Die Nymphe von Piero di Cosimo: eine Elegie auf einer Tafel

by Federico Giannini (Instagram: @federicogiannini1), published on 26/09/2015
Categories: Werke und Künstler / Disclaimer

Jedes kunsthistorische Lehrbuch, das die Figur des Piero di Cosimo (1462 - 1522) beschreibt, verschweigt gewiss nicht seine exzentrische und, wie Federico Zeri hinzufügte, unkonventionelle Natur: Sie alle berichten von den Merkwürdigkeiten und Macken seines Charakters. Wenn man jedoch vor einigen seiner Gemälde verweilt, vergisst man fast, was man in den Lehrbüchern gelernt hat: Man wird Zeuge eines lebhaften Kontrasts zwischen der Härte des Temperaments des Künstlers und der unglaublichen Raffinesse einiger Figuren, verbunden mit derEleganz vieler Kompositionen. Und in diesem Sinne ist einer der Höhepunkte von Pieros Poetik ein Gemälde, das derzeit in der National Gallery in London aufbewahrt wird und dem italienischen Publikum ein letztes Wochenende lang während der Ausstellung Piero di Cosimo. Exzentrischer Maler zwischen Renaissance und Manierismus in den Uffizien.

Es ist ein Werk von seltener Schönheit, eineElegie, die die Form einer Tafel annimmt und in Farbe umgesetzt wird, eine melancholische Lyrik, die zu einem Ölgemälde wird. Es handelt sich um eine melancholische Lyrik, die zu einem Ölgemälde wird. Das Gemälde zeigt eine ermordete Nymphe, die von einem Satyr über einer Wiese eingepflanzt wird, die mit der für die Florentiner Maler des 15. Dass es sich nicht um einen natürlichen Tod handelt, zeigt die Schnittwunde am Hals, aus der noch Blut strömt, ein Zeichen dafür, dass die Tötung erst vor kurzem stattgefunden hat. Wir sind daran gewöhnt, uns Satyrn vorzustellen, bestialische Kreaturen, halb Mensch, halb Ziege, die immer ihren ungesunden, wilden Trieben erliegen. Aber dies ist eine der seltenen Ausnahmen: Es ist einer der menschlichsten Satyrn in der gesamten Kunstgeschichte. Ja, vielleicht ist er sogar der menschlichste. Seine Traurigkeit ist lebendig, sie ist spürbar: nicht nur wegen seines trostlosen Blicks, jenes typischen Ausdrucks eines Menschen, der aussieht, als würde er jeden Moment in Tränen ausbrechen. Auch, und vielleicht vor allem, durch seine Gesten: mit der linken Hand berührt er die Nymphe an der Schulter, um sie besser zu sehen. Oder vielleicht, um sie zu wecken, als wolle er sich nicht mit ihrem Verlust abfinden. Mit der anderen entfernt er zart ihre Halskrause, um ihr Gesicht freizulegen: man spürt die ganze Leichtigkeit dieser letzten Liebkosung, die der Satyr der Nymphe in ihrer Verzweiflung zukommen lassen will. Diese Geste, die beredter ist als ein Buch, genügt, um die Traurigkeit des Augenblicks zu vermitteln.

Piero di Cosimo, Satyr, der den Tod einer Nymphe betrauert (um 1495-1500; London, National Gallery)

Doch Piero di Cosimo möchte, dass die gesamte Natur an dem traurigen Schicksal der armen Nymphe teilhat. So hat der Hund auf der rechten Seite einen niedergeschlagenen Blick und einen gesenkten Kopf: Das Tier demonstriert so seine Gefühle. Das Gleiche gilt für die Hunde im Hintergrund. Und auch für die Vögel: Der Pelikan symbolisiert das Opfer, denn in der Antike glaubte man, dass diese Vögel sich die Brust aufreißen, um ihre Jungen zu ernähren, während die Reiher, die wir im Flug sehen, ein Symbol für das Weinen sind, denn nach einer Passage in der Naturalis historia von Plinius dem Älteren sollen Reiher Tränen aus Blut weinen(mares quidem cum vociferatu sanguinem etiam ex oculis profundunt, “die Männchen, die schreien, weinen auch Blut aus ihren Augen”: die Behauptung ist jedoch nicht wissenschaftlich begründet).

Piero di Cosimo (zugeschrieben), Traum eines Kriegers, Detail der liegenden weiblichen Figur (um 1495-1500; Florenz, Galerie der Uffizien, Kupferstichkabinett; Inv. 1257 E)

Was den Stil betrifft, so haben wir bereits erwähnt, dass das Gemälde ein außergewöhnlich gutes Beispiel für die Raffinesse ist, die Piero di Cosimo zu erreichen vermochte. Die Schärfe, mit der die Gefühle der Figuren wiedergegeben werden, offenbart die analytischen Fähigkeiten des Malers. Die ideale Schönheit der Nymphe, die fast im Kontrast zu dem Nebel steht, der im Hintergrund das Dorf mit Blick auf den idyllischen See bedeckt, bietet eine Synthese des florentinischen Charakters des Künstlers und seines Interesses an der flämischen Landschaft, auch im Lichte der Eroberungen der Luftperspektive durch Leonardo da Vinci, einem wichtigen und konstanten Bezugspunkt für Piero di Cosimo. Eine flämische Lektion, die nach den Worten von Mina Bacci in diesem Gemälde “durch die Luftperspektive, die das Wasser, das Land und den Himmel in verschiedene Blautöne hüllt und die Leonardo, der aus Milano zurückkehrte, vor kurzem in Florenz wiederentdeckt hatte, im Hintergrund gemildert und verwässert wird”. Dieses Interesse an Leonardo war auch eine wichtige Grundlage für die Datierung des Werks, die in der Nähe von Leonardos Rückkehr in die toskanische Hauptstadt im Jahr 1501 liegen dürfte. Bei näherer Betrachtung des Werkes fallen zwei weitere interessante Details auf. Erstens: Man kann die zugrunde liegende Zeichnung deutlich erkennen, insbesondere an den Körpern der Figuren. Außerdem scheint es, dass wir in dem wenigen, was von Pierosgrafischem Werk erhalten ist (oder ihm zugeschrieben werden kann), zwei Zeichnungen aufspüren können, die wahrscheinlich Präzedenzfälle für das Werk darstellen: In beiden sehen wir Figuren, die mehr oder weniger in der Pose der Nymphe in der Nationalgalerie liegen. Eines der beiden Gemälde befindet sich im Gabinetto dei Disegni e delle Stampe in den Uffizien, das andere im British Museum in London. Beide wurden in der Uffizien-Ausstellung ausgestellt, um einen interessanten Vergleich mit dem Gemälde zu ermöglichen. Das zweite interessante Detail zeigt uns, wie der Maler die Farben des Himmels behandelt hat, um die verschiedenen Abstufungen zu erzeugen: Er hat sie mit seinen Fingern vermischt, und es ist tatsächlich möglich, die Fingerabdrücke des Künstlers in den Blautönen des Himmels zu sehen.

Piero di Cosimo (zugeschrieben), Liegende Frau in einer Landschaft und zwei Aktfiguren (um 1495-1500; London, British Museum; Inv. 1902.0822.6)

Detail des Körpers der Nymphe

Der Himmel im Gemälde, mit den Fingerabdrücken des Malers

An dieser Stelle wird sich der Leser sicherlich die Frage stellen, welche Bedeutung diesem Gemälde beizumessen ist. Bis vor nicht allzu langer Zeit waren sich die Kunsthistoriker nahezu einig, dass diese Szene mit der Geschichte von Cephalus und Procri in Ovids Metamorphosen zusammenhängt. Cephalus war ein schöner junger Mann, der mit Procri verheiratet war: Eos, die Göttin der Morgenröte, verliebte sich jedoch in ihn und wollte ihn um jeden Preis haben. Aus diesem Grund beschloss sie, Cephalus in Zweifel zu ziehen, dass Procri ihn betrügt, und der junge Mann, von der Göttin angestachelt, ersann eine List, um die Untreue seiner Frau zu beweisen. Der Test war erfolgreich, und seine Frau floh in Schande: Procri gelang es jedoch, von der Göttin Artemis einen unfehlbaren Speer und einen Hund, der jede Beute fangen konnte, geschenkt zu bekommen, um sie Kefalus zu schenken, in der Hoffnung, sein Herz zurückzugewinnen. Kefalus nahm das Geschenk an, und die beiden schlossen Frieden, aber während eines Jagdausflugs versteckte sich Procri, die immer noch nicht ganz davon überzeugt war, dass Kefalus nicht in Eos verliebt war, hinter einem Busch, um einen Beweis für den Verrat ihres Mannes zu haben. Kephalos hielt Prokri jedoch für eine Beute, warf seinen Speer nach ihr und tötete sie aus Versehen und zu seiner großen Verzweiflung.

Hier: Man dachte, dies sei der Mythos, der auf dem Gemälde von Piero di Cosimo dargestellt ist. Es gibt jedoch mehrere Ungereimtheiten. Der Hund ist zwar vorhanden, aber es fehlt der Speer, das Laub, hinter dem sich Procri versteckt haben soll und das Teil der ikonografischen Tradition der Geschichte ist, und natürlich fehlt auch Cephalus, der kein Satyr, sondern ein schöner Mann war. Der Faun kommt jedoch in der Fabula di Cefalo vor, einem Theaterstück von Niccolò da Correggio, das den ovidischen Mythos umarbeitet (und im Übrigen ein glückliches Ende hinzufügt) und am 21. Januar 1487 am Hof von Ferrara zu Ehren der Hochzeit zwischen Lucrezia d’Este, Tochter des Herzogs von Ferrara Ercole I., und Annibale II. Die Hypothese, die Fabula von Cephalus als Quelle für Piero di Cosimos Tafel zu identifizieren, erschien einigen jedoch schwach: Die einzige Verbindung wäre die Figur des Fauns, da wir weder wissen, ob Piero das Werk wirklich kannte, noch, ob er Beziehungen zum Umfeld von Ferrara hatte. Auch wenn der Text des Werks von Niccolò da Correggio nicht sagt, wem wir die Entdeckung der Leiche von Procri zu verdanken haben, die Piero offenbar dem Faun zuschreibt. Kurzum, ob auf wackligen Füßen stehend oder nicht, solche Verbindungen wurden als ausreichend angesehen, um die Geschichte zu identifizieren: zumindest bis 1951, als der Kunsthistoriker Martin Davies, der einen Katalog der Gemälde der italienischen Schulen in der National Gallery erstellte, zum ersten Mal die traditionelle Identifizierung der gemalten Subjekte als Protagonisten des Cephalus- und Procri-Mythos verwarf. Eine andere Identifizierung wäre jedoch nicht vorgeschlagen worden, aber heute ziehen es nicht wenige vor, dass das Gemälde von dieser Aura der Ungewissheit umhüllt ist: So sehr, dass die Ausstellung über Piero di Cosimo in den Uffizien das Gemälde genau unter dem Titel Satyr, der den Tod einer Nymphe betrauert präsentiert.

Angesichts des Formats der Tafel und der angeblich erzählten Episode (die eine Art Aufforderung zur Treue für zwei junge Ehepaare darstellen könnte) haben die Kunsthistoriker das Werk immer als wahrscheinliches Hochzeitsgeschenk betrachtet. Auf der Rückseite des Gemäldes befindet sich das Wappen der Adelsfamilie Guicciardini, einer der bedeutendsten in Florenz. Es handelt sich um ein Wappen, das zu einem späteren Zeitpunkt angebracht wurde, als das Werk gemalt wurde, was jedoch davon zeugt, dass das Werk, bevor es 1862 in die Nationalgalerie gelangte, Teil der Guicciardini-Sammlung war. Es wurde daher spekuliert, dass das Werk anlässlich der Hochzeit eines Familienmitglieds entstanden sein könnte, vielleicht als Dekoration für ein Spalier, aber die ursprüngliche Geschichte des Gemäldes bleibt bis heute unbekannt, und man kann sich nur im Bereich der Hypothese bewegen.

Was hier bekannt und berühmt ist, ist nur die außergewöhnliche Eleganz eines der faszinierendsten Maler der Kunstgeschichte, dessen Modernität und Raffinesse vielleicht von Vasaris Schilderungen überschattet wurde, wonach sein Witz “so abstrakt und unähnlich” sei, dass die Tugend “schön” mache. Aber, wie gesagt, wenn man einem Maler begegnet, der die Natur so sehr liebte, dass er sie mit Kraft und Bewegung an einem tragischen Ereignis teilhaben ließ, kann man nur über die große Sensibilität von Piero di Cosimo und seine Fähigkeit nachdenken, mit Fingern und Pinsel wahre Gedichte zu schaffen.

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