Ein Meisterwerk der Sanftheit und Kleinheit: Pinturicchios Madonna des Friedens

Guido Piovene, der vielleicht größte italienische Reiseschriftsteller, bezeichnete die Madonna des Friedens als “das beste Bild von Pinturicchio”. Die Wahl fällt schwer: Bernardino di Betto war ein erhabener Künstler, und es ist schwer zu sagen, welche der Schöpfungen, die aus seiner göttlichen Hand hervorgegangen sind, die anderen übertreffen. Man kann also lange über das Urteil diskutieren, das Piovene in seinem 1957 erschienenen Werk Viaggio in Italia über das in der Pinacoteca di San Severino Marche aufbewahrte Werk abgibt, aber man kann auch die Beschreibung begrüßen, die er über dieses Werk abgibt: Für Piovene ist die Madonna della Pace ein Meisterwerk, das “sehr lieblich, winzig, fast leuchtend, es scheint den durchschnittlichen Geist der Marken und Umbriens zusammenzufassen”. Süße und Winzigkeit waren zwei charakteristische Elemente der umbrischen Malerei am Ende des 15. Jahrhunderts, und Pinturicchio verstand es, sie auf die Spitze zu treiben: In der Madonna della Pace gibt er einen klaren Beweis dafür.

Die feinen Züge der himmlischen Gestalten sind lieblich, vor allem die jugendliche Madonna, eine idealisierte Schönheit, die ein blondes Kind mit königlicher Haltung hält, das den Auftraggeber Liberato Bartelli segnet, den ehemaligen apostolischen Protonotar, Kanoniker von Santa Maria in Trastevere und von St. Peter und Sekretär des Papstes, der die Tafel von dem perugiesischen Maler als Geschenk für die Kathedrale von San Severino Marche erbat: Der Patrizier aus den Marken, der gerade zum Prior der Kathedrale ernannt worden war, wollte offenbar seinen neuen Titel auf diese Weise feiern und wandte sich höchstwahrscheinlich an Pinturicchio, nachdem er von seinem Freund Niccolò Bufalini vorgestellt worden war, für den der Künstler an einem seiner berühmtesten Werke gearbeitet hatte, der Ausschmückung der Bufalini-Kapelle in Santa Maria in Aracoeli. Die Engel, die auf die Szene blicken, sind süß, der eine mit gefalteten Händen, die dem Betrachter in die Augen blicken, der andere mit geneigtem Gesicht, in der gleichen Haltung, die wir auch bei Leonardo da Vinci in den gleichen Jahren finden: die Quellen, aus denen die beiden Künstler tranken, waren nicht so weit entfernt, da die Lehren der großen Florentiner über Umwege auch Pinturicchio erreichten. Das Profil der Hügel, die sich im Hintergrund abheben, mit einem Dorf, das die Ufer des Flusses überblickt, ist sanft: dies sind die Ländereien, in denen der Maler lebte und arbeitete. Und was kann man über die sonnenbeschienenen Gassen sagen, die die Hügel und die umliegende Landschaft durchziehen, mit den vorbeiziehenden Rittern? Ein Gemälde von Pinturicchio zu betrachten, bedeutet auch, sich in den Details zu verlieren, bei scheinbar Überflüssigem zu verweilen, eine Blume, eine Stickerei, einen Turm in der Ferne zu bewundern und zu bestaunen, den goldenen Schimmer, der die sonnenbeschienenen Teile des Laubes eines Baumes hervorhebt, die durchbrochene Struktur eines Heiligenscheins. Dies gilt umso mehr, als dieser Meister der umbrischen Renaissance die Luftperspektive nicht beherrschte, wie es andere nach ihm taten: Für Pinturicchio ist ein Detail in der Ferne fast so scharf wie ein Gegenstand, der nur wenige Zentimeter vom Motiv entfernt ist.

Pinturicchio, Madonna des Friedens (um 1488-1490; Tempera auf Tafel, 94 x 64 cm; San Severino Marche, Pinacoteca Comunale Tacchi Venturi)

Denn Pinturicchio war auch ein Meister der deskriptiven Analyse. Die Madonna des Friedens ist auch ein Meisterwerk flämischer Akribie: vor allem wegen der Art und Weise, wie er das Profil der Hügel behandelt, die scharf umrissen sind und zusammen mit den zerklüfteten Felsen, die an bestimmte Gemälde aus Ferrara erinnern, und den schlanken Schösslingen, die die Komposition regelmäßig vertikal unterbrechen und dem Auge Gleichgewicht und Ausgeglichenheit bieten, als Hintergrund dienen. Die Nimben der Madonna und der Engel sind winzig und durchsichtig: hinter dem Spiel der Verzierungen kann man das Laub der Pflanzen erkennen. Die Kleinheit liegt in den Edelsteinen, mit denen die Gewänder der schönen Engel geschmückt sind, in dem Seidenkissen, in der Kleidung des Kindes, das nicht nackt ist wie in den Gemälden der toskanischen Renaissance-Maler: Es ist in vollem Ornat gekleidet, wie die Kinder, die der Maler in den Mosaiken von Santa Maria in Trastevere oder Santa Maria Nova oder in anderen alten römischen Kirchen gesehen hat, und hier trägt es ein altrömisches Pallium, himmlisch und aus Gold gewebt, das über ein Dalmatikum mit goldenen Borten gelegt ist. Der gekreuzte Globus, den er in der rechten Hand hält und der seine Herrschaft über die Welt symbolisiert, ist winzig: Für den großen Pinturicchio-Kenner Franco Ivan Nucciarelli ist diese Kristallkugel eines der Pinturicchio-eskesten Elemente des Ganzen, ein “glücklicher beschreibender Moment”, gleichrangig mit den “paradoxerweise hochgewachsenen Bäumen, die an die obere Grenze des Gemäldes getragen werden”. Es ist “fast ein Juwel”, schreibt Nucciarelli, “das dazu bestimmt ist, sich in Pinturicchios Lexikon zu konsolidieren” und folglich in anderen Momenten seiner Produktion wieder aufzutauchen.

