Ein Pierrot und ein Harlekin: Auch Künstlerkinder verkleideten sich

Wir alle waren einmal Kinder, und wir alle haben uns mindestens einmal im Leben an Karneval so verkleidet, wie es uns gefiel. Ich habe es immer geliebt, mich als Prinzessin oder Fee zu verkleiden, denn schon als Kind hatte ich eine romantische, verträumte, märchenverliebte Seele, so wie ich es auch heute noch habe, und Jahre später hat sich meine Seele nicht verändert. (Nur in einem Jahr beschloss ich, mich in einen Pinguin zu verwandeln, ich weiß nicht einmal mehr, warum, vielleicht um mein übliches Aussehen als süßes kleines Mädchen mit langen, lockeren Haaren, einem spitzen Hut auf dem Kopf, einem bauschigen Kleid mit bauschigen Ärmeln und einem Zauberstab in der Hand zu revolutionieren, aber ab dem darauffolgenden Jahr kehrte meine “Märchennatur” zurück). Die Entscheidung, als was man sich zu Karneval verkleidet, kann von unseren Neigungen, Wünschen und Leidenschaften abhängen, aber auch von der aktuellen Mode: Als ich ein kleines Mädchen war, gab es zum Beispiel neben Prinzessinnen, Indianern, Zorros, Musketieren und Piraten auch die Punk-Mode, die Verkleidung für “große Kinder”, sagen wir ab acht oder neun Jahren, und so trugen wir zerrissene Jeans und Jeansjacken, auf denen man die Symbole und Schriftzüge nicht zählen konnte, phosphoreszierende Haarlocken und jede Menge Glitzer. Oder es liegt an der Kreativität der Eltern: Erst vor wenigen Tagen habe ich bei einem Maskenumzug in Viareggio, einer Stadt an der Versiliaküste, die für ihren Karneval berühmt ist und von der ich nur wenige Kilometer entfernt wohne, zufällig eine ganze Familie gesehen, die als... Gin und Tonic, also Vater und Sohn, verkleidet war. Gin und Tonic, d. h. Vater und Mutter als Gin und Tonic Water und der Sohn als Zitronenscheibe verkleidet, und dem Gesicht des Kindes nach zu urteilen, hätte er sich als alles Mögliche verkleiden wollen, vielleicht als sein Lieblingssuperheld, nur nicht als Zitronenscheibe.

Es amüsiert mich, wenn ich mir beim Betrachten von Pierre-Auguste Renoirs weißem Pierrot und Pablo Picassos Paulo als Harlekin vorstelle, dass beide Künstler die beiden abgebildeten Kinder bzw. ihre eigenen Kinder dazu aufforderten, für sie zu posieren, indem sie einen Stuhl in die Mitte der Szene stellten und es ihnen überließen, ihn nach Belieben zu benutzen. Beide Bilder vermitteln einen Eindruck, der heute mit einem echten Fotoshooting vergleichbar wäre, das als Andenken an den jeweiligen Karneval gemacht wurde. Und ich glaube, dass derjenige, der sich in seiner Verkleidung am wohlsten fühlt, Jean ist, der zukünftige Regisseur, der zweite Sohn des impressionistischen Malers, wegen seines Gesichtsausdrucks und der Lässigkeit, mit der er für seinen Vater posiert. Er sitzt tatsächlich auf einem Holzstuhl, mit einer entspannten und zugleich eleganten Haltung. Ihr Körper ist leicht um drei Viertel gedreht, und sie stützt einen Arm auf die Stuhllehne, während die andere Hand auf ihrem Bein ruht. Im Mittelpunkt des Gemäldes, das zwischen 1901 und 1902 gemalt wurde und im Detroit Institute of Art aufbewahrt wird, steht das Gesicht des Kindes: Es hat einen sanften Ausdruck und seinen Blick leicht zur Seite gerichtet, als sei es in seine eigenen Gedanken vertieft. Die zarte Röte der Wangen und die kaum halb geschlossenen Lippen vermitteln ein Gefühl von Unschuld und Gelassenheit, und die Zartheit seiner Gesichtszüge wird durch das weiche, diffuse Licht, das die gesamte Komposition durchflutet, noch unterstrichen. Das Licht spiegelt sich vor allem in dem weißen Kostüm des Pierrot wider, das der Maler mit großer Kunstfertigkeit gemalt hat: eine weite weiße Tunika, die in weichen Falten über den Körper fällt, mit großen Knöpfen aus dem gleichen Stoff und weiten Hosen in der gleichen Farbe. Um die Verkleidung zu vervollständigen, durchbricht ein flauschiger roter Tüllkragen um den Hals die Monochromie des Kleides und verleiht ihm einen Hauch von farblicher Wärme, ebenso wie ein cremefarbener Spitzhut. Das Gesicht ist jedoch nicht weiß geschminkt und weist nicht die typische schwarze Träne auf, wie es die traditionelle Ikonographie der Maske ist.

