Die Metamorphose von Kreation und Wahrnehmung in den neuen Technologien der Kunst

In diesem Text geht es um die Verbindung zwischen Kunst und Technologie. Und ich spreche von der Technologie, die das künstlerische Schaffen wirklich ermöglicht. Technologie als Protagonist, Begleiter und gleichzeitig unverzichtbares Werkzeug im kreativen Prozess zeitgenössischer Künstler. Manche Kunstwerke werden aus Codes und Pixeln geboren und fordern den Betrachter heraus.

Darüber habe ich in meinem Vortrag im vergangenen September bei Futura Seoul, einer Kunstgalerie in Seoul, Südkorea, gesprochen. In den 1960er Jahren schuf Billy Klüver (München, 1927 - New Jersey, 2004), ein schwedischer Kurator und Visionär, Experiments in Art and Technology (EAT), ein revolutionäres Projekt, das Künstler, Wissenschaftler und Technologen zusammenbrachte. Durch die Zusammenarbeit mit den Bell Laboratories in New Jersey, die an der Spitze ihrer revolutionären Entdeckungen und Erfindungen standen, konnten die Künstler mit zuvor unzugänglichen Technologien experimentieren. Dies ermöglichte ihnen, ihre Kreativität zu erweitern.

Ich lernte Klüver während meines Studiums kennen und wurde von seiner Arbeit beeinflusst. Das Konzept war klar: Wenn es dem Ingenieur gelungen war, den EAT zu schaffen, könnten wir heute etwas Ähnliches entwickeln. Und aus dieser Überlegung heraus entstand das Projekt NEAT. Eigentlich entstand die Idee nach der Teilnahme an einer von EAT inspirierten Konferenz, obwohl die Wurzeln meines Interesses in den Schriften des Soziologen Marshall McLuhan (Edmonton, 1911 - Toronto, 1980) lagen. Ich zitiere insbesondere McLuhans Understanding Media aus dem Jahr 1964, ein Werk, in dem er die Fähigkeit der Kunst betont, den sozialen und technologischen Wandel vorwegzunehmen. Dem Soziologen zufolge fungiert die Kunst als ein Warnsystem, das uns auf zukünftige Veränderungen vorbereitet. Kunst hat nicht nur mit Ästhetik zu tun, sie wird zu einer wesentlichen Wahrnehmungsschulung. Ebenfalls 1964 baute der Künstler Nam June Paik (Seoul, 1932 - Miami, 2006) den Roboter K-456 und stellte damit die traditionelle Vorstellung vom Fernsehen als passivem Medium in Frage. Paik verwandelte das Fernsehen in Kunst und nutzte Satellitenübertragungen, um Werke zu schaffen, die Menschen auf der ganzen Welt miteinander verbinden. In den späten 1990er und frühen 2000er Jahren traf ich Paik, und seine Worte beeinflussten mein Denken: Paik war der Ansicht, dass Technologie nicht auf Unterhaltung beschränkt sein sollte, sondern ein Werkzeug sein sollte, um poetisches Potenzial freizusetzen und den Dialog zwischen den Kulturen zu fördern. Diese Vision ist auch heute noch relevant, wenn man die neuen Perspektiven betrachtet, die das Internet, die Blockchain, die künstliche Intelligenz und die erweiterte Realität bieten. Darüber hinaus betonte Paik häufig das Potenzial der Technologie, Menschen auf einer tieferen Ebene zu verbinden - ein Ziel, das seiner Meinung nach noch nicht vollständig erreicht wurde.

Ich glaube, dass die ständige Weiterentwicklung der Technologie auch zeigt, wie die Zukunft oft aus Elementen der Vergangenheit hervorgeht. Im Jahr 2000 kuratierte ich meine erste Ausstellung in Seoul, inspiriert von Paik. In Seoul faszinierten mich die riesigen elektronischen Bildschirme der Stadt, damals eine Seltenheit in europäischen Metropolen. In Zusammenarbeit mit Paik und anderen Künstlern wie Christian Boltanski, Pipilotti Rist und Arthur Jafa konzipierte ich eine Ausstellung, die große, eklektische Plakatwände nutzte, um ein großes Publikum zu erreichen. Das Ergebnis? Ein Durchbruch, der die Grenzen der traditionellen Galerien sprengte. Diese Jahre waren auch ausschlaggebend für meine Begegnung mit dem Wissenschaftler Heinz von Foerster (Wien, 1911 - Pescadero, 2002), der damals bereits in seinen Neunzigern war. Als führende Persönlichkeit der Kybernetik war von Foerster einer der Architekten der kybernetischen Bewegungen zweiter Ordnung. Seine Karriere, die in den 1940er Jahren begann, fand ihren Höhepunkt in den 1960er Jahren mit der Entwicklung der “zweiten Kraft der automatischen Anwendung”. Ein zentraler Aspekt seiner Theorie war die Betrachtung des Beobachters als wesentliches Element des Systems, das im Zentrum jedes kreativen und wissenschaftlichen Prozesses steht. Nach Ansicht des Wissenschaftlers ist der Mensch nicht einfach ein äußeres Wesen des Systems.