Die Malerei von Pinturicchio ist also in erster Linie die Malerei der Feinheit der Formen, der Profile und der Hauttöne, des Reichtums an Details, der formalen Eleganz und der raffinierten Ausführung: Die Weltkugel scheint wirklich zu einer Kugel aus äußerst zerbrechlichem Kristall zu werden, der Widerschein des goldenen Schimmers der Gewänder gibt wirklich den taktilen Eindruck eines kostbaren Stoffes wieder, das Licht, das sich gleichmäßig ausbreitet, ist wirklich das eines Frühlingsmorgens in Umbrien, der kniende Kunde ist wirklich ein Mann, der naturalistisch in der vollen Präsenz seiner Körperlichkeit eingefangen wurde, mit einer pochenden Vene an der Schläfe und von Falten durchzogenen Wangen. Pinturicchio, der in jedem Fall ein solider Künstler ist, verbindet mit dieser Weichheit und Minutiösität aber auch die Konsistenz des Volumens und die monumentale Festigkeit, die an sein Interesse an der florentinischen Malerei erinnern. Es ist, als ob in der Madonna des Friedens das Zusammentreffen verschiedener Epochen der Renaissance gefeiert wird: Umbrien, Flandern und die Toskana koexistieren harmonisch in Pinturicchios Meisterwerk.

Corrado Ricci zählt die Madonna des Friedens, “jung, schön, sanft, mit nacktem Hals, in ihrem rosafarbenen Gewand, ihrem Mantel aus verdunkeltem Ultramarin”, zu den besten Werken Pinturicchios, nutzt aber auch die Gelegenheit, eine Kritik an dem Künstler zu üben: “Wenn Pintoricchio lange Zeit so gemalt hätte”, heißt es in seiner Monographie von 1915, “wenn die Anhäufung von Werken, vor allem von Dekorationen, ihn später nicht nachlässig und manchmal sogar grob gemacht hätte [...]; wenn, kurz gesagt, seine Kunst, nachdem sie diesen Höhepunkt erreicht hatte, nicht so vernachlässigt worden wäre [...].Wenn, kurz gesagt, seine Kunst, nachdem sie diesen Gipfel erreicht hatte, es geschafft hätte, wenn nicht einen anderen, noch erhabeneren Gipfel zu erklimmen, so doch wenigstens lange dort zu verweilen, hätte sicherlich kein umbrischer Maler und nur wenige unter den Italienern jener Zeit das Lob größerer Anmut, Feinheit und Venezianismus verdient”. Die gleiche Meinung vertrat Berenson, demzufolge der letzte Pinturicchio (der aus der Piccolomini-Bibliothek, um uns eine Vorstellung zu geben) ein Künstler “voller Flitter und Kostümmalerei” war. Wie auch immer man über die extremen Ergebnisse von Pinturicchios Kunst denken mag, es ist schwierig, die Madonna des Friedens zu bemängeln, die von fast allen Kritikern aller Epochen geschätzt wurde. Auch deshalb, weil es sich um ein Werk handelte, das dazu bestimmt war, für lange Zeit im Gedächtnis zu bleiben: nicht nur bei Pinturicchio, der mehrmals zu diesem Gemälde zurückkehrte, um andere Meisterwerke zu schaffen, die sich eindeutig von dem für den Dom von Sanseverino ausgeführten Meisterwerk ableiten. Im Wesentlichen handelt es sich dabei um Madonnen, die in Museen auf der ganzen Welt aufbewahrt werden: Die vielleicht bekannteste Verbindung ist das so genannte “Bambin Gesù delle mani” in der Giordano-Stiftung in Perugia, das mit einem fragmentarischen Antlitz der Jungfrau verbunden ist, das sich heute in einer Privatsammlung befindet. Aber auch in der Erinnerung an andere Künstler, von Macrino d’Alba bis Marco Palmezzano, zum Beispiel. Die jüngste Ausstellung Raffaello e gli amici di Urbino (Raffael und die Freunde von Urbino ) setzte auch die Tafel von San Severino Marche in Beziehung zu Raffaels Debüt: nicht um präzise Parallelen herzustellen, sondern um, wie Luca Pezzuto schreibt, “die etablierte, aber komplexe Beziehung zwischen Pinturicchio und Raffael zu evozieren”. Die Beziehung zu Pinturicchio, so erinnert der Gelehrte, “hatte einen erheblichen Einfluss auf die Entwicklung des jungen Raffael, der technische und ikonografische Aspekte von seinem älteren Kollegen übernahm”. Auf dem Weg zur großen Renaissance befindet sich also auch die Madonna des Friedens von San Severino.

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