Die Malerei von Matteo Pannocchia, zwischen Langsamkeit und Leichtigkeit

Nach buddhistischer Auffassung findet das Grundgesetz des Universums in jedem einzelnen Lebewesen seine Manifestation. “Alle Lebensformen”, sagt Daisaku Ikeda, der zu den einflussreichsten buddhistischen Meistern unserer Zeit zählt, “sind keine isolierten Elemente, sondern in die kosmische Lebenskraft integriert. Anders ausgedrückt: Der Teil ist das Ganze und das Ganze ist der Teil. Menschen und nicht-menschliche Natur sind integrale Bestandteile derselben kosmischen Lebenskraft. Sie sind einzigartig in ihren individuellen Eigenschaften und ein Ganzes im Sinne einer Symbiose. Sie sind untrennbar miteinander verbunden”. Das Echo östlicher Philosophien und Spiritualität hallt in der bildnerischen Produktion von Matteo Pannocchia wider, einem jungen Künstler aus Leghorn, der im Alter von dreißig Jahren eine Vision, eine Erkennbarkeit und ein Bewusstsein für die eigenen Mittel entwickelt hat, am Höhepunkt eines unsteten und verschlungenen Weges, der dem Experimentieren gewidmet ist, aber konsequent in seinem scheinbaren Fehlen jeglicher Linearität. Der 1990 geborene Pannocchia hat am Kunstinstitut von Pisa Grafik studiert und sich später der Malerei zugewandt, die er dann beiseite legte, wieder aufnahm und an der Kunstakademie von Carrara vertiefte.Akademie der Schönen Künste in Carrara und dann in Bologna, dann macht er wieder etwas anderes, beschließt, parallel offene Projekte an ganz anderen Fronten zu entwickeln (er ist auch Musiker und produziert mit seinem Alter Ego De Skape Studio Beats , die sich aus Hip Hop, Soul und Ambient-Musik speisen: Unnötig zu erwähnen, dass seine Tracks wie Übersetzungen seiner Gemälde in Noten klingen). Die Flamme der Malerei brennt jedoch weiter. Sie lässt sich nicht zähmen, sie kann nicht ausgelöscht werden. Das ist es, was jedem echten Maler widerfährt. Und zumindest in den letzten zwei oder drei Jahren erlebt der Künstler aus Livorno eine Periode reichhaltiger und brillanter Produktivität.

Matteo Pannocchia führt die Ursprünge seiner Malerei auf Notorious B.I.G. zurück: Rap-Musik gehörte schon immer zu seinen Hörern, und so beschloss er, das erste Gemälde seiner Karriere einem der bedeutendsten Rapper der Geschichte zu widmen, dem Meister der Hip-Hop-Szene der Ostküste der 1990er Jahre, der im Alter von 27 Jahren ermordet wurde. Die kleine Leinwand, mit der alles begann, befindet sich noch immer in Cobwebs Studio, etwas versteckt: Es ist ein Porträt, das auf dem vielleicht berühmtesten Foto von Notorious B.I.G. basiert, der Aufnahme von Barron Claiborne, die ihn wenige Monate vor seinem Tod von vorne zeigt, den Blick grimmig, aber stumpf, die Goldkette um den Hals, auf dem Kopf die Krone, die “auf seinen Dreiundzwanzigern” sitzt, wie man vor ein paar Jahrzehnten gesagt hätte. Pannocchia weicht die Töne des Fotos auf, reinigt, verblasst, verwässert alles und legt eine undurchsichtige Patina über das Bild des Rappers, die ihn menschlicher und zugleich entfernter erscheinen lässt, eine Art Geist. Dies ist Matteo Pannocchias erstes erklärtes Werk, eine Probe, ein Test, der vielleicht ohne großes Nachdenken durchgeführt wurde: Dennoch kann man schon in Nuancen die Entwicklung seiner Malerei erahnen, die aus gedeckten und gedämpften Tönen, aus flüchtigen und nebulösen Kompositionen, aus losen und leichten, fast grafischen Zeichen besteht (Pannocchias Malerei wird, das muss man betonen, von einer reichhaltigen grafischen Produktion unterstützt, die Gemälde gehen oft von Zeichnungen aus, die ebenfalls recht aufwendig sind: Der junge toskanische Künstler trägt die gesamte Tradition seiner Heimatregion in sich).

