Ein Gipfel der Moderne von Orazio Gentileschi: die Vision von Francesca Romana

Es gibt zwei Hagiographien über die heilige Francesca Romana, die eine genaue Episode schildern, die sich am 6. September 1431 ereignete, als die römische Mystikerin, geboren als Francesca Bussa de’ Leoni, siebenundsechzig Jahre alt war: Während sie der Messe in der Kirche Santa Cecilia lauschte, wurde Francesca Romana von einem großen Licht verzaubert, das sie in einen Raum führte, in dem die Jungfrau saß, drei Kronen auf dem Kopf trug und in goldenem Licht erstrahlte, während sie Jesus, ein acht Monate altes Kind, hielt. Francesca wurde von einem mit Blumen geschmückten Engel in die Gegenwart der Muttergottes geführt, und der kleine Jesus begann mit ihr zu scherzen. Die Heilige, die von Liebe ergriffen war, wollte das Kind in ihre Arme nehmen, aber der Kleine verschwand jedes Mal, wenn sie versuchte, sich ihm zu nähern. Nach einigen Versuchen erinnerte sie eine Stimme aus den Wolken an den Sinn dieser Vision: Jesus jeden Tag zu suchen und von der Liebe zu ihm entflammt zu sein.

Die Episode wird in den Texten von Ianni Mattiotti, einem römischen Priester, der Francesca Romanas Beichtvater und erster Biograph war, und von Fra’ Ippolito da Roma berichtet: Orazio Gentileschi hatte sie gut im Kopf, als er um 1618 den Auftrag erhielt, die Vision der Francesca Romana für die Olivetaner-Benediktiner der Kirche Santa Caterina Martire in Fabriano zu malen. Es handelt sich um einen der Höhepunkte seines gesamten Schaffens, und nicht nur um das seiner Markenzeit.

Gewöhnlich neigen wir dazu, Orazio Gentileschi als den schwerfälligen Vater von Artemisia oder bestenfalls als einen Nachfolger von Caravaggio zu betrachten. Nein: Orazio Gentileschi hatte eine ausgeprägte, facettenreiche und vielseitige Künstlerpersönlichkeit von höchstem Rang. Er verstand es, metaphysisch und irdisch, raffiniert und roh, intim und großsprecherisch zu sein, er konnte sich der Caravaggio-Revolution anschließen, ohne seine toskanische Eleganz aus den Augen zu verlieren, und er war in der Lage, sich mit einer von Emotionen durchdrungenen Ruhe und Gelassenheit auszudrücken, die über den toskanisch-römischen Manierismus hinausgehen, aber im Vergleich zu Caravaggios Naturalismus auf einer anderen, meditativen und spirituellen Ebene angesiedelt sind. Orazio war ein Maler mit außerordentlicher Sensibilität, nie zahm, kultiviert und präzise, originell und völlig autonom, ein sorgfältiger Erforscher der Kunst der Vergangenheit. Dies sind Elemente, die der Betrachter in Die Vision der Francesca Romana wiederfindet.

Orazio Gentileschi, Die Vision der Heiligen Francesca Romana (1618-1620; Öl auf Leinwand, 270 x 157 cm; Urbino, Galleria Nazionale delle Marche)

Es ist eine jenseitige Begegnung, die Orazio Gentileschi mit einer Beklemmung schildert, die vielleicht eher für unsere Welt typisch ist. Das Format ist vertikal, der Schnitt schräg: Die Begegnung zwischen der Jungfrau und der Heiligen Francesca Romana findet über einer Treppe statt, über der ein weicher und fester Thron aus Wolken die Himmelskönigin empfängt. Die Heilige, die die schwarze Kutte und den weißen Schleier der Oblaten von Tor de’ Specchi, dem von ihr gegründeten religiösen Fraueninstitut, trägt, kniet auf der ersten Stufe, während das Jesuskind, wie es alle acht Monate alten Babys tun, mit seinen Armen zu ihrem Gesicht winkt, um sie zu streicheln. Dahinter kniet ein wunderschöner, in Goldbrokat gekleideter Engel, der seine Hände auf der Brust gekreuzt hält: Er ist der himmlische Begleiter, der Francesca Romana den Hagiographien zufolge vor die Madonna geführt hat. Über ihm erscheint ein Chor von Cherubim in einem gleißenden goldenen Licht, das die Wolken einhüllt, und in der Ecke sieht man einen Vorhang aus grün schillerndem Stoff, der wie ein Vorhang zugezogen ist: Ein Detail, das auch in anderen Werken von Orazio Gentileschi aus derselben Zeit oder etwas später zu finden ist, wie zum Beispiel in derVerkündigung in der Galleria Sabauda, einer Neuinterpretation des Gegenstücks in der Kirche San Siro in Genua, in der die Begegnung zwischen der Jungfrau und dem Erzengel in ähnlicher Weise durch einen zur Seite gezogenen Vorhang hervorgehoben wird.

