Die sinnliche und zweideutige Liebe zwischen dem Triton und der Nereide. Das Meisterwerk von Max Klinger

Selten findet man in der Malerei der Mitte des 19. Jahrhunderts Gemälde, die von einer so unmittelbaren, fast schamlosen Erotik durchdrungen sind wie Max Klingers Triton und Nereide , das berühmteste Gemälde des deutschen Künstlers, ein Werk, das auch heute noch einen gewissen Erfolg hat. Das Gleiche kann man von seinen anderen Werken nicht sagen, obwohl Klinger zu seiner Zeit ein berühmter Künstler war (auf dem Niveau eines Klimt, nur um einen Vergleichsmaßstab zu geben): seine Werke gaben Anlass zu Diskussionen, seine Stiche waren überall im Umlauf, seine Ideen inspirierten Legionen jüngerer Künstler, angefangen bei Giorgio de Chirico, der ihm viel verdankt. Dann fiel ein Vorhang über seine Person, der in Italien durch die ihm gewidmete Ausstellung im Palazzo dei Diamanti in Ferrara 1996 teilweise gelüftet wurde: Dennoch gehört Klingers Name immer noch zu denjenigen, die es schwer haben, sich in der breiten Öffentlichkeit einen Namen zu machen. Seine Malerei hat jedoch ein Schicksal, das nur wenige andere berührt: Sie gehört zu denen, die sich einprägen, die im Gedächtnis haften bleiben, die unauslöschliche Spuren in den Köpfen und Seelen derjenigen hinterlassen, die sie bewundern. Nehmen Sie einen beliebigen Besucher der Galerie für Moderne Kunst im Pitti-Palast, wo das Gemälde seit einigen Jahren vom Institut Villa Romana in Florenz (das übrigens von Klinger selbst gegründet wurde) aufbewahrt wird, und bitten Sie ihn, fünf beliebige Werke zu nennen, die ihn beeindruckt haben. Man kann darauf wetten, dass der maritime Verkehr zwischen den beiden mythologischen Wesen zu den am häufigsten wiederkehrenden Bildern gehören wird.

Zweifellos ein Verdienst der Überraschung, die das Gemälde auslöst: Nach einem Korridor, in dem der Besucher zumeist Abfolgen von Landschaften, Porträts und Innenraumszenen sieht, wirkt Klingers Meeresgemälde wie ein plötzlicher, klingender, dissonanter Tempowechsel in einem klassischen Musikkonzert. Und das liegt vor allem an der beschwörenden Unmittelbarkeit der leidenschaftlichen Umarmung zwischen dem Triton und der Nereide, der Meeresnymphe, inmitten der Wellen einer rauen See. Klinger entscheidet sich dafür, die Horizontlinie sehr hoch zu halten, in geringer Entfernung vom oberen Bildrand, wobei er jeden Versuch einer kompositorischen Ausgewogenheit beiseite lässt und sich über alle akademischen Normen hinwegsetzt, um den Moment der Leidenschaft zwischen den Meeresbewohnern hervorzuheben. Eine Andeutung des wolkenverhangenen Himmels in der Ferne und dann die Weite des Meeres: Die beiden Gestalten tauchen inmitten der Wogen auf und lassen sich vom Wasser mitreißen, ohne auf die Wucht der Wellen zu achten, ein deutlicher Hinweis auf die überwältigende Ungestümtheit ihrer Leidenschaft. Klinger stellt sich die Nereide als Meerjungfrau vor: Auf dem Rücken liegend wird sie von der Seite aufgenommen, und wir bewundern die zarten Rosatöne ihres weichen Teints, wir verweilen auf dem Arm, der sich um seinen Hals schlingt, auf dem roten, vom Wasser benetzten Haar, wir sehen ihren schuppigen Schwanz, der sich um das Gesäß des Tritons windet, dessen Beine wiederum in Fischschwänzen enden. Der Triton, ein rabenschwarzer Jüngling mit olivfarbenem Teint, schließt die Augen, nachdem er den Mund der Nereide gefunden hat, presst seine Lippen auf die ihren, drückt seine Brust an die Brust der Nymphe, stützt sich mit der linken Hand auf ihren Schwanz, unbekümmert um die Wellen, mitgerissen von der Leidenschaft, brennend, lebendig, verführt.