Von da an war es ein ständiges Experimentieren, bis er zu dem gelangte, was heute seine Malerei ist, eine Ölmalerei, die mit langsamen Arbeitsrhythmen erzielt wird: Das mag als Widerspruch zu einer Kunst erscheinen, die eher instinktiv und gestisch wirkt, aber ohne Langsamkeit würden die Bilder von Matteo Pannocchia nicht existieren. “Langsamkeit”, erklärt er, “verstehe ich als Rhythmus und Prozess. Langsam’ nicht in dem Sinne, dass man sich in seiner Komfortzone verschließt: Nach meiner persönlichen Erfahrung ist es Wachstum, Geduld und das Verfolgen des eigenen Weges”. Und er fügt einen Satz hinzu, den er sich auf sein Handy gepinnt hat: “Säen und gießen, dann kommt wohl oder übel etwas dabei heraus”. In seinem Fall hat die Ernte schon vor einiger Zeit begonnen, reife Früchte zu tragen. Zu den ersten Anzeichen dieser Reife gehört ein Gemälde mit dem Titel Better to stay outside: Eine scheinbar banale Szene, ein Mädchen, das im Garten ihres Hauses sitzt, ihr Hund auf dem Rasen, der auf das Gebäude im Hintergrund zugeht, ein Baum hinter dem Zaun der Nachbarn, scheint von all der Unruhe durchdrungen, die sich hinter dem resigniertesten Alltag verbirgt. Der Blick des Mädchens verliert sich in der Leere, der Garten sieht aus wie ein saurer See, der Himmel ist violett gefärbt, das Haus hat unwirkliche Proportionen, der Baum gleicht einem Skelett. Pannocchia greift auf Formen und Farben zurück, um dem Betrachter jenes Gefühl der Entfremdung zu vermitteln, das typisch für seine, für unsere Generation ist. Zuweilen liegt auch ein Hauch von Schwebezustand in der Luft, der aus einer tiefgründigen Reflexion über bestimmte amerikanische Kunst von Edward Hopper bis Richard Diebenkorn zu stammen scheint: Don’t worry too much ist vielleicht das Gemälde, das der Hopper’schen Bildsprache am nächsten kommt, mit diesem kahlen und bescheidenen Raum, in den das Mädchen und der Hund zurückkehren und in dem eine undefinierte Öffnung ein goldenes, unwirkliches, metaphysisches Licht einlässt. Konkrete Bilder, Erinnerungen, Motive aus dem Unbewussten des Künstlers, für den die Malerei, wie er mir sagt, auch eine Art Selbstanalyse, eine introspektive Untersuchung ist, vermischen sich auf der Oberfläche der Leinwand: auch deshalb scheint seine Ausstattung eher an die Dimension der Träume und Erinnerungen als an die der Realität zu erinnern.

