (z. B. 111 construcciones hechas con 10 módulos y 10 trabajadores, 2004, oder 7 formas de 60x60x600 cm construidas para ser sostenidas en perpendicular a la pared, 2010), als auch in den umweltbezogenen oder skulpturalen Arbeiten, die auf den Gebrauch von Worten zurückgreifen und an die Werke des Konzeptkünstlers Joseph Kosuth erinnern.

In dieser Hinsicht ist ein sehr bedeutender Teil von Sierras Arbeit mit dem Wort verbunden. Deutlich wird dies in Palabra Destruida (2010-2012), für das der Künstler zehn monumentale Buchstaben in zehn verschiedenen Ländern aus charakteristischen Materialien konstruieren ließ, um das Wort “Kapitalismus” zu bilden. Anschließend wird es szenografisch zerstört und als Videoinstallation mit zehn nebeneinander liegenden Kanälen präsentiert. Ein weiteres Beispiel ist die No Global Tour (2009-2017), d. h. die Reise der beiden Buchstaben N und O aus Holz zwischen verschiedenen Ländern in einem großen Format (3 Meter hoch und 4 Meter breit), um ziemlich explizit die “Negation jeglicher Bejahung” zu symbolisieren, wie Mauro Zanchi es definiert hat, und zwar durch eine universelle “Ikone der Opposition” (Mauro Zanchi, Santiago Sierra. Komplizen der Ausbeutung, ’Doppiozero’, 14. Oktober 2019). Die unmissverständliche Bekräftigung der No Global Tour ist auch Teil einer sehr eigenartigen und erklärenden Arbeit in Bezug auf die Position des Künstlers gegenüber den etablierten Mächten. Im Jahr 2010 lehnte Sierra in einem Brief, der später zu einem Kunstwerk wurde, das zum Verkauf steht(La venta de la renuncia, 2011), das Preisgeld ab, das mit einem für ihn bestimmten Kunstpreis verbunden war. An Ángeles González-Sinde, die damalige spanische Kulturministerin, gerichtet, erklärt Sierra, dass die Annahme der Geldsumme für ihn einen schweren Verzicht auf seine Freiheit als Künstler sowie seine faktische Duldung des Staates bedeutet hätte, der sich systematisch gegen das Gemeinwohl stellt. Er schließt seinen Brief mit den Worten: “Der Staat sind nicht wir alle. Es sind Sie und Ihre Freunde. Betrachten Sie mich also nicht als einen von ihnen, denn ich bin ein ernsthafter Künstler. No gentlemen, No Global Tour. Prost und Freiheit!”.

Santiago Sierra, 111 construcciones hechas con 10 módulos y 10 trabajadores (2004; analoge Fotografie; Cáceres, Centro de Artes Visuales Fundación Helga de Alvear)

Santiago Sierra, 7 formas de 60x60x600 cm construidas para ser sostenidas en perpendicular a la pared, Performance in der Galerie Kilchmann, Zürich, April 2001 (2001; chromogene Fotografie, 230 x 150 cm; Mexico City, Fundación Jumex)

Santiago Sierra, Palabra Destruida (2010-2012)

Santiago Sierra, No (2009; bemaltes Holz, 264 x 470 x 225 cm)

Um auf die Verwendung von Wörtern bei Sierra zurückzukommen, ist auch die Lektüre von Kelly Baum sehr interessant, die die Sprachtheorie aufgreift, die John Austin in den 1960er Jahren in seinem Essay How to do things with words dargelegt hat (Kelly Baum, Santiago Serra: How to do things with words, “Art Journal”, Winter 2010). Der Gelehrte zeigt auf, wie das Werk von Sierra als echter sprachlicher Akt betrachtet werden kann, der gerade dann an Kraft gewinnt, wenn er die perversen Mechanismen, auf denen die gegenwärtige Politik, die wirtschaftliche Logik und die Beziehungen im Allgemeinen beruhen, so selbstbewusst zu entlarven scheint. In Bezug auf Sumisión(antes Palabra de Fuego) (2006-2007) stellt Baumfest, dass schon die Materialisierung des Wortes an der Grenze zwischen den USA und Mexiko sowohl eine Erklärung als auch eine Anklage ist, von der man nicht genau weiß, an wen sie gerichtet werden soll.

An dieser Stelle lohnt es sich, den Modus Operandi des Künstlers zu spezifizieren, der für die Realisierung seiner Projekte auf bezahlte Arbeitskräfte zurückgreift, die mit bestimmten Aufgaben betraut werden, und zwar in einem Arbeitsverhältnis, das einmal mehr Unterordnungsverhältnisse ins Spiel bringt. Besonders beunruhigend ist der Einsatz von Mitarbeitern, die häufig Minderheiten oder marginalisierten Bevölkerungsgruppen angehören und für die Ausführung von manchmal erniedrigenden Handlungen bezahlt werden. Diese Situation führt dann zu weiteren Kurzschlüssen, wenn sie mit der elitären Kunstwelt und ihren Räumen in Berührung kommen und interagieren. Dies ist der Fall bei Santiago Sierra invites you for a drink(2000), als der Künstler anlässlich der Biennale von Havanna Kunstliebhaber auf eine Terrasse einlädt und ihnen Holzbänke zur Verfügung stellt, auf denen sich in Wirklichkeit kubanische Prostituierte befinden und verstecken, die für 30 Dollar bezahlt werden; oder im selben Jahr: Persona remunerada para limpiar el calzado de los asistentes a una inauguración sin el consentimiento de éstos (2000); Línea de 160 cm tatuada sobre 4 personas (2000); 10 personas remuneradas para masturbarse (2000). Die didaktische Klarheit von Sierras Titeln beschreibt die Handlung, die in diesen Werken gefordert wird: Menschen, die dafür bezahlt werden, die Schuhe von ahnungslosen Besuchern einer Galerieeröffnung zu putzen, Menschen, die dafür bezahlt werden , sich tätowieren zu lassen oder vor der Kamera zu masturbieren. So werden die Widersprüche, die den wirtschaftlichen Beziehungen innewohnen, aber auch die umstrittene Rolle der Kunst bei der Aufdeckung von Problemen mit eher beunruhigenden Werken offengelegt.