Orazio Gentileschi hatte für seine Komposition sowohl literarische als auch künstlerische Quellen gesichtet. Er kannte die Texte von Ianni Mattiotti und Fra’ Ippolito da Roma sowie zwei ikonografische Vorbilder aus dem 15. Jahrhundert, nämlich den Zyklus mit Episoden aus dem Leben der Francesca Romana, der für die Kirche Santa Maria Nuova gemalt wurde, und die Fresken von Antoniazzo Romano in der Kirche Tor de’ Specchi. Obwohl das Substrat dieses Gemäldes im Wesentlichen aus dem 15. Jahrhundert stammt, gelang es Orazio Gentileschi, ein Werk von beunruhigender Modernität zu schaffen. Und das nicht nur wegen der intimen, zarten und rührenden Art und Weise, in der der Künstler das Thema der Visionen aufgreift und dem Betrachter ein bildliches Gegenstück zu den Worten der Hagiographien bietet. In der Zwischenzeit gibt es vielleicht die reinste Essenz der Kunst von Orazio Gentileschi: die Raffinesse eines Toskaners, der nie auf seine koloristischen Harmonien verzichtete (die Schönheit der Farben der Vision wurde von allen, die über dieses bewundernswerte Gemälde geschrieben haben, anerkannt), der aber die Neuerungen des Luminismus von Caravaggio annahm, “mit konsequenter Transparenz und Hervorhebung der Modellierung”, wie Carlo Gamba schrieb. Auch die Vision der Francesca Romana glänzt durch die Einfachheit ihrer Komposition, durch die Gelassenheit, mit der sich das Göttliche im Alltag der Heiligen manifestiert, durch die intelligente Idee, die Begegnung zwischen dem Geistlichen und dem Irdischen auch mit demBegegnung zwischen dem goldenen und dem düsteren Licht, für die Originalität einer Lyrik, die weitere Ideen aus den Werken, die Lorenzo Lotto während seiner wiederholten Aufenthalte in den Marken hinterlassen hat, nahelegen könnte.

Ein Land, in dem die Vision von Francesca Romana immer geblieben ist, trotz der schwierigen historischen Wechselfälle, die sie durchmachen musste: Nachdem das Gemälde mehr als anderthalb Jahrhunderte in der Kirche Santa Caterina Martire aufbewahrt worden war, wurde es 1798 nach der napoleonischen Aufhebung der religiösen Orden weggebracht, obwohl der Abt, der damals das Olivetanerkloster in der Nähe von Santa Caterina Martire leiteteAbt Silvestro Marcellini, der damals das Olivetanerkloster leitete, verhindern konnte, dass das Werk nach Mailand, Bologna, Paris oder in andere Städte geschickt wurde, wo viele der Werke, die die Kirchen der Marken schmückten, landeten. Als Marcellini starb, wurden die Werke, die sich in seinem Besitz befanden, von einem Beamten, Carlo Rosei, geerbt, und 1941 verkauften seine Nachkommen die Leinwand an den italienischen Staat: So ist dieser Höhepunkt der Gentileschi-Produktion heute im Besitz aller und kann in der Galleria Nazionale delle Marche bewundert werden.

Schließlich gibt es noch einen weiteren Aspekt, der dieses Werk so wichtig macht: Wir können es als “eines der ersten Gemälde betrachten, das die Beziehungen zwischen Farbe, Licht und Form, die die Grundlage der gesamten modernen Malerei bis hin zum Impressionismus von Monet und Renoir bilden, realisiert”, wie der Kunsthistoriker Andrea Bernardini schrieb. Es war Roberto Longhi, der 1916 erklärte, was dieses Gemälde so außergewöhnlich machte, das er als eines der ersten betrachtete, das auf der Grundlage von Werten und nicht von Farben erfolgreich war“: ein Gemälde, in dem das Gleichgewicht zwischen Form, Licht und Farbe ungewöhnliche Höhen erreicht und eine Komplexität aufweist, die als ”skalierte Verhältnisse von leuchtenden Mengen in Farben zu verstehen ist; Mengen, die, gerade weil sie skaliert sind, zu Qualitäten der Kunst werden: Werte". Caravaggios Revolution hatte einen modernen und innovativen Interpreten gefunden, selbst in einem Andachtsbild, das für eine Vorstadtkirche bestimmt war: In der Kunst des 17.

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