In der Malerei von Matteo Pannocchia gibt es jedoch keine meditativen Recherchen zu Themen. Der Künstler aus Livorno lässt sich von der Inspiration des Augenblicks leiten. Das kann ein Moment aus dem Alltag sein, es kann eine Erinnerung sein, es kann ein Video sein, das er auf Instagram oder YouTube gesehen hat, es kann sogar ein Lied sein. Der Ausgangspunkt ist jedoch fast immer die Zeichnung. Die Ankunft ist eine Szene, die auf einem ausgeprägten Sinn für die Figur und auf einer soliden und durchdachten kompositorischen Struktur beruht und die dennoch eine Vermittlung zwischen Figuration und Abstraktion sucht, während sie sich zur ersteren neigt und fast immer das Aussehen einer Fata Morgana, einer Erinnerung, einer Halluzination annimmt. Das Ergebnis wird durch eine rigorose Arbeit an Farbe und Form erreicht. Die Farben sind kalt, zart, ungreifbar, immer unrealistisch. Und bei den Formen wendet Pannocchia einen Prozess der ständigen Subtraktion und Verflachung an: Das Ergebnis sind Figuren, die an die Zweidimensionalität japanischer Ukiyo-e-Drucke grenzen, eine weitere seiner Referenzen, oft auch für die stark verkürzten, schrägen Aufnahmen. “Matteo bereitet seine besondere Erzählung durch Bilder vor”, schrieb Jacopo Suggi, “er stützt sich auf fotografische Schnitte und Ausschnitte und auf eine eigentümliche Palette klarer, nebliger Farben, manchmal von einzelnen Figuren, die noch einsamer werden durch eineSie werden noch einsamer durch die Bereinigung von Details, durch das Weglassen von allem, was nicht als notwendig erachtet wird, um eine Botschaft zu vermitteln, was den Wunsch des Malers bestätigt, dem Publikum Werke von großer Unmittelbarkeit und Verständlichkeit anzuvertrauen, eine Bedeutung, die oft durch die Anwesenheit von Inschriften und Slogans verstärkt wird”. Es kann auch vorkommen, dass die Quelle, die das Bild inspiriert hat, explizit gemacht wird: nicht selten füllt Pannocchia seine Bilder mit Phrasen aus der Literatur, dem Kino, der Musik. Ich bin ein fremder Mann, der nur dich sehen kann, umarme mich“: Die Strophe eines Liedes von Piero Ciampi bedeckt das leichte, ätherische, unkörperliche Bild eines kleinen Wagens, in dem ein verliebtes Paar sitzt und der von einem Pferd gezogen wird: Die Szene aus vergangenen Zeiten versetzt den Betrachter an die Strandpromenade von Livorno zu Beginn des 20. Jahrhunderts, die direkt einem Gemälde von Guglielmo Micheli oder Renato Natali entsprungen zu sein scheint und in das saure Rosa eines Sonnenuntergangs getaucht ist, das in Pannocchias Werk häufig wiederkehrt. Ein Rosa, das aus der Lektion von Philip Guston stammt und das sich der Künstler aus Leghorn zu eigen gemacht hat, um seinen Bildern Leichtigkeit zu verleihen. Schließlich ist die Suche nach Leichtigkeit eines der Hauptanliegen seiner Kunst. Ein wenig aus praktischem Kalkül: Wir sprechen immer noch von einem Gegenstand, den sich ein Mensch ins Haus stellt, sagt er mir. Und es ist nicht leicht, einen Künstler zu finden, der bereit ist, das Produkt seines Talents auch als das zu betrachten, was es für diejenigen ist, die es kaufen: ein Möbelstück. Und da sich kaum jemand ein bedrückendes Gemälde an die Wand hängen möchte, ist es besser, leicht zu bleiben. Aber die Leichtigkeit, die Pannocchia sucht, ist auch ein Spiegelbild seines Lebensverständnisses. Es handelt sich nicht um eine ”oberflächliche Wahrnehmung des Lebens“, erklärt er, ”sondern vielmehr um eine Folge persönlicher innerer Arbeit. Es ist eine zuversichtliche und optimistische Art zu leben, eine Art Bewusstsein für den eigenen Wert und das eigene Potenzial und dafür, dass alles, selbst die schwierigsten Momente im Leben, in etwas Positives verwandelt werden kann“. Leichtigkeit” ist vielleicht das am häufigsten wiederkehrende Substantiv, während er mir die Gemälde in seinem Atelier zeigt, einem kleinen, zur Straße hin offenen Raum, der ein wenig wie eine Miniaturgalerie und ein wenig wie ein pied-à-terre aussieht, mitten im jüdischen Livorno, gleich hinter dem Fosso Reale, wo Modigliani der Legende nach seinen eigenen Kopf geworfen haben soll, im Herzen eines Viertels, das schon immer von der jüdischen Gemeinde frequentiert wurde.Ein Viertel, das in den letzten zweihundert Jahren immer von Künstlern frequentiert wurde, ein Stadtteil, in dem man diese Leichtigkeit im Straßenlärm hören, in den Menschen sehen, im Wind atmen kann, sie sogar an sich selbst erfahren kann, auch wenn man noch nie hier war, denn so lebt man hier. Langsam. Mit jener frischen, jungen und auch leicht melancholischen Leichtigkeit, die Giorgio Caproni, weit weg von seinem Livorno, in seinen Versi livornesi wiederzufinden versuchte, jener Leichtigkeit, die er heraufzubeschwören suchte, zu der er zurückkehren wollte (“Mia mano, fatti piuma: / fatti vela; e leggera / muovendoti sulla tastiera, / sii cauta. Und achte darauf, bevor / du den Reim abbrichst, / dass du von einem schreibst, / der lebte und wahrhaftig war. // Du weißt, dass mein Gebet / stumpf ist, und dass der Irrtum / bereit ist, das Herz abzuwenden. / Sei geistreich und aufmerksam: fromm. / Sei schlank und sei Poesie, / wenn du Leben sein willst, / und wenn du ihre einfache Herrlichkeit nicht verraten willst, / sei fein und beliebt, / wie sie es war - sei kühn / und zitternd, die ganze Geschichte / sanft, ohne Ehrgeiz”).