Santiago Sierra, Sumisión (vor Palabra de Fuego) (2006-2007)

Santiago Sierra, Línea de 160 cm tatuada sobre 4 personas, Performance in Salamanca, El Gallo Arte Contemporanea, Dezember 2000 (2000; Video, Projektion oder Monitore, schwarz-weiß und Ton, Dauer 63’; London, Tate Modern)

Santiago Sierra, Los perros atenienses (in memoriam kanelos y Lukanikos) (2015)

Santiago Sierra, Cerdos devorando la península ibérica (2012)

Neben der Verwendung von Wörtern, Körpern und Menschen greift Sierra mehrmals auf die Zusammenarbeit mit Tieren zurück, wie zum Beispiel bei dem Projekt Los perros atenienses (in memoriam kanelos y Lukanikos) (2015), bei dem einige streunende Hunde ein Geschirr mit der AufschriftNo tengo dinero" zu tragen hatten, oder in Cerdos devorando la península ibérica (2012), wo Schweine Futter fraßen, das so angeordnet war, dass es in diesem Fall den Umriss der iberischen Halbinsel bildete, in anderen Fällen den anderer geografischer Gebiete, einschließlich Italiens selbst. In diesen Aktionen gewinnt die symbolische Dimension von Sierras Werk noch mehr an Bedeutung. Eines der bedeutendsten Werke in diesem Sinne ist das titelgebende Werk der Ausstellung 2016 in der Galerie Prometeo in Mailand. Die Ausstellung L’abbeveratoio bestand aus mehreren Elementen, beginnend mit dem Video, das zum Teil im Karni Mata Tempel in Deshnoke (Rajasthan) gedreht wurde, wo Mäuse als heilig gelten, und zum Teil in der Centrale Fies in Trient im Jahr 2015, wo auf einem schwarz-weiß karierten Boden ein Hakenkreuz als Tränke für eine Vielzahl von Mäusen diente, die unter den Blicken einiger Zuschauer von der ihnen zur Verfügung gestellten Milch schöpften. Die Mailänder Veranstaltung umfasste auch einige Fotografien, die Tränke auf einem Podest und einen gastronomischen Moment mit Cuy, Meerschweinchen, die normalerweise gezüchtet und in einigen Ländern für wissenschaftliche Experimente, aber auch als gastronomische Spezialität verwendet werden. In Anbetracht des symbolischen Wertes dieser Mäuse für einige Völker, der weißen Milch, die oft mit Tugenden wie Unschuld und Reinheit assoziiert wird, und der Verwendung des Hakenkreuzes, eines sehr alten und verheißungsvollen Symbols, vermischt Sierra verschiedene Kulturen und unterschiedliche Sichtweisen, was die Entschlüsselung der inhärenten Bedeutungen komplex macht. Fernando Baena hebt in seinem anlässlich der Ausstellung verfassten Text Kannibalismus im Zeichen des Saturn hervor, dass die Schlüssel zur Interpretation dieses Werks vielfältig sind und sich doch alle auf “Symboliken beziehen, die mit dem Aufbau der Welt, dem Zyklus von Leben und Tod und den menschlichen Wünschen als zu überwindende Hindernisse verbunden sind”.

Innerhalb eines Werks, das produktiv und problematisch ist und dem wir verschiedene Lesarten zuordnen können, greifen die Worte des Künstlers ein, um zumindest einen Aspekt zu klären: “das Happy End macht jeden Vorschlag ungültig”, sein Werk “wirft ungelöste Probleme auf, offen für ein Denken in Freiheit” (Zanchi, 2019). Vielleicht ist dies auch die Richtung von Sierras zweideutiger Aufforderung, die mit der Forderung “Wir wollen euer Blut”,

darauf abzielte, das Blut der indigenen Völker Australiens zu sammeln. Dieses sollte später im Projekt " Union Flag" (2021) verwendet werden, um die britische Flagge zu beschmutzen, was eine
eine klare Verurteilung der Gewalt, die im Rahmen der kolonialen Erfahrung zum Nachteil ganzer Kulturen ausgeübt wurde. Nach Protesten wurde die Aktion später zurückgezogen, was jedoch zeigt, dass die Arbeit des Künstlers ungelöste politische und kulturelle Fragen berührte und eine neue Debatte auslöste.

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