Die Kunst von Albert Oehlen, ein faszinierendes und kühnes Rätsel

Albert Oehlen, geboren 1954 in Krefeld, Deutschland, ist seit den 1980er Jahren eine Schlüsselfigur der zeitgenössischen Kunst. Seine Kunst vereint abstrakte und figurative Werke, Collagen und computergenerierte Elemente und erforscht weiterhin eine erfinderische Vielfalt künstlerischer Ansätze, die von expressionistischen Pinselstrichen bis zu surrealistischen Gesten mit fast extremer Kühnheit reichen.

In den 1980er Jahren, einer Zeit, in der Oehlen an der Hochschule für bildende Künste in Hamburg studierte, versuchten Künstler, Werke zu schaffen, die eine Kategorisierung herausfordern und dem bestehenden künstlerischen Status quo widersprechen. Oehlen begann, sich einen Namen zu machen, als er sich, wie viele in Deutschland, der Schweiz und Österreich tätige Künstler, der Künstlergruppe Neue Wilde oder Junge Wilde anschloss und begann, abstrakte und figurative Stile in seinen Werken nebeneinander bestehen zu lassen. Im Laufe der Zeit wandelte sich Oehlens Einstellung von der groben figurativen Herangehensweise seiner frühen Tage zu einer Kombination aus Flexibilität gegenüber Konventionen und Abstraktion.

Dabei arbeitete er innerhalb selbst auferlegter, oft absurder Parameter: Für seine “grauen” Bilder verwendete er nur Grautöne und beschränkte sich auf Rot, Gelb und Blau für eine andere Serie von - wie er es nennt - “schlechten” Bildern, zu denen auch sein berüchtigtes Porträt von Adolf Hitler aus dem Jahr 1986 gehört. Er hat Fingerbilder gemalt, Collagen mit Bildern aus der Supermarktwerbung erstellt und sich Mitte der 1990er Jahre der digitalen Manipulation in Werken zugewandt, die er ironisch als “computerisierte” Bilder bezeichnet.

All dies mag wie ein unpassendes Durcheinander von Stilen und Experimenten erscheinen, fast so, als würden die kompositorischen Elemente der Werke aufeinanderprallen. Was also will seine Malerei offenbaren? Alle Werke unternehmen den Versuch, sich von den Geschichten zu befreien, die instinktiv und kulturell mit einem Motiv, einer Farbe, einer Technik, einer Handbewegung oder einem Pinselstrich verbunden sind.

Wie Oehlen selbst sagt: “[Das Bild ist] eine Art Vehikel für mich. Es ist wie ein Motiv-Baukasten. Es ist eigentlich ein einziges Motiv, aber mit verschiedenen Elementen, die unterschiedlicher Natur sind. Es geht vom Grafischen zum Pittoresken. Das heißt, es gibt Teile, die einen dazu bringen, mehr zu malen, plastischer zu werden. Dann gibt es andere mit einem großen Buchstaben und kleinerem Text und einem Holzbalken. Es gibt einen Kopf mit einem Pilotenhut und einer Schutzbrille. Aber es könnte auch ein drittes Auge sein, Strahlen und Linien, die in die Tiefe gehen, wie bei [Salvador] Dalí, oder die Holzbretter, die wir in den Bildern von Jörg Immendorff finden”.

Wenn Oehlen eine Methode hat, dann ist es die, sich Pinselstrich für Pinselstrich von der konventionellen Eleganz zu entfernen, um mit einem Augenzwinkern auf die amerikanische Aktionsmalerei der 1950er Jahre und die Kunst von de Kooning zu verweisen. Albert Oehlens Kunst präsentiert sich als Ode an die Freiheit des schöpferischen Akts, und mit expressionistischen Zügen und surrealistischer Methodik tritt sein Werk in einen Dialog mit der Geschichte der abstrakten Malerei, wobei er die Grenzen der Abstraktion in unerforschte Gebiete vorstößt.

Oehlen ist schwer zu entschlüsseln, ein Rätsel, das von einem künstlerischen Geheimnis umhüllt ist, und das macht ihn so faszinierend. Seine Praxis lässt sich als ständiges Experiment und endlose Suche nach neuen Ausdrucksformen interpretieren. Hinter diesem scheinbaren Experimentieren verbirgt sich jedoch eine klar definierte Absicht: der Wunsch, jeder Form von kreativer Begrenzung zu entkommen.

In der oft ernsten und starren Welt der zeitgenössischen Kunst zeichnet sich Oehlen durch seine unbeschwerte und spielerische Herangehensweise aus, eine Art ironische Distanz, eine Ablehnung der Starrheit und Formalität, die die zeitgenössische Kunstwelt manchmal durchdringt. In diesem Sinne wird seine Kunst zu einer authentischen und unprätentiösen Ausdrucksform, die seine Persönlichkeit und seinen freien Geist widerspiegelt.

Der Künstler selbst sagte: “Ich habe schon immer Farbe verwendet, aber nicht mit dem Herzen, dem Auge oder dem ästhetischen Urteilsvermögen. Ich habe mich nicht um Farben gekümmert und war froh, nicht darüber nachdenken zu müssen. Etwa 20 Jahre lang habe ich einfach Farben auf die Palette gelegt und mit dem gearbeitet, was da war. Dann kam der Moment, in dem ich dachte: ”Was wäre, wenn ich mich für Farben interessieren würde? Dieser besondere Paradigmenwechsel führte zu einer Arbeitsweise, die “etwa zwei Jahre lang Gemälde” hervorbrachte. Obwohl, so fügt er lachend hinzu, “es möglich ist, dass viele Leute den Unterschied nicht bemerkt haben”.

Oehlen entfernt sich von der konventionellen Auffassung von Malerei als individuellem Ausdruck: Er lässt sich von der Verwendung von Farben, Formen und Räumlichkeit mitreißen und versucht, die Funktionalität des Mediums zu erforschen und nicht seine Fähigkeit, Bedeutungen zu vermitteln und Emotionen hervorzurufen. Mit seinem Werk tritt Oehlen für eine energische und herausfordernde Antwort auf die Unzulänglichkeiten der visuellen Darstellung ein, indem er unermüdlich die Neuerfindung und Neuformulierung der bildnerischen Methoden im Gegensatz zu den traditionellen Hierarchien verfolgt. Seine Gemälde sind von einer unerbittlichen Energie, und wohin das Auge auch geht, findet es Dinge, die es beschäftigen, die aber nicht zusammenpassen.

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