Die Figur des Pierrot tritt in ihrer ganzen Weiße aus dem Hintergrund hervor, der in dunklen, unbestimmten Tönen und mit einem weichen Pinselstrich gemalt ist, der einen verschwommenen, fast ätherischen Effekt erzeugt; die Farben sind nicht scharf, sondern gehen harmonisch ineinander über. Die Farben sind nicht scharf, sondern verschmelzen harmonisch miteinander. Gerade diese Verschmelzung der Pinselstriche suggeriert eine intime, alltägliche Umgebung, eine typisch familiäre Atmosphäre der Ruhe und Stille.

Anders als man meinen könnte, stammt die Maske des Pierrot nicht aus Frankreich, sondern aus der italienischen Commedia dell’arte unter dem Namen Pedrolino, aber erst in Frankreich nimmt die Figur die Merkmale an, die wir heute noch kennen, sowohl was ihr Aussehen als auch ihren Charakter betrifft. Von einem naiven Diener im Dienste gerissener Figuren wurde Pierrot im 19. Jahrhundert dank des Pantomimen Jean-Gaspard Debureau für sein melancholisches und sentimentales Wesen bekannt. Er ist eine zarte, poetische Figur mit einem immerwährenden Sinn für Traurigkeit, die eine der anregendsten Figuren der Commedia dell’Arte darstellt, und wird oft mit der Figur des melancholischen und missverstandenen Künstlers verglichen. Renoir betont in seiner Malerei nicht diese Traurigkeit, sondern hebt vielmehr ihre kontemplativen Züge hervor. Ohne dramatische Übertreibungen stellt er seinen Sohn in einer entspannten, fast träumerischen Pose dar, ganz im Einklang mit seiner Inszenierung, die den Betrachter in die Harmonie des Alltagslebens eintauchen lässt.

Pablo Picassos ältester Sohn Paulo, der aus der Ehe zwischen dem Künstler und der Tänzerin Olga Khokhlova hervorging, erscheint dagegen auf dem Gemälde von 1924, das sich heute im Musée Picasso in Paris befindet, anders. Es zeigt ihn als Harlekin, die berühmte Figur aus der Commedia dell’ Arte, listig und scherzhaft, in einer fast träumerischen Pose, die seinem Werk entspricht, das den Betrachter in die Harmonie des Alltags eintauchen lässt.Art, listig und scherzhaft, immer bereit, Tricks zu seinen Gunsten zu erfinden, und in der Lage, sich mit Leichtigkeit und Gewandtheit aus schwierigen Situationen herauszuwinden (er vollführt oft Purzelbäume und akrobatische Sprünge)

Im Gegensatz zu Jean in Pierrots Kleidern, der bequem auf dem Stuhl in der Mitte der Komposition saß, steht Paulo hier und stützt sich mit einem Ellbogen auf den gepolsterten, schwarzen Stuhl, der eleganter ist als der in Renoirs Gemälde. Sein Gesichtsausdruck ist ernst, sein Blick ist direkt auf den Betrachter gerichtet. Trotz des extravaganten Kostüms, das er trägt, wirkt sein Gesicht ruhig und leicht melancholisch, im Gegensatz zu der lebhaften Energie, die für die Figur des Harlekin typisch ist.