Es gibt Werke in Matteo Pannocchias Oeuvre, die dieses Gefühl der Leichtigkeit unmittelbarer hervorzurufen scheinen als andere, nicht zuletzt wegen der Verwendung des Unvollendeten, das in fast allen seinen neueren Werken zu finden ist. Zum Beispiel Close to the sea, eine Art Selbstporträt in einem Club an der Strandpromenade von Livorno. Seine Stadt, die ihn erst diesen Sommer bei einer spontanen Veranstaltung auf der Piazza Garibaldi, an der mehrere junge Künstler aus der Region teilnahmen, zum besten Künstler gewählt hat. Oder bestimmte Gemälde an Stränden, die ein wenig an die Toskana, ein wenig an Kalifornien erinnern (auch wenn die Palmen nicht vom Ocean Boulevard in Long Beach stammen, sondern von der Viale Italia in Livorno, im Bereich der Terrazza Mascagni). Und dann Schwimmbäder, Tennisplätze, Alleen mit Bäumen, häusliche Innenräume, Wasserparks, das Bild eines verträumten, verblassten zeitgenössischen Livorno. Das Werk von Matteo Pannocchia ist auch eine existenzielle Leichtigkeit, eine Antwort auf die Ängste des Alltags, die typischen Ängste einer Generation, die zwischen den 1980er und 1990er Jahren geboren wurde und die mit Wirtschaftskrisen, Immobilienkrisen, einer Pandemie, der Revolution der Massenmedien, dem Wiederauftauchen von Kriegsszenarien mitten in Europa, dem Das Auftauchen von Kriegsszenarien mitten in Europa, der Zusammenbruch des in der Nachkriegszeit aufgebauten Wertesystems, das heute junge Menschen in den Dreißigern trifft, die wie keine andere Generation vor oder nach ihnen so starke, so radikale, so unvorhersehbare Veränderungen in einem derartigen Tempo erlebt haben. Ein amerikanischer Journalist, Michael Hobbes, schrieb in einem 2023 in der Huffington Post veröffentlichten Langbeitrag , der durch Grafiken im Stil früher Videospiele animiert wurde, dass Millennials heute “vor der beängstigendsten finanziellen Zukunft einer Generation seit der Großen Depression stehen”: eine Generation, die sich in die Enge getrieben, überwältigt, fast ausgelöscht fühlt. Mit einem Wort: Sie fühlt sich verarscht. Leichtigkeit wird dann zu einer Notwendigkeit.

An einer Wand des Ateliers von Matteo Pannocchia hängt ein neues Gemälde, Early Morning, das einen Jungen zeigt, der mit seinem Hund auf einem Bett liegt, mit einer starken und kühnen Verkürzung, eine Art Mantegnas Toter Christus auf dem Kopf stehend, vom Kopf aus gesehen. Auf der Rückseite öffnet sich der Raum nach außen, zu einer Projektion, auf der ein Soldat mit einer Trompete zu sehen ist (ein “Brigadier”, wie ihn der Künstler nennt). Pannocchia kann nicht genau erklären, was dieses Bild bedeutet, aber das ist nicht wichtig: ein Künstler ist nicht verpflichtet, eine Erklärung für sein Werk zu geben. Und wer von einem Künstler eine Erklärung will, versucht nicht zu verstehen, zu lesen, was vor ihm liegt, es zu interpretieren, sondern will einfach eine Geschichte erzählt bekommen. Sicher ist, dass Pannocchia es als ein Werk über Ungehorsam versteht, aber das Thema Krieg hat damit wenig zu tun: Man könnte es als Ungehorsam gegenüber jedem Aufruf zu den Waffen, gegenüber jeder Erwartung lesen. Der Wunsch, als Einziger über sein Leben zu verfügen, wie man es für richtig hält. Vielleicht “eine Gemeinschaft mit den Tieren zu finden”, wie Jacopo Suggi in seinem Essay zur Ausstellung Arterie bemerkte, in der Matteo Pannocchia seine Werke 2023 in der Galerie Extra Factory in Livorno ausstellte.