Auf den ersten Blick erscheint Klingers Szene wie eine Liebesidylle zwischen zwei Meeresbewohnern, sie spricht von einer Leidenschaft, die nicht weniger stark ist als die an Land vollzogene, und könnte an die mythologische Episode der Liebe zwischen Glaucus und Scylla erinnern, zwischen dem Sohn des Poseidon und der schönen Najade, die mit ihrer Verwandlung in das schreckliche Ungeheuer, das sich in den Höhlen der Straße von Messina versteckt, durch den Neid der Zauberin Circe tragisch endete. Die symbolistische Mehrdeutigkeit des Gemäldes des deutschen Künstlers offenbart jedoch weitere, weniger beruhigende Bedeutungen: Das beunruhigend gerötete Auge der Nymphe und das raue Meer selbst könnten auf das trügerische Wesen der Sirene anspielen, auf die Risiken, die jeder eingeht, der sich von ihr umarmen lässt, auf die Gefahren ihrer tödlichen Verführung. Das düstere Licht des Himmels und die Wolken, die sich über dem Horizont zusammenziehen, verstärken dieses Gefühl des Aufruhrs. Die Umarmung erscheint uns dann wie ein energischer und unauflöslicher Griff, der Schwanz wie ein Tentakel, der bereit ist, das Opfer zu umklammern, die scheinbare Verlassenheit der Nymphe wird zur Haltung der Sirene, die bereit ist, ihren Geliebten in den Abgrund zu ziehen, auch wenn er sich gegen den Versuch wehrt, sich zu befreien, und versucht, mit der linken Hand auf den Schwanz zu drücken.

Zu Klingers Zeiten fand das Kunstpublikum das Thema der Doppelzüngigkeit der Frau besonders faszinierend, es war fasziniert von der unentzifferbaren Zweideutigkeit des weiblichen Temperaments. Ganz neu war das Thema in der deutschen Kunst jener Zeit nicht: Arnold Böcklin hatte bereits in den 1870er Jahren einige Tritonen- und Sirenenbilder geschaffen, über die sich die Kritiker lange gewundert hatten. In Böcklins und Klingers Bildern zeigt sich die Faszination für Meereswesen, die Heinrich Heine in seinem Elementargeist über die Nixen, nixenähnliche Wesen aus der nordischen Mythologie, beschreibt: "Es ist etwas Geheimnisvolles an den Handlungen der Nixen. Man kann sich viele süße Dinge und gleichzeitig viele schreckliche Dinge unter Wasser vorstellen. Die Fische, die einzigen, die etwas wissen können, schweigen. Oder schweigen sie aus Vorsicht? Fürchten sie grausame Strafen, wenn sie die Geheimnisse des stillen Wasserreichs verraten? Klingers Gemälde scheint eine ikonografische Übersetzung von Heines Worten zu sein, ein Bild, das das dunkle, unergründliche, rätselhafte Temperament der Meerjungfrauen wirksam vermittelt.

Interessant ist unter anderem, dass es in der klassischen Mythologie keine Liebe zwischen Wassermännern und Nereiden gibt. Die Leidenschaft, an der sich die beiden Wesen entzünden, ist eine Erfindung Klingers, der zur Zeit der Entstehung seines Meisterwerks in Italien, in Florenz, lebte, zur gleichen Zeit, als Gabriele d’Annunzio in der Capponcina weilte, und zu einer Zeit, als auch Böcklin die Toskana besuchte. Normalerweise denken wir an die Kultur von D’Annunzio als Inspirationsquelle für die bildende Kunst, aber manchmal ist auch das Gegenteil der Fall. Wir wissen nicht, ob und inwieweit D’Annunzio Klinger und Böcklin besucht hat, aber die Figuren, die seine panischen Bilder bevölkern, die mythologischen Gestalten, die sich in seinem Alcyone in den Gewässern des Tyrrhenischen Meeres bewegen, sind die gleichen Tritonen und Nereiden, die in den Gemälden der deutschen Symbolisten schwimmen, wenn auch ohne dieEs handelt sich um Figuren, die eher einer Elegie als einer Tragödie entstammen und eher dazu dienen, das Bild einer Versilia als ein Land der Träume zu komponieren, das dem Griechenland des Mythos ähnelt. “Ellas liegt zwischen Luni und Populonia”, lesen wir in einem der Sonette von La corona di Glauco, einem der zentralen Abschnitte vonAlcyone, wo wir auch ein anderes Sonett lesen, in dem eine Bacchantin vor Leidenschaft für einen Tritone zittert, dem sie sich hingeben will (“Tritone, ich bin dein azurblaues Weibchen: / Salsa com’alga è la mia lingua; entrambe / Le gambe squama sonora mi serra”). D’Annunzio hatte ein traumhaftes Versilia erfunden, so wie Klinger eine Fantasieliebe erfunden hatte, die heute in den Gängen des Palazzo Pitti lebendig ist: Das Florentiner Museum hat das Werk als Depositum von dem Künstlerhaus erhalten, das Klinger 1905 mit der Idee gegründet hatte, einen Preis an vielversprechende junge Deutsche zu vergeben, der ihnen einen Studien- und Arbeitsaufenthalt in Italien garantierte. Das Gemälde kam 1976 in die Villa Romana, gestiftet von der Familie König zum Andenken an Klinger selbst. Das freieste Meisterwerk, das sinnlichste Gemälde, die originellste Erfindung als Hommage an den Gründer des Künstlerhauses.

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