Das Kostüm ist typisch für Harlekin und zeichnet sich durch ein Rautenmuster in Gelb- und Blautönen aus, das durch markante schwarze Linien getrennt ist: eine Farbkombination, die dem Werk eine starke visuelle Wirkung verleiht. Ein breiter Kragen und voluminöse weiße Manschetten mit Rüschen am Hals und an den Ärmeln verleihen dem Kleid, das aus schwerem Stoff zu bestehen scheint, einen Hauch von Leichtigkeit und Raffinesse. Auf seinem Kopf sitzt ein schlichter, schwarzer Hut, aus dem rötlich-braunes, mit hübschen Fransen gekämmtes Haar hervorlugt. Paulos Gesicht mit seinem blassen Teint, den leicht geröteten Wangen und den zarten Zügen wirkt fast distanziert: Es scheint, als ob das Kind, obwohl es eine der üppigsten Masken trägt, die es gibt, nicht ganz an seiner Verkleidung teilnimmt, sondern in seinen Gedanken versunken bleibt. Die Art und Weise, wie er seine Hände hält, verleiht ihm einen weiteren Eindruck von Stille und Nachdenklichkeit. Dieser Kontrast zwischen der scheinbaren Fröhlichkeit des Kleides und der Gelassenheit des Gesichtsausdrucks des Kindes ist besonders auffällig.

Einer der hervorzuhebenden Aspekte des Gemäldes ist die Beziehung zwischen dem Kind und dem Hintergrund. Während Paulo und sein Kostüm mit viel Liebe zum Detail wiedergegeben sind, wirkt der Rest der Komposition bewusst unfertig, da der Hintergrund nur grob bearbeitet ist, sowohl für die Füße des Kindes als auch für Teile des Stuhls, die mit Skizzen und leichten Strichen nur angedeutet sind. Am Fuß des Stuhles taucht auch ein Männerfuß auf, der sich nicht auf eine Person bezieht.

Das Gemälde, das zu einer Serie von Harlekin-Porträts gehört, die Picasso zwischen 1923 und 1924 anfertigte, ist ein bedeutendes Beispiel für das Interesse des Künstlers am Thema der Kindheit und der Welt des Theaters.

In vielen seiner Werke ist seine Identität als Künstler mit der der Theaterfigur des Harlekin verwoben. Harlekin wird zu seinem melancholischen Alter Ego, das seine Zerbrechlichkeit und sein Gefühl der Einsamkeit symbolisiert, ein Aspekt, der ab 1901, dem Jahr, in dem er seine Blaue Periode begann, deutlich wird. In diesem Zusammenhang wird die Figur des Harlekin durch den Sohn des Künstlers verkörpert. Gleichzeitig deutet Picasso die Komplexität seines Inneren an , indem er das Kind in einem Kostüm darstellt, das seine Vielfältigkeit widerspiegelt, genau wie die Rauten, aus denen es besteht. Es ist nicht nur ein Kinderporträt, sondern wird implizit zu einem Selbstporträt des Künstlers, der sich sowohl mit der berühmten Figur der Commedia dell’Arte als auch mit seinem eigenen Sohn identifiziert. Es ist eine verdeckte Reflexion über die Vielfältigkeit des Seins.

Diese beiden Porträts, Renoirs weißer Pierrot und Picassos als Harlekin verkleideter Paulo, bieten einen intimen, alltäglichen Blick auf die Beziehung zwischen Künstlern und ihren Kindern. Zwischen zarten Pinselstrichen und leuchtenden Farben werden die Kinder zu Figuren der Commedia dell’Arte, die den schmalen Grat zwischen Realität und Fiktion beschwören. So verwandelt die Kunst das flüchtige Moment der Verkleidung in ein Bild von komplexer Tiefe.

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