Wir kehren also zum Ausgangspunkt zurück: Die Leichtigkeit in Matteo Pannocchias Kunst bezieht sich nicht nur auf den Menschen, sie ist eine Leichtigkeit, die einen Energiefluss belebt. Der Hund, eine Präsenz, die manchmal konkret, manchmal eher immateriell, mystisch, spirituell ist (wie der Hund in Gestreckter Hund zu sein scheint, es ist der Hund, den der Künstler als Kind hatte, erzählt er mir, und so kehrt er zurück, um sich in einem neuen Werk nach einer Erinnerung zu manifestieren), scheint sich fast zu einem tierischen Symbol dieser vitalen Kraft zu erheben, die sich in allen Lebewesen manifestiert. Wenn eine Gesellschaft ihre Bezugspunkte verloren hat, wenn eine Generation nichts mehr hat, in dem sie sich wiedererkennen kann, dann kann für Matteo Pannocchia der Weg zur Wiederherstellung einer Beziehung zu sich selbst und zu allem, was einen umgibt, nichts anderes sein als die Rückkehr zur Natur, zu einer Urenergie, zu einem Seinszustand, der nicht nur eine Frage des Lebens, sondern auch des Lebens selbst ist.Die Rückkehr zu einer Urenergie, zu einem Zustand der totalen Leichtigkeit des Geistes, zu einer Form der Befreiung, die in der Rückkehr zu einer bewussten und vollständigen Einfachheit begründet ist, zu der man mit einer tiefgreifenden Reflexion über sich selbst strebt, die durch den Rückgriff auf eine philosophische oder spirituelle Disziplin vermittelt werden kann oder nicht. Unter der Oberfläche vieler Gemälde von Matteo Pannocchia scheint ein Klima, eine Temperatur zu entstehen, die an Mystik grenzt.

Ich glaube daran, dass wir gewöhnliche Menschen sind", sagt er, als er mit mir über Scorciatoia (Abkürzung) spricht, ein nostalgisches Gemälde, eine Momentaufnahme eines Autos, das eine Nebenstraße, eine Provinzstraße, bei Sonnenuntergang entlangfährt, unter einem rosafarbenen Himmel, über eine rosafarbene Straße, das Rosa, das wir heute mit der Erinnerung an die 1980er Jahre verbinden, aus welchem Grund auch immer, denn es gibt keine Straße. Aus welchem Grund auch immer, denn damals gab es nicht so viel Rosa (vielleicht wegen des Neons, vielleicht wegen der Farben der Kleidung, vielleicht wegen der ersten Videospiele, die nur Bilder in Cyan und Magenta schickten, vielleicht wegen der Farbtöne verblichener Postkarten). Es ist ein Gemälde, in dem man eine Art Zusammenfassung der noch jungen Karriere von Matteo Pannocchia zu lesen scheint: ein Weg, der trotz des Namens des Gemäldes nichts Geradliniges, Lineares, Schnelles an sich hat. Ganz im Gegenteil: Es handelt sich um eine kurvenreiche Strecke, die jedoch langsam und im Bewusstsein des Weges zurückgelegt werden muss. Das Beobachten der Landschaft. Zu verstehen, dass es oft keine Autobahnen gibt, um zum Ziel zu gelangen. An das Ziel denken, ja, aber mit dem Wissen, dass man, wenn man angekommen ist, vielleicht wieder von vorne anfangen muss, weil man entdeckt, dass der Weg noch nicht zu Ende ist.

Matteo Pannocchia ist heute, nachdem er eine gewisse künstlerische Reife erlangt hat, leicht mit jener neuen jungen italienischen Figuration zu vergleichen, die einen heterogenen Kern von Künstlern versammelt, die zwischen den 1980er und 1990er Jahren geboren wurden (als Beispiel können wir hier Malerinnen wie Francesca Bancozzi nennen, die in den 1980er und 1990er Jahren geboren wurde).Dazu gehören zum Beispiel Maler wie Francesca Banchelli, Romina Bassu, Fabrizio Cotognini, Rudy Cremonini, Alice Faloretti, Andrea Fontanari, Patrizio Di Massimo, Diego Gualandris, Davide Serpetti), die in der Lage sind, sich zwischen Realität und Traum, zwischen Eindruck und Ausdruck zu bewegen und Traum, zwischen Eindruck und Ausdruck zu bewegen, Maler, die oft nach Amerika blicken (manchmal vielleicht sogar zu sehr), aber verstehen, dass die Verbundenheit mit der Tradition unseres Landes der einzige Weg ist, sich zu entwickeln, Künstler, die eine neue, wichtige und fruchtbare Zeit für die italienische Malerei eröffnen (oder besser gesagt, bereits eröffnet haben). Einige von ihnen sind bereits etabliert und haben bereits in nationalen und internationalen Kontexten ausgestellt, während andere gerade erst begonnen haben, sich einen Namen zu machen; es handelt sich um eine Bewegung, die unterstützt und gefördert werden muss. Für Matteo Pannocchia hat die langsame, ungewisse und kurvenreiche Reise, die seine Bilder darstellen, gerade erst begonnen.

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