Ich habe mich in zahlreichen Ausstellungen mit diesem Thema beschäftigt, aber 2006 beschloss ich, mich stärker auf ein einziges Institut zu konzentrieren. Zuvor habe ich hauptsächlich für das Musée d’Art Moderne in Paris als Wanderkuratorin gearbeitet. Seit 2006 bin ich Ko-Direktorin und künstlerische Leiterin der Serpentine Gallery. Von dort aus habe ich begonnen, darüber nachzudenken, wie man Technologie tiefer in eine Kunstinstitution integrieren kann. Später hielt ich in Marrakesch einen TEDx-Vortrag über die Rolle der Technologie in Museen. Nach der Veranstaltung unterhielt ich mich mit John Nash, einem Technologieexperten, der seine Besorgnis darüber zum Ausdruck brachte, dass sich Kultureinrichtungen nicht ausreichend auf Technologie und Museen konzentrieren. Diese Diskussion zeigte eine klare und besorgniserregende Realität auf: Vielen Museen fehlte ein CTO oder Chief Technology Officer, eine Funktion, die heute in jeder Organisation unverzichtbar ist. Aber warum? Und was genau ist die Rolle eines CTO in einer Organisation?

Der Chief Technology Officer hat die Aufgabe, die in das Unternehmen zu integrierenden Technologien zu identifizieren, zu analysieren und dem Vorstand zu präsentieren, um die Geschäfts- und Produktionsprozesse zu optimieren. Wie ist es möglich, dass jedes Unternehmen einen Chief Technology Officer hat, während große Museen keinen haben?

Zu dieser Zeit war John Teil einer Gruppe von Künstlern, Kritikern und Kuratoren in London. Zu ihnen gehörte Ben Vickers, ein visionärer Technologe, zusammen mit anderen Künstlern, Schriftstellern und brillanten Köpfen. Es wurde schnell klar, dass Vickers mit seinem soliden Hintergrund und seinem Wunsch, Technologie in Institutionen einzubringen, die richtige Person für die Rolle des CTO war. Zunächst wurde er von mir eingeladen, die Rolle des Technologiekurators zu übernehmen, später wurde er zum Chief Technology Officer ernannt, mit der Aufgabe, eine eigene Abteilung zu schaffen.

Es wurden zwei Ziele gesetzt: Das erste war, einen CTO zu haben. Das zweite Ziel bestand darin, eine Abteilung mit eigenen Befugnissen zu schaffen. Heute hat die Abteilung sechs Mitglieder, darunter fünf digitale Kuratoren, und eine Struktur zur Organisation von Ausstellungen und Veranstaltungen. Meine Vision zielt auf eine harmonische Integration von Technologie und Kunst ab, ohne dass eine Abschottung erfolgt. Jede Ausstellung enthält digitale Elemente, wie meine zehnjährige Zusammenarbeit mit dem Künstler Refik Anadol (Istanbul, 1985), einem Experten für künstliche Intelligenz, zeigt. Heute verwandeln die Werke verschiedener Konzeptkünstler Galerien in immersive Ökosysteme. Die Bilder entstehen durch die Gehirnaktivität von Menschen, die aufgefordert werden, sich bestimmte Szenarien vorzustellen, und werden durch die Interaktion mit den Besuchern ständig umgestaltet. Im Gegensatz zu herkömmlichen Ausstellungen, bei denen die Objekte statisch im Raum verbleiben und es ihnen an Dynamik fehlt, werden Kunstwerke in diesem Kontext zu lebenden Organismen, die auf das zeitgenössische System reagieren und sich diesem anpassen können. Seit 2012 haben wir im Serpentine eine Abteilung für Kunst und Technologie eingerichtet, in der inzwischen fünf Kuratoren tätig sind. Dies ermöglicht es uns, mit künstlicher Intelligenz zu arbeiten, sie zu zeigen und Videospiele zu entwickeln. Zu den jüngsten Beispielen gehören Gabriel Massan, kuratiert von Tamar Clark Brown, und The Call von Holly Herndon und Matt Dryhurst, kuratiert von Eva Jager.

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