Edward Hoppers Landschaften: Amerikas weite Räume zwischen Melancholie und Fortschritt

Häuser im Vordergrund, Bäume und Vegetation im Hintergrund und rundherum, endlose Hügel mit Leuchttürmen, Tankstellen und menschenleeren Straßen, Eisenbahnen mit Sonnenuntergängen am Horizont: Die Landschaften von Edward Hopper (Nyack, 1882 - Manhattan, 1967) scheinen wie in einer dumpfen Blase eingeschlossen zu sein, in der Stille herrscht. Oft sind sie ohne menschliche Präsenz dargestellt, selbst wenn eine weibliche oder männliche Figur in oder vor der Tür eines Hauses auftaucht, gibt es keine Geräusche oder Sprache. Es gibt keinen Dialog, keinen Austausch. Was Hopper darstellt, ist eine stumme und melancholische Landschaft. Und oft hat man den Eindruck, sich vor unendlichen Landschaften zu befinden, von denen der Betrachter jedoch nur einen Teil sieht, einen kleinen Teil eines unermesslichen Ganzen.

Hopper ist der Maler, der wie kein anderer das reine Amerikanertum der grenzenlosen Landschaften, in denen alles unendlich erscheint, in denen sich die Entfernungen unverhältnismäßig ausdehnen, in denen sich kilometerlange Straßen von einer Stadt zur anderen erstrecken, die nur von Tankstellen unterbrochen werden, in aller Tiefe wiedergeben konnte. In der Weite der scheinbar grenzenlosen Räume spiegelt sich die wahre amerikanische Seele wider, nicht die der Pailletten und des Glitzers, der Stars und Hollywoods, sondern die, in der der Fortschritt, die Verwandlung der Landschaft durch den Menschen, zu Einsamkeit geführt hat. Hopper hat das Konzept eines melancholischen Amerikas gut dargestellt und die Schattenseiten des Fortschritts hervorgehoben, der, anders als man denken könnte, zu einer größeren Entfremdung zwischen den Menschen geführt hat. Hoppers amerikanische Landschaften sind klare, lineare Kompositionen: Häuser sind häufig zu sehen und symbolisieren die menschliche Besiedlung; Bilder von horizontal verlaufenden Eisenbahnstraßen stehen für den Wunsch des Menschen, große und weite Räume zu erobern; ein riesiger Himmel mit besonderen leuchtenden Details wie der vollen Mittagssonne oder dem Dämmerlicht verweist auf die Unendlichkeit und die ständige Verwandlung der Natur; ein Leuchtturm kann zu einer Landmarke in der Weite des Meeres und der Küstenlinie werden. Dieses traurige und einsame Gesicht Amerikas wurde auch in mehreren erfolgreichen Filmen dargestellt: Alfred Hitchcocks North by Northwest, Kevin Costners Dances with Wolves und Wim Wenders’ Paris, Texas sind Beispiele dafür. Letzterer hat sogar anlässlich der aktuellenAusstellung, die noch bis zum 20. September 2020 in der Fondation Beyeler zu sehen ist und die fünfundsechzig Werke von Edward Hopper aus den Jahren 1909 bis 1965 zeigt, einen 3D-Kurzfilm mit dem Titel Two or Three Things I know about Edward Hopper gedreht: eine persönliche Hommage an den amerikanischen Künstler durch eine Reise durch die Vereinigten Staaten auf der Suche nach Hoppers “amerikanischem Geist”. Der berühmte Filmemacher bereiste Amerika, um seine Eindrücke von dem Maler zu sammeln und ein filmisches Werk zu schaffen, in dem die berühmtesten Werke des Künstlers, wie Morning Sun oder Gas, in stimmungsvollen Momenten auf Film festgehalten werden, so dass der Zuschauer buchstäblich in die amerikanische Landschaft und die melancholische Szenerie, die in Hoppers Gemälden dargestellt sind, eintauchen kann. Weltweit bekannt vor allem für seine Szenen des städtischen Lebens in häuslichen Interieurs oder zumindest vor der Haustür und an öffentlichen Treff punkten, wo jedoch stets Stille und Monotonie wahrgenommen werden, wird der landschaftliche Aspekt seiner Kunst in Ausstellungen noch wenig thematisiert: Die umfangreiche Ausstellung, die die Fondation Beyeler diesem Thema gewidmet hat, ist daher nahezu einzigartig. Gleichzeitig hat das berühmte Schweizer Museum beschlossen, seinen Besuchern eine weitere Ausstellung zu bieten, die sich mit der Stille beschäftigt: Silent Vision . Die Bilder der Stille in der Fondation Beyeler beabsichtigen in der Tat, ihre Sammlung vomImpressionismus bis zur Gegenwart unter dem Thema der Stille abzudecken. Die Moderne als Zeitalter des Fortschritts, das von Bewegung und Geschwindigkeit geprägt ist, hat ein entgegengesetztes Verlangen nach Entschleunigung hervorgebracht, das sich künstlerisch in neuen Bildern der Stille und des Schweigens ausdrückt.

Edward Hopper, Gas (1940; Öl auf Leinwand, 66,7 x 102,2 cm; New York, The Museum of Modern Art)

Win Wenders, Two or three things I know about Edward Hopper (2020; fotogramma da film)

Win Wenders, Zwei oder drei Dinge, die ich über Edward Hopper weiß (2020; Ausschnitt aus einem Film)

Der 1882 in Nyack, einer Kleinstadt unweit von New York, geborene Edward Hopper besuchte kurz eine Illustratorenschule , bevor er an der New York School of Art Malerei studierte. Dort wurde er vor allem von Robert Henri beeinflusst, insbesondere von der Vorstellung, dass das alltägliche amerikanische Leben neue Themen für die Kunst liefern könnte, aber er lernte auch große Meister wie Diego Velázquez, Jan Vermeer, Francisco Goya und Édouard Manet zu schätzen, Künstler, die begonnen hatten, einen Einblick in die Realität zu geben. Später hält er sich in Paris auf, studiert in Museen und auf der Straße und macht sich zunächst die Prinzipien desImpressionismus zu eigen: Er wird von ihm in Bezug auf die sorgfältige Beobachtung und den Einsatz von Farben und Licht beeinflusst. Der Maler schuf hauptsächlich Ölgemälde, widmete sich aber auch der Radierung. Sein erstes Gemälde, das 1930 für die Sammlungen des neu gegründeten Museum of Modern Art angekauft wurde, war House by therailroad, in dem bereits die Merkmale seines Stils zu erkennen waren: klar umrissene Formen in leuchtenden Landschaften, eine Komposition, die auf einem fast filmischen Blickwinkel aufbaut, und ein Gefühl unheimlicher Ruhe. Einige Jahre später wurde Hopper in einer Ausstellung im MoMA für seinen unverkennbaren Stil gefeiert, in dem Städte, Landschaften und häusliche Interieurs von Stille und einem Gefühl der Entfremdung durchdrungen sind. Seine oft menschenleeren Szenen mit verlassenen Städten, leeren Tankstellen und ebenso leeren Eisenbahnen sind Symbole für Stille und Einsamkeit; wenn überhaupt, sind die Menschen nur selten in ihren eigenen Häusern zu sehen, sondern in Hotelzimmern, Bars oder Restaurants, immer eingehüllt in dieses entfremdende Gefühl der Ruhe.

Der Künstler und seine Frau Josephine Verstille Nivison, ebenfalls Künstlerin, verbrachten von den 1930er bis etwa in die 1950er Jahre jeden Sommer in Cape Cod, Massachusetts, wo sie ihr Haus besaßen: zahlreiche Gemälde spielen auf Cape Cod. Obwohl in einer Zeit des Wohlstands und des vorherrschenden Optimismus, zeigt seine Kunst weiterhin das starke Gefühl der Einsamkeit im Amerika der Nachkriegszeit. Bis zu seinem Tod im Jahr 1967 genoss Hopper jedoch den Erfolg des Publikums, das ihn zum führenden Vertreter der neuen Generation von Künstlern des amerikanischen Realismus wählte, der als Darstellung des Alltagslebens gewöhnlicher Menschen in einer zeitgenössischen Gesellschaft definiert wird.

Eines der berühmtesten Gemälde des Künstlers ist in Cape Cod angesiedelt: Cape Cod Morning. Das 1950 entstandene Werk, das sich heute im Smithsonian American Art Museum befindet, ist in zwei Teile gegliedert: rechts die Bäume, die im Hintergrund einen dichten Wald bilden, links ein weißes Haus mit grünen Fensterläden, an dessen Erkerfenster eine Frau im Profil mit nach vorn gebeugtem Körper steht; sowohl der Körper als auch der Blick der weiblichen Figur sind nach außen gerichtet, auf etwas, das der Betrachter nicht sieht. Man kann den Tisch erahnen, auf den sie beide Hände in angespannter Haltung stützt, eine Lampe und die Rückenlehne eines Sessels, aber der Maler verrät dem Betrachter nicht, wie er es zu tun pflegt, das Motiv, das der Frau so viel Aufmerksamkeit schenkt. Die weiblichen Figuren in Hoppers Gemälden sind seiner Jo, seiner Frau Josephine Nivison, nachempfunden. Wie viele andere Werke des Künstlers dokumentiert auch dieses einen Moment des Alltags, den der Betrachter jedoch nicht zu sehen bekommt und der ihn dazu verleitet, sich vorzustellen, was hinter der dargestellten Szene liegt. Wie der Dichter und Essayist Mark Strand in seinem Buch Edward Hopper. A Poet Reads a Painter (Ein Dichter liest einen Maler) fest: “Hoppers Bilder sind kurze, isolierte Momente der Beschreibung, die den Ton dessen andeuten, was ihnen folgt, ebenso wie sie den Ton dessen in den Vordergrund stellen, was ihnen vorausgegangen ist [...Je theatralischer, bühnenhafter sie sind, desto mehr fordern sie uns auf, uns vorzustellen, was als Nächstes passieren wird; je lebensechter sie sind, desto mehr fordern sie uns auf, die Erzählung dessen zu konstruieren, was zuvor geschehen ist”. Er fügt eine Aussage hinzu, die zu der Frau am Fenster passt: “Hoppers Menschen scheinen überhaupt keine Beschäftigung zu haben. Sie sind wie Figuren, die von ihren Drehbüchern verlassen wurden und nun, gefangen im Raum ihres eigenen Wartens, sich selbst Gesellschaft leisten müssen, ohne klares Ziel, ohne Zukunft”.

Edward Hopper, Cape Cod Morning (1950; Öl auf Leinwand, 86,7 x 102,3 cm; Washington, Smithsonian American Art Museum)

Edward Hopper, Second Story Sunlight (1960; Öl auf Leinwand, 102,1 x 127,3 cm; New York, Whitney Museum of American Art)

Edward Hopper, Lighthouse Hill (1927; Öl auf Leinwand, 73,8 x 102,2 cm; Dallas, Dallas Museum of Art)

Ähnliches gilt für das Protagonistenpaar in Second Story Sunlight, das Hopper in seinem letzten Lebensabschnitt, sieben Jahre vor seinem Tod, malte und das heute im Whitney Museum of American Art aufbewahrt wird: Auf dem Balkon eines Hauses sitzt eine Frau im Bikini auf dem Geländer und sonnt sich, während eine andere Frau die Zeitung liest und die Sonnenstrahlen genießt, die ihr Gesicht wärmen. Der Einsatz von Licht spielt hier eine zentrale Rolle: Die Fassaden der Gebäude sind vollständig von direktem Sonnenlicht erhellt und die dargestellten menschlichen Figuren profitieren davon. Unter den intensiven Sonnenstrahlen sind die Farben viel heller als in den schattigen Bereichen, insbesondere im umliegenden Wald, wodurch ein Spiel von Licht und Schatten entsteht.

Auf dem berühmten Gemälde Gas von 1940, das im Museum of Modern Art in New York aufbewahrt wird, hebt sich eine männliche Figur ab (und geht fast unter). Auch hier entsteht ein Nebeneinander von Licht und Schatten: auf der einen Seite die Undurchdringlichkeit des Waldes, der die Szene einrahmt, auf der anderen Seite das künstliche Licht, das von den Fenstern der Tankstelle kommt. Die drei Zapfsäulen stehen in der Mitte, und die Anwesenheit des Mannes trägt nichts zur Szene bei, seine An- oder Abwesenheit ist für die gesamte Komposition irrelevant. In Portrait of Orleans, einem Gemälde aus dem Jahr 1950, das in den Fine Arts Museums of San Francisco aufbewahrt wird, ist im Vordergrund das Schild einer Tankstelle in einer Kurve in den verlassenen Straßen von Orleans zu sehen. Eine Reihe von Gebäuden ist vor Bäumen abgebildet, und in der Ferne fährt nur ein Auto die Straße entlang. Ein Gefühl der Einsamkeit und Abwesenheit durchdringt auch das bebaute Gebiet der bekannten amerikanischen Stadt.

Edward Hopper, Porträt von Orleans (1950; Öl auf Leinwand, 66 x 101,6 cm; San Francisco, Fine Arts Museum of San Francisco)

Edward Hopper, Straße und Häuser, South Truro (1930-1933; Öl auf Leinwand, 68,4 x 109,7 cm; New York, Whitney Museum of American Art)

Edward Hopper, Cobb’s Barns, South Tru ro (1930-1933; Öl auf Leinwand, 74 x 109,5 cm; New York, Whitney Museum of American Art)

Edward Hopper, Cape Ann Granite (1928; Öl auf Leinwand, 73,5 x 102,3 cm; Privatsammlung)

Edward Hopper, Railroad Sunset (1929; Öl auf Leinwand, 74,5 x 122, cm; New York, Whitney Museum of American Art)

Edward Hopper, Lee Shore (1941; Öl auf Leinwand, 71,8 x 109,2 cm; Sammlung Middleton)

Edward Hopper, Square rock, Ogunquit (1914; Öl auf Leinwand, 61,8 x 74,3 cm; New York, Whitney Museum of American Art)

Menschliche Figuren verschwinden völlig in Hoppers typischen Landschaftsbildern, die Landschaften beschreiben, die dem Künstler sehr nahe stehen, wie zum Beispiel die Gemäldeserie im Whitney Museum of American Art rund um Truro, Cornwall, die Weiden mit den großen Granitfelsen von Cape Ann, Massachusetts, die Eisenbahnstrecken , die man in Amerika antrifft, die Hügel , auf denen ein weißer Leuchtturm steht.

Das Gemälde Cape Ann Granite, das zur Rockefeller-Sammlung gehörte und heute als Dauerleihgabe in der Fondation Beyeler zu sehen ist, schuf Hopper im Sommer 1928; in dieser Zeit entstanden auch zahlreiche Aquarelle, die die örtliche Landschaft darstellen. Steile grüne Weiden, die hier und da von großen Granitblöcken unterbrochen werden, fallen wahrscheinlich zum Meer hin ab, das rechts hinter dem Gemälde liegt. Das Werk zeigt ein großes Interesse an der Landschaft und an den Lichteffekten, die der Maler auf den Wiesen zu erzeugen vermag.

Das GemäldeRailroad Sunset im Whitney Museum of American Art hingegen basiert auf einer stimmungsvollen Verwendung von Farben, die horizontalen Linien folgen. Auf der linken Seite ist das kleine Signalgebäude der Eisenbahn zu sehen, das von einem hohen Telefonmast flankiert wird, und auf den grünen Hügeln färbt sich der Himmel rot, orange, gelb und mit blauen Farbtupfern - die Farben eines spektakulären Sonnenuntergangs am Horizont. Nach ihrer Heirat unternahmen Hopper und Josephine Nivison mehrere Zugreisen nach Colorado und New Mexico, und im Jahr 1929, dem Jahr, in dem der Künstler dieses Bild malte, reisten sie von New York nach Charleston, South Carolina, Massachusetts und Maine. Das Gemälde zeigt jedoch nicht einen bestimmten Ort, sondern die Weite und Leere der amerikanischen Landschaften, die das Paar auf seinen Reisen sicherlich gesehen hat.

Weniger bekannt, aber nicht weniger bedeutend sind Hoppers Meereslandschaften: nicht nur Hügel, Weiden und Straßen, sondern auch Meere, die von weißen Häusern überragt werden, deren weiße Segel sich entfalten und deren Wellen an den Felsen zerschellen, wie in Lee Shore von 1941 und Square Rock, Ogunquit, von 1914.

Edward Hoppers Landschaften verdienen es, besser bekannt zu werden, ebenso wie seine Szenen des städtischen Lebens, da sie eine Vorstellung vom wahren amerikanischen Geist vermitteln, der oft von Glanz und Prominenz verdeckt